Al habla con...

... ÁFRICA GOZALBES (Noviembre 2011)

2012-02-11T04:30:00.000-08:00

“Toc Toc” vive su tercera temporada de éxito llenando casi a diario el Teatro Príncipe Gran Vía. Hemos podido charlar con una de sus intérpretes que aunque no ha formado parte del reparto desde la primera temporada se ha acoplado al ritmo vertiginoso de esta comedia de un modo sobresaliente. Ella es África Gozalbes:

Pregunta: Sin duda, hablamos de un rotundo éxito teatral que ocurre pocas veces en el teatro, ¿no es así?

África Gozalbes: Es un acontecimiento, para mí como actriz, y yo creo que para todo el elenco, porque hemos tenido la suerte de entrar en una función de teatro que ha encajado perfectamente en la risa y en el deseo del público y se están manteniendo día tras día, sin perder un ápice de lo que nos está dando a todos, que la verdad, son momentos de risa y de alegría.

Pregunta: Has entrado una o dos temporadas más tarde. Supongo que para ti habrá sido un reto muy grande...

África Gozalbes: Nunca es fácil sustituir a una compañera y mucho más a una buena compañera profesional y actriz ¿no? Pero al fin y al cabo es parte de nuestro trabajo; hoy estamos aquí, mañana allí... Y de lo que se trata es que cada personaje te lo tomes como un reto y yo lo que intenté hacer es coger de mi anterior compañera lo mejor, que ella me ofreció como público y aportar yo junto con las directrices de Esteve Ferrer todo lo que tenía en mi ser... Y así lo he hecho, así lo he intentado al menos.

Pregunta: Tu personaje tiene el Toc, la obsesión por la limpieza, no tocar las cosas por si acaso hay alguna bacteria...

África Gozalbes: Sí, la verdad es que te ríes, pero si profundizas en ello, son verdaderos dramas lo que están sufriendo cada uno de los personajes... El mío en concreto no es demasiado extraño y si ahondas un poco a tu alrededor casi seguro que vas a encontrar a alguien que tiene, quizá no llega a ser tan radical o tan extremo, pero sí tenemos algunas manías que se llegan a convertir no en trastornos obsesivos, pero sí en manías exageradas sobre algo; y en concreto sí este personaje, en la limpieza es bastante antagónico a mí, sinceramente (risas), con ello no quiero llegar a equívocos, pero realmente no me ha costado, lo único que he hecho ha sido investigar un poquito, preguntar, consultar... De hecho he tenido cerca de mi entorno a alguien a quien he podido preguntar expresamente y después, el trabajo en equipo y con la dirección de Ferrer, que ya venía del éxito de la primera temporada, con lo cual ya se sabía muy bien, dentro de la verdad de cada personaje, dónde estaban los gags y porqué y cuándo funcionaban.

Pregunta: Sí porque si algo está presente en esta obra es el respeto máximo a esa línea invisible que marca la comedia de la caricatura vulgar ¿no es así?

África Gozalbes: Sí, yo creo que es porque todos lo hemos trabajado desde la más profunda seriedad, lo que pasa es que no podemos olvidar que esto es una comedia y que de lo que se trata es que la gente pague la entrada y se vaya mucho más contenta de lo que entró, tras haberse gastado un dinero, haber disfrutado, no arrepentirse de ir al teatro y lo más hermoso, cambio de tema pero es algo que acaba de pasárseme por la cabeza, y es algo hermosísimo que estamos viendo, contemplando y es que hay gente que creemos que puede que sea la primera vez que va al teatro, quizá por el comportamiento del público, no sé, siempre puedes analizar igual que nos analizan a nosotros, y realmente eso es muy bonito... También ves gente joven que sabes categóricamente que es difícil que en una sala de cine sí, pero en una sala de teatro pues no, y nos están regalando con la asistencia... Te he cambiado de tema (risas)... Te hablaba de la seriedad y el respeto con los que hemos trabajado cada uno de nosotros nuestro personaje, entonces, creo que eso le da la verdad, la seriedad, eso es lo que hace que la gente cuando nos ve está viendo actores, o empieza a ver ya personajes que están ahí con su problema, su angustia, sus deseos, sus miedos y que están profundamente arraigados en la verdad, de eso se trata ¿no?
Ah! Te tengo que decir una cosa, justamente en mi personaje, que está un poco apartado del grupo siempre... Ya no tanto, porque son muchísimas funciones, pero sí que es cierto, que he tenido a veces que recular o he tenido que hacer una reflexión porque estaba demasiado suelta en algunos momentos, como hay veces que trabajo sola ¿no? Porque soy independiente del grupo, pero ha sido una labor estupenda la de nuestra ayudante de dirección, Sara Moros, que también es compañera y actriz, y ella es la que en alguna medida, desde fuera, está continuamente recordándonos dónde estaba la línea marcada del personaje... Y aún así se nos deja, dijéramos, investigar, jugar, divertirte y descubrir cosas nuevas, porque después de cuatrocientas funciones si no vas descubriendo cosas a través de ese intercambio con el público de energía, entonces el teatro sería algo muerto. La idea está, pero los actores están vivos, no lo olvidemos...

Pregunta: Algo importante que lleva a cabo esta función es la desmitificación, quitándole la etiqueta, a las personas que padecen algún Toc, no son simples Locos, ni tan siquiera lo son... Porque al fin y al cabo todos somos un poco neuróticos...

África Gozalbes: Tan pretenciosa no me puedo considerar, pero sí que es cierto que al plantear estas enfermedades de esta manera, con esta comedia, sí que es verdad que el enfermo no es capaz de reconocerlo o no le gusta verlo reflejado, pero las personas que entramos en ese baremo de normalidad (entrecomillado) sí que podemos ver reflejadas muchas manías absurdas o muchas ideas reiterativas que tenemos que somos bastante capaces de reiterar para tener una vida normal, feliz o más tranquila, entonces, en ese sentido sí podemos ser un espejo, no distorsionado de una posible realidad, ahora ya cada cual que se acerque a ver lo que quiera; hay gente que simplemente se echará un rato de risas, hay gente que de pronto sentirá que podría modificar cosas en su vida y eso sería interesante porque para qué está el teatro sino?

Pregunta: Sí, sobre todo al final, cuando uno de los personajes olvida su Toc, al preocuparse por otro. Quizá nos dice que si dejásemos de mirarnos tanto “el ombligo” nuestros problemas serían menores o simplemente no serían..

África Gozalbes: Exacto, si eso se traslada a la vida normal vemos que la solución de nuestros problemas está a nuestro alrededor... Podría ser, sí. Hombre lo más importante, hablando más seriamente de la obra, de esta enfermedad, lo primero es reconocerlo, entonces lo que sí demuestra como un ejemplo claro, nuestros personajes, es que han reconocido que necesitan ayuda; eso en cualquier tipo de enfermedad psicológica o psiquiátrica, lo primero es reconocer tu enfermedad, reconocer que necesitas ayuda y tener la capacidad de salir y de buscarla, entonces en ese sentido sí podría ser un ejemplo, nuestra función...

Pregunta: ¿Cómo preparaste tu personaje y qué pensaste cuando recibiste la llamada y la invitación para participar en esta obra?

África Gozalbes: Curiosamente vi la función como compañera actriz, como público normal y me lo pasé estupendamente, y dos o tres días después, yo lo había comentado con compañeros y con gente que se dedica a otras profesiones porque realmente me llamó la atención la función y cuál fue mi sorpresa cuando tras esos días me llamó el director, seguidamente me llamó el productor y me alegría fue sublime... Y ahora ya no sé cómo considerarla ni cómo definirla, porque estar teniendo el éxito que estamos teniendo con una función en Madrid que día a día, no te digo lleno, aunque los sábados sí, pero que a diario se demuestra el interés de la gente por este trabajo, francamente en los tiempos que corren es más que una suerte, no sabría ni cómo definirlo... Así que la verdad es que estamos todos alegres y contentos...

Pregunta: No se está notando la crisis en el teatro ¿no?

África Gozalbes: Nosotros no la notamos, tenemos esa suerte... No sé si en otras ramas de nuestro trabajo se está notando... Hombre quizá la función, como es tan divertida y la gente sale tan contenta y optimista, eso lo transmite y eso hace que nuevas personas vengan a ver la función, incluso hay gente que repite... No sé, como muchas madres dicen: “Para sufrir siempre hay tiempo” (risas) pero bueno, eso no es verdad, que algún día me tocará hacer un drama y lo defenderé seguramente con el mismo ahínco ...

Pregunta: Sí, porque tu carrera es extensa y variada. He leído que comenzaste en los medios presentando un programa infantil...

África Gozalbes: Sí, fue una etapa muy divertida, también difícil porque era el primer programa infantil que emitía y producía Canal Sur y estaba todo un poco desencajado, incluso yo, la presentadora, también se desencajaba... Pero fue divertido el contacto en directo con niños en el plató; yo creo que era cariñosa porque me gustan los críos y cantábamos canciones; grabé siete u ocho canciones y en cada programa diario, se cantaba en playback, pero vamos, yo cantaba con todas mis ganas porque me gusta y me divierte, entonces sí, fue una experiencia muy bonita, ya después de aquello sí que se hicieron programas mucho más compactos, con apartados estudiados y pedagógicos, enfocados a los niños y a los jóvenes... Fuimos los pioneros, abrimos puertas y contenta que sigo...

Pregunta: Las puertas de la popularidad se te abrieron con “Farmacia de guardia”...

África Gozalbes: Sí, con el gran maestro, Antonio Mercero, al que quiero, adoro, idolatro... porque ha sido una persona grande, gigante, con una cabeza interesantísima y un corazón enorme; entonces le debo mucho y espero que esté pasando unos días tranquilos y a gusto, rodeado por sus amigos y su familia...

Pregunta: ¿Qué queda de ti de “Reyes”, de “Queen”?

África Gozalbes: ... Queda todo, queda nada... No sé, para mí queda el recuerdo, no tanto del personaje, sino de una etapa de mi vida en la que conocí gente de la profesión estupenda, gente como llamamos nosotros “los viejos consagrados”... Y claro, aprendí mucho escuchando, viéndolos interpretar, fue un paseo por una galería de gente estupenda y profesional que aportaron mucho a mi carrera y me enseñaron mucho... Eso es lo más interesante, las relaciones personales y profesionales que hice y que para mí se quedaron, ya a nivel profesional refiriéndome a la interpretación, bueno, fue una etapa estupenda, me divertí mucho haciendo ese personaje, pero queda ahí en el recuerdo, no más, la vida sigue, tú continúas creciendo, cumpliendo años... Y también se van sucediendo por ti los personajes y la capacidad para poder interpretarlos...

Pregunta: Supongo que esa curiosidad por aprender, como nos comentas, esa curiosidad por la escucha... Eso no se debe perder nunca, de hecho creo que nunca se pierde...

África Gozalbes: No, por eso te digo. Te hablo en concreto sobre el personaje, era fantástico pero ya pasó. Ahora hay otras cosas. Lo que me queda en esencia es un recuerdo estupendo de una oportunidad que tuve fantástica y que no puedo olvidar que me la dio Carmen Utrilla porque fue la primera que me hizo el casting y se lo agradeceré toda la vida, porque fue la que me seleccionó para que Antonio Mercero me viera y cuando hice la prueba con Antonio, debió decir “ésta es mi chica” y ahí me quedé una buena temporada.

Pregunta: Pero has trabajado sobre todo en teatro “Atraco a las tres”, “Ud tiene ojos de mujer fatal”, “Yo me bajo en la próxima y usted”... Obras clásicas, muy variadas, de distintos géneros... Aunque prima la comedia, lo que dicen es más difícil...

África Gozalbes: Sí, yo creo que es lo más difícil. Hacer llorar desde la verdad, el actor debería estar entrenado para ello... Entonces, creo que es más sencillo, sinceramente, como espectador, como público a veces también es más fácil tocar el lado lacrimógeno, sensible... Hacer reír requiere un ritmo, una especial cosa milimétrica... Aparte de un don especial que no digo yo que lo tenga, pero sí que es cierto que la comedia requiere una técnica diferente que es más difícil de dominar, un tempo, un ritmo... Yo lo compruebo en esta función porque en el momento en que te pasas un poquito, no hablo de exagerar en la interpretación, sino que dejas pensar demasiado al espectador, o que no le das tiempo a ello, el chip ha pasado, y ya no le das tiempo y tienes que continuar adelante; creo que hacer reír es bastante difícil...

Pregunta: Hablas de “Toc Toc” que es una obra con un ritmo trepidante, como lo pierdas...

África Gozálbes: Nosotros mucho peor todavía, porque como un día se nos pasa un pensamiento se nos va el tiempo de decir nuestra frase... Es vertiginoso; eso es lo que yo también creo que ha hecho que esta función sea un éxito, el ritmo vertiginoso al que le ha sometido el director, porque realmente la gente sale diciendo que se le ha hecho corta... Y es así, habrá gente a la que no le guste, claro está... ¿Por qué no, además?... Pero no es la mayoría... El 90% es gente que sale con la sonrisa puesta, disfrutando, yo creo que es un logro, no podemos negarlo.

Pregunta: Comentas que es fácil hacer llorar desde la verdad, quizá lo más difícil sea alcanzar esa verdad sobre el escenario...

África Gozálbes: Sí, pero eso es trabajo, eso son oportunidades, eso es concentración, una buena dirección, una buena entrega... Son muchos ingredientes. Todos los que nos dedicamos a esto le ponemos pasión y ya es una cosita interesante... Eso no quiere decir que todos seamos estupendos... Pero también hay tanta gente, tantos gustos, tantas maneras de ver lo que nosotros ofrecemos... Cada uno debe ir encontrando su camino, si tiene oportunidad, porque están los tiempos muy difíciles y no me pongo pesimista sino realista.

Pregunta: Háblanos más de esa realidad...

África Gozalbes: Es que realmente si la cosa a nivel global está mal, deficiente y muy peligrosa, cayendo desde las cumbres... En nuestro trabajo hay muchísimos compañeros que son válidos como profesionales y como personas y están ahí en retaguardia esperando un momento, una oportunidad, un sueldo, un trabajo, un personaje al que defender... Y eso lo sabemos y yo creo que por eso todos los actores y actrices que estamos trabajando, estamos dando en estos tiempos todo lo que podemos y más, porque nos sentimos unos privilegiados... Estoy pluralizando, pero es lo que siento...

Pregunta: Comentas que es difícil encontrar una oportunidad, ¿Crees que hoy en día se tienen en cuenta otras cosas, no tanto la formación, la experiencia como tener un rostro más o menos conocido?

África Gozálbes: Sí, pero eso es desde hace mucho tiempo... y mucho más en imagen... Pero creo que cada uno tiene que lucharse su camino y no siempre están todos los que son y no son todos los que están y contra eso tampoco creo que se pueda ni se deba luchar... Porque el que tú tengas una formación académica fantástica, valorada, no significa que a lo mejor en imagen, por ejemplo, tengas la capacidad no sé si de transmitir, pero tengas la suerte de gustarle a lo mejor a esa gran mayoría que deja la serie de televisión porque estás tú... No sé si me explico, quiero decir, que la imagen depende mucho más del físico, pues sí, creo que sí; que lo tienen más ganado determinadas personas, pero bueno, así es la vida... En otros terrenos, también hay a veces injusticias pero sí desequilibrios y contra eso no, pero con eso hay que convivir...

Pregunta: ... Con eso hay que convivir, pero a veces es difícil, ¿no?

África Gozálbes: Bueno, pero es que la vida es así... Si te quedas esperando a que todos los problemas pasen por delante, tendrás que salir, saltar al ruedo e intentar solucionar tu vida, nadie te va a llamar... Son los mínimos compañeros, en concreto en mi profesión, a los que llaman por teléfono y les dicen “oye...” La gente se tiene que relacionar, dejarse ver... Y te lo digo yo que tengo dos hijos, uno de cinco años y otro de ocho y estuve un tiempo no retirada pero sí un poco apartada porque quería estar cerca de mis hijos, pero luego nadie te espera, por lo menos a mí no me esperó nadie y tienes que lucharte el camino y la vida profesional, de eso se trata. ¿Qué hay injusticias? Sí, en todos los terrenos de la vida, pero...

Pregunta: ¿En ese no esperar no crees que hay un poquito de falta de respeto o de reconocimiento?

África Gozalbes: No, yo considero que tiene mucho que ver con la cultura de la sociedad... Entonces, a lo mejor, en otros países no sé si se idolatra pero sí se encumbra a los personajes de la cultura de una manera... Es que es lo que nos toca y si esta sociedad no es la inglesa que cuida muchísimo a sus actores y a sus figuras... Nuestra sociedad la hacemos todos, yo formo parte de ella, lo que tengo que hacer es intentar cambiar lo que no me interesa en la medida en la que pueda... Y corre, corre que la vida se va volando...

Pregunta: ¿Qué podríamos hacer para mejorar la cultura del país que nos ha tocado vivido?

África Gozalbes: Es una pregunta dificilísima de contestar, porque justamente en tiempos de crisis o en los que la economía es la que engloba a todas las cabezas y es lo que preocupa realmente... La cultura queda en segundo plano, que se toca con pinceladas para demostrar que no se deja olvidada, pero también por otra parte entiendo como ser humano y como ciudadano que no debemos descuidarla nunca porque la cultura es la esencia de una sociedad... De ahí se nutre, y los artistas... incluyendo a la gente que forma parte de la cultura escrita, escritores, pintores, escultores... la gente que crea en grande... esta gente tiene mucho que decir y a través de la cultura se cambian sociedades, pensamientos... debería seguir teniendo un sitio grande, enorme e importante, dentro del podium... pero también hay que dar de comer a la gente... Entonces está claro que en situaciones como la que estamos viviendo ahora hay otras prioridades que son las que deben regir ahora la política y la economía... Eso no quiere decir que no haya cosas que se hayan hecho mal ¿eh?...

Sofía Basalo.

... ANTONIO ALBELLA (Septiembre 2011)

2012-01-29T04:06:00.000-08:00

Dice la canción que veinte años no es nada. No es así en la trayectoria profesional de un actor vocacional que ha pasado por la música, la televisión y cómo no, el teatro. Antonio Albella vuelve a subirse a las tablas de la mano de Víctor Conde, dando vida a un avezado inspector lo suficientemente inteligente como para negar la existencia de un “Crimen Perfecto”. Junto a Jorge Sanz, Pablo Puyol y María Castro completa el reparto de una propuesta teatral que homenajea al séptimo arte de un modo notable. Es palpable la pasión que mueve a Albella, en una conversación sumamente agradable que nos descubre a una persona con una desbordante y contagiosa generosidad:

Pregunta: ¿Qué es más fácil cometer un crimen perfecto o hacer una obra perfecta?

Antonio Albella: Espero que sea más fácil conseguir hacer una obra perfecta, porque cometer un crimen perfecto es un delito y una cosa terrible... Sí, es difícil encontrar, ver, hallar el punto justo en que una obra guste a todo el mundo, un montaje satisfaga a todo el mundo, pero creo que con esta función lo estamos consiguiendo, porque logramos aunar cine y teatro; hemos tratado de que la gente cinéfila que se acerca al teatro para ver esta adaptación de la película de Hitchcock se encuentre con referencias cinematográficas, sin olvidar que Hitchcock realmente adaptó “Crimen Perfecto” de una obra de teatro; Los orígenes de “Crimen Perfecto” en principio son los de una obra de teatro maravillosa de una arquitectura teatral casi perfecta, lo que pasa es que se hizo tremendamente famosa por la versión cinematográfica de Hitchcock porque entre otras cosas es una de sus piezas clave, uno de los clásicos de su filmografía, entonces yo creo que la gente queda muy satisfecha, está viniendo mucha gente que no es tan habitual del teatro pero que se acerca porque es fanática de Hitchcock y tiene realmente curiosidad por ver cómo hemos montado esto ¿no?

Pregunta: Hablabas de la pasión con la que afrontas cada proyecto, yo creo que sin esa pasión sería muy difícil ¿no?
Antonio Albella: Yo soy un actor vocacional, me imagino que mis compañeros o los compañeros que conozco, casi todos los que hacemos teatro somos muy vocacionales, porque subirse a las tablas de un escenario... es algo muy vocacional, no hay que tener miedo escénico... Hay actores que quizá no hacen teatro porque pueden tener un pequeño miedo escénico, porque tienen miedo a las tablas; pero yo creo que el actor vocacional, el que nació con esto, como creo que yo nací y que tenemos algo dentro, ese monstruo que tenemos que alimentar cada día, nos gusta subirnos al escenario y vivir durante dos horas en la piel de otro personaje, eso sin desmerecer a los compañeros que trabajan en cine y en series de televisión donde yo también he trabajado, y yo soy un cinéfilo empedernido y por supuesto me gustaría hacer cine; no he tenido la oportunidad nada más que en contadas ocasiones, en cortometrajes y en algún pequeño papel, pero por supuesto, hacer cine también es muy difícil, pero efectivamente, hay que tener pasión y una vocación muy fuerte para involucrarte en una obra de teatro, ya sea en una sala alternativa, en salas comerciales como lo estoy haciendo en los últimos tiempos... Que haya personas, como en una sala de microteatro, o que haya cuatrocientas como en el Teatro Reina Victoria, da igual, estás en frente de un montón de gente y la maravilla del teatro es que ya sean quince o trescientos, es mágico sentir cómo todo ese colectivo se convierte en uno solo, en un ente que funciona a la vez, ésa es una de las maravillas que día a día me sorprende. Cómo toda la gente a la misma vez reacciona al mismo gag cada noche, o reacciona al mismo susto... eso es una maravilla, esto es por lo que nos movemos nosotros aparte de la sensación de querer ser otro personaje... No lo sé, el ser humano es infinito, imagino que cada compañero tiene una idea de su carrera, pero a mí realmente el fenómeno teatral es eso, es que estás dando a la gente una parte de tu vida, no hay espectáculo comparable con esto, sentir en este caso que cinco actores recreamos una situación que es de suspense, aunque tenemos una realidad paralela, porque ya viste...

Pregunta: Hacéis cine dentro del teatro...

Antonio Albella: Sí, interpretamos a unos actores que están haciendo esta película en el Hollywood de los años cincuenta, es maravilloso... es una sensación única, ese momento de vida que te están dando cinco personas; como digo, no hay espectáculo comparable, porque en el cine, por ejemplo, tú ves la misma película cada día, porque está rodada y está hecha con muchísimo esfuerzo, con más o menos medios, pero la película es la misma, se puede eternizar en el tiempo, si se convierte en una obra de arte; pero en el teatro, lo que se hace cada noche, aunque se haga el mismo texto, un actor puede estar con gripe, otro actor puede venir enfadado, cada función es distinta realmente, y eso es una maravilla... Haces la misma función con el mismo texto, los mismos efectos especiales, las mismas luces, pero en este caso por ejemplo, nosotros cada día, damos una vuelta de tuerca más, nuestro iluminador que es fantástico, Carlos, cada vez está matizando más los colores de las luces, para que den todavía mayor sensación de suspense al público, en fin, es un espectáculo muy vivo, como cualquier función de teatro, un espectáculo vivo.

Pregunta: Tu personaje hace su aparición desde el patio de butacas, con un aire verdaderamente misterioso...
Antonio Albella: Cuando entro en el patio de butacas soy el actor que va a interpretar a un inspector. Soy un actor muy de los años cincuenta... Y en esos años todo el mundo iba mejor vestido, todo el mundo cuidaba más su imagen que ahora; en la actualidad un actor como yo, aunque me gusta ir bien vestido y tal, tiende a ir más cómodo, pero en los años cincuenta iban muy bien vestidos a su trabajo, incluso aquí mismo en España hay grandes ejemplos de eso, de auténticos estereotipos de la elegancia como era Alberto Closas, como sigue siendo Arturo Fernández, que van impecables, a mí eso me encanta... Entonces, el espectáculo comienza cuando la gente está entrando en la sala y ve cómo estamos preparándonos en mi caso, yo soy un actor que llego a trabajar, saludo a mis compañeros, se está maquillando María Castro que en este caso es Grace Kelly, tenemos a la vista del público nuestros camerinos, la maquilladora... A la gente le está gustando mucho estas transiciones entre escena y escena, donde haciendo un paralelismo con el mundo del cine se corta cada escena, y vuelve el ritmo frenético de un plató, maquilladores que retocan a los actores, tramoyistas que ponen una pared... y a nosotros nos divierte mucho hacerlo, tanto es así que en el proceso de ensayos, incluso se pensó en hacer pequeñas subtramas entre estos actores de Hollywood. Sí, se pensó que el galán podía estar flirteando con la actriz, o podía haber un pequeño enfado entre el actor principal y el actor secundario, pero el director pensó que esto podía confundir a la gente para que ésta, esté pendiente de lo que realmente queremos contar que es la maravillosa obra de “Crimen Perfecto”. Se podía haber hecho pero creo que a la gente hay que darle las cosas fáciles para que no se confunda, la gente lo coge y lo entiende perfectamente, sabe que es un rodaje de una película que es un plató cinematográfico y después a la gente le encanta el suspense que ya contó Hitchcock, porque está espectacularmente escrita, tiene un suspense muy sencillo, todo depende de una llave y de un olvido... o de un malentendido, el marido confunde o saca una llave de donde no debe de ser y ahí es donde el crimen deja de ser perfecto... y donde mi personaje lo descubre ¿no? Pero no quisimos cargar las tintas en esa segunda realidad paralela, sino simplemente dar una nota y darle una vuelta de tuerca a una función que no queríamos, o por lo menos que el director, Víctor Conde, que es un visionario, no quería hacer un decorado fijo, el apartamento del matrimonio Wendice, que es donde todo transcurre y como se representó en los años cincuenta. Ahora el público está muy acostumbrado a musicales, a audiovisuales, a películas en 3D, con lo que creo que está muy bien que hayamos hecho o Víctor haya tenido esta maravillosa idea, de hacer este plató cinematográfico, yo creo que queda muy bonito, a la gente le gusta mucho y es una visión muy “chula” de adaptar un clásico del cine.

Pregunta: Has comentado que nunca te habías enfrentado a un personaje tan rico, con tantos matices. Vemos que Jorge Sanz es Ray Milland; María Castro calca a Grace Kelly y Pablo Puyol hace lo mismo con su personaje, pero tú no, tú has querido crear a un personaje diferente...

Antonio Albella: Tuvimos entre el director y yo, un trabajo de decidir si nos arriesgábamos a lo que la gente está viendo, que es darle una composición, “no naturalista”, aunque hay gente que habla así y que son muy cursis... entonces, nos fuimos, copiamos mucho, nos inspiramos mucho en toda esta gama de inspectores de policía de las películas basadas en las novelas de Ágatha Christie, como puede ser Hércules Poirot, que lo interpretaron para el cine, divinamente Albert Finney t Peter Ustinov, en las distintas versiones de las novelas de Ágatha Christie, y al mismo tiempo, el propio inspector que aparece en la película de Hitchcock que era un actor secundario, no muy conocido realmente, llamado John Williams... Y a mí me ayudó mucho, hay algunos detalles que he querido copiar para homenajear a este hombre allá donde esté, pero sí que es cierto que nunca había hecho un personaje hablando de una manera que no es la mía, por ejemplo, yo tengo un tono más bajo y este señor habla con un tono más alto... Corríamos el riesgo y en eso Víctor Conde estuvo muy pendiente de mí, de que no se nos fuera al inspector caricaturesco de Peter Sellers en la Pantera Rosa... que podríamos haberlo hecho, pero ya no entraba en toda la elegancia del montaje, por eso siempre tengo mucho miedo de no pasarme, podíamos haber hecho a un señor que se tropieza con los muebles y que le hubiera hecho muchísima más gracia a la gente todavía... a la gente le hace gracia pero en su justa medida, ya viste que hay una sonrisa amable, es un personaje que desengrasa la tensión de todo el primer acto y a la gente le hace gracia, pero no es la carcajada. Víctor en ese sentido ha sido muy cuidadoso, yo trato también de que no se me vaya el personaje por la tremenda comedia sino estar siempre muy ajustados en eso en la sonrisa amable... Hay una serie de gags, yo pongo una voz un poquito aguda, hago mucho color con la voz que no había hecho nunca y que realmente es un poco cansado para las cuerdas vocales, pero muy satisfactorio al final, a la hora de los aplausos, porque notas que a la gente le ha gustado.

Pregunta: Habéis ido a lo más difícil y lo más acertado, no cruzar esa línea invisible tan delicada...

Antonio Albella: Sí eso me dice la gente y los compañeros que han ido a verlo, de cuyos criterios me fío, como me fío del tuyo... Y sí lo que al principio puede sorprender cuando aparezco, pero cuando ves por dónde va el personaje, ya te sientes cómodo, gusta y además en definitiva es el que va adivinando todo, también me preocupaba mucho que la gente entendiese muy bien cuál había sido el error de Tony Wendice, interpretado por Jorge Sanz, dónde se le había escapado el detalle y la gente se entera muy bien con el monólogo final que tengo, sobre dónde estaba la llave, qué pasó con el asesino y todo eso, está muy bien lo disfrutamos mucho todos, lo pasamos muy muy bien, creo que Jorge Sanz hace un gran trabajo, quizá su mejor trabajo en teatro, porque además es una función que tiene que ver mucho con él, ya que él ha sido un gran galán de este cine nuestro, y Jorge está estupendo; Pablo Puyol en su papel de galán, también está muy bien; María Castro sigue su trayectoria después de “La Ratonera” y está maravillosa y José Sánchez Orosa, hace un asesino también muy creíble y muy difícil, porque es un personaje muy oscuro y muy patético, realmente. Es un personaje bonito también... Hacemos en definiva un reparto muy compacto.

Pregunta: Creo que llevas veinte años en el mundo del espectáculo, en el teatro, la música, televisión...

Antonio Albella: Sí y los he cumplido este año. En 1991 Consuelo Berlanga me eligió para presentar con ella un magazine matinal y yo que ya había hecho teatro, en este programa también hacíamos nuestros sketches de teatro y ya sabes lo que son los matinales y sobre todo los de esa época, que era un poco la escuela de Hermida, donde todos teníamos que hacer un poco de todo, aparte de presentar y a mí me encantaba porque me traía amigos de la escuela, contactaba con gente para hacer pequeños skteches y a partir de ahí pues todo el mundo sabe más o menos, que he hecho televisión, que he pasado también por el mundo de la música... pero bueno, mi vocación principal es la de actor ¿no? Y siempre me tomé cada uno de mis trabajos como un papel... Cuando he sido presentador de televisión, era un actor que hacía de presentador, cuando he sido cantante siempre me lo tomé como un actor que interpretaba un papel de cantante de grupo de fans... me parece que toda mi carrera la he enfocado y la seguiré enfocando así ¿no? Me gusta mucho hacer televisión, comunicar cosas y decir cosas ante la cámara, pero no deja de ser una interpretación.

Pregunta: El balance de estas dos décadas, es positivo ¿verdad?

Antonio Albella: Sí, sobre todo... el ser humano somos mucho de celebrar los aniversarios, sobre todo estas fechas redondas... celebrar veinte años en este momento dulce de mi carrera, haciendo un papel con el que la crítica de varios periódicos me han destacado y además en Madrid también está gustando, celebrar los veinte años en este momento dulce es muy bonito ¿no? Es mejor que estar en uno de esos periplos en los que estás esperando que el teléfono suene, entonces es bonito pensar que aquello que se ha escogido y que estás desarrollando y parece que la elección fue apropiada, si sigo en este negocio por el que la gente sigue viniendo a verme, esto está muy bien, por supuesto que me hubiera gustado hacer más cosas y más importantes en estos veinte años, pero esto es lo que hay, trabajamos en un país donde como sabemos el mundo del espectáculo es raquítico, no hay una industria del espectáculo como en Estados Unidos...

Pregunta: ¿Por qué, qué nos falta?

Antonio Albella: ... Ahí también está la grandeza de nuestro país, tenemos unos gustos muy particulares, entonces por supuesto en este país, por lo que sea, el fútbol va a ser más que el teatro, muchas cosas van a ser más que el espectáculo ¿no? Pero el espectáculo siempre estará ahí, como en cualquier cultura, pero no es una primera opción, para el público, entonces sobrevivir de esto es realmente complicado, pero bueno, estamos viviendo un momento muy dulce, a pesar de la crisis, precisamente ésta, está haciendo que haya un auge verdadero desde hace dos años, como sabes, en el teatro de esta ciudad (Madrid) porque creo que en provincias siempre ha funcionado muy bien al teatro, la gente va con muchas ganas al teatro, pero en una ciudad con tantísimas opciones, como es Madrid, donde hay otras muchas cosas, no sólo el teatro; sí que es cierto que el teatro está viviendo una época dorada, los espectáculos funcionan, porque quizá la gente a lo mejor se piensa mucho comprarse un piso, comprarse un coche, pero sí les apetece o pueden gastarse cuarenta euros en un teatro, en una cena posterior, pienso que es un pequeño lujo que necesita en esta época...

Pregunta: Has comentado alguna vez que no se puede decir “No” a nada... Pero, ¿A qué dirías No?

Antonio Albella: He dicho No a cosas ¿eh? He dicho No a realitys, yo soy una persona que creo que soy carne de realitys y ya me han ofrecido en tres ocasiones varias cosas, porque hay mucho archivo, sobre todo en la época en la que estuve cantando, sabes que pertenecí a un grupo que fue muy famoso en este país, como era “Locomía” de lo que estoy muy orgulloso, porque fue una época muy bonita donde pude viajar a Sudamérica, conocer otros tipos de televisiones, actuar para muchísimas personas... entonces, este tipo de programas, realitys como son islas de famosos, granjas y cosas... sí que es cierto que se nutre de esta gente o de compañeros que han tenido una gloria pasada (entre comillas, no quiero que suene a peyorativo) pero sí que entiendo que yo como personaje que tuve el pelo largo que aparecía en las televisiones cantando en un grupo de fenómeno de fans, pues claro, soy carne de cañón para salir en estos programas porque tienen imágenes pasadas mías, entonces, este tipo de programa tira mucho de eso, de esta persona era ésta y ahora está en una isla con otro grupo de famosos, que lo son por trabajo o por cosas personales... y a esto me he negado porque aunque es difícil negarse porque el dineral es apabullante... pero, no sé, primero yo adelgazo con muchísima facilidad y me da mucho miedo estar en un sitio en condiciones adversas, me da mucho miedo esta cosa, ir a un sitio, dormir en el suelo... nunca he sido un niño de campamentos ni de camping, pero más allá de esto, a lo mejor como experiencia vital puede ser buena y positiva e incluso interesante... más allá de eso... creo que mi carrera, aunque va bien, estoy teniendo un respeto por parte de mis compañeros y de los medios de comunicación, la gente sabe que estoy enlazando un trabajo con otro... poniendo esto en la balanza, evidentemente, prefiero seguir en una trayectoria más silenciosa pero más segura, que no hacer, algo más visible, como es aparecer en alguno de estos programas pero que de cara a la gente que confiaba en mí para sus producciones piense que a lo mejor no era una elección adecuada... A eso sí he dicho No... después no he dicho que No a muchas cosas de las que luego me he arrepentido, ya sabes, cortometrajes de chicos que comienzan que dices que sí porque son gente joven y nunca sabes dónde puede estar el siguiente Alejandro Amenábar... pero después, son rodajes tediosos, porque son muy jóvenes, no tienen las cosas claras, te hacen mucho esperar... pero bueno, en definitiva colaboras con ellos y no está mal, te arrepientes el día en el que estás haciendo esto, pero después queda ahí un trabajo para ellos y siempre es bueno porque yo también fui joven y quise que me ayudasen... Entonces a estas cosas, pues, ahora las miro más... cuando me ofrecen un cortometraje miro que por lo menos no te vaya a mantener mucho tiempo ocupado y si puedo hacerlo, lo hago... pero muchas veces he deseado haber dicho que no, cuando te has visto metido en una cosa de éstas...

Pregunta: En tu página web tienes algunas frases muy interesantes, me ha gustado sobre todo ésta: “Estar preparado es importante. Saber esperar lo es aún más”... Yo no sé si además de importante, es lo más difícil...
Antonio Albella: Sí, lo es, lo es (risas) Es muy difícil... No son frases mías ¿eh? Son frases que he ido recopilando por internet, por estos libros de aforismos... pero sí esa frase que encontré por internet me parecía muy interesante sobre todo para nuestro trabajo, me parecía que definía mucho lo que era nuestro trabajo, saber esperar es importante... es importante pero muy difícil... Hay veces que desearías estar en proyectos que salen o has estado a punto de estar porque te has presentado a un cásting, a alguna audición y no la has hecho tú pero la ha hecho algún compañero... Y yo creo que lo importante es esperar y disfrutar de lo que otros hacen...

Pregunta: Hay que ser muy generoso para eso...

Antonio Albella: Bueno... no me gusta ponerme medallas ni decir que soy mejor que nadie, pero sí que me alegro por lo que les ocurre a mis compañeros, además de una manera absolutamente convencida, porque es tan difícil encontrar algún trabajo interesante, incluso trabajos que no son interesantes y cuando ves a un compañero haciendo un papel episódico en una serie o en una película, de verdad que me alegro porque sé el proceso que ha tenido esa persona hasta llegar ahí, como lo sé porque lo he vivido, de verdad me alegro con toda la satisfacción... conozca al compañero o no... Llegado a una edad en tu carrera, como soy yo que ya he pasado los cuarenta, tengo cuarenta y tres, llega un momento en el que de verdad vivo los éxitos de otras personas como si fueran míos... cuando los sueños crees que no van a llegar, como son los sueños que hemos tenido todos los actores, por supuesto llegar a Hollywood, actuar en grandes películas y ves que ya es algo lejano, por posibilidad, por años, por todo... de verdad que vives... por ejemplo, yo vivo el éxito de Penélope Cruz, a la que conocí con 16 años, soy absolutamente “penelopista” porque encontré que esa chica, cuando la conocí, precisamente en este cásting del que te hablo de hace veinte años, ella estaba ahí y vi esa inquietud en ella, esos ojos tan profundos que tiene Penélope Cruz, de cerca, que decidí seguir su carrera y sabía positivamente que tenía un carisma tan apabullante como el que tiene y por el que ha llegado donde ha llegado, nos guste o no nos guste su talento, está ahí por algo ¿no? Y es incuestionable la carrera interesantísima de esta mujer; entonces, por ejemplo en ese caso, antes el de Banderas, al que también conocí en la época de la movida y era un actor realmente carismático, es un personaje maravilloso... Y cuando llegó, lo viví con pasión, compro todas las revistas americanas donde aparecen estos compañeros y leo sus entrevistas y me emociono y lo vivo como si fuera algo que me estuviera ocurriendo a mí. Creo que debería ser así en todos los casos... No quiero quedar como una persona... pero no sé, lo vivo así, claro que ha habido momentos en los que has visto a alguien que hace un papel que podrías estar haciendo tú y tienes ese pequeño sentimiento de “Yo lo haría mejor. Yo podría estar ahí”... pero no sé, yo trabajo mucho la metafísica, desde hace mucho tiempo, también por la forma de ser que soy y creo que es más saludable para tu mente e incluso para tu físico, el estar a gusto con lo que tienes alrededor y no estar negativo con lo que estás viendo a tu alrededor, porque eso lo único que te provoca es malestar; por supuesto que las temporadas de espera telefónica son malas y duras, pero si eso se llena con la alegría que te estoy contando, esa espera es mucho más llevadera y más dulce.

Sofía Basalo.

... MAITE BRIK (Septiembre 2011)

2012-01-14T03:52:00.001-08:00

Defiende con pasión cada uno de sus personajes, por muy ásperos que estos puedan parecer. Le gusta el teatro exigente, difícil, retador. Le gusta recoger “los garbanzos” que el director le brinda en cada ensayo, en cada descubrimiento, en cada duelo a muerte con el rostro de un personaje que no es cruel porque sí, que sufre las consecuencias fatales de un hecho que le aterra. Ella es Maite Brik. Actriz curtida en mil y una batallas teatrales. Actriz que emprende cada aventura con absoluta pasión. Así emprendió esta “Reina de Belleza de Leenane”. No esperaban el éxito que han tenido en Argentina y Uruguay, el que están teniendo en el Teatro Nuevo Alcalá de Madrid y el que les espera más allá del 23 de octubre. Pudimos charlar con la veterana actriz, esto fue lo que nos dijo:

Pregunta: ¿El miedo es egoísta?

Maite Brik: Mucho, muchísimo. El miedo es tremendamente egoísta; es la dependencia total.

Pregunta: ¿Qué es lo primero que aparece en el ser humano: El miedo o la soledad?

Maite Brik: Yo creo que van implícitos. El miedo camina de la mano de la soledad. La soledad es horrible y el miedo viene producido por ella. Cuando no estás solo, supongo que los miedos son menos, pues puedes compartirlos con alguien.

Pregunta: En “La reina de belleza de Leenane” tu personaje, es una mujer que está sola, que aparentemente es tiránica, cruel. ¿Quizá es el miedo el que habla, el que se manifiesta en cada momento a su través?

Maite Brik: Vamos a ver. Yo quiero defender a mi personaje. Es una mujer que como bien dices está sola. Su físico apenas le responde, es casi un vegetal; entonces esa tiranía de la que habláis, o de la que habla la gente que la ve, creo que es dependencia, es necesidad, como los niños pequeños, necesidad de que te atiendan, de que estén por ti y luego, la tiranía y la crueldad no la conlleva simplemente el hecho de que esté sola y de que necesite atención, sino, hay un hecho concreto que se produce y que la convierte en una mujer cruel y manipuladora. Es el terrible temor a que su hija desaparezca de su casa. Ella, en principio, es como cualquier anciano que necesita que lo atiendan, hay una dependencia, entonces ése es mi personaje. Yo defiendo siempre a los personajes que interpreto, es una mujer muy real, la puedes encontrar en cualquier esquina... No es tirana porque sí, su calidad humana no es la tiranía. La tiranía le viene a raíz de un hecho que la desespera.

Pregunta: ¿Tal vez falte entre esas dos mujeres comunicación, contarse lo que sienten, ponerse una en el lugar de la otra, comprenderse mutuamente?

Maite Brik: Yo creo que cuando la gente está frustrada y amargada, no tiene mucha conversación; es más bien un soliloquio lo que tienen. Yo estoy conmigo, ella está con ella... Entonces, cualquier pequeño roce, les lleva a la respuesta desagradable, a la rabia que tienes de no poder prescindir de esa situación. Es un círculo vicioso, el hecho de no poder marcharse, hace que se convierta en un ser desagradable. Es una situación cotidiana de dependencia de desamor, porque el amor se gasta y se gasta con el aburrimiento, con la apatía, con el no hacer otra cosa... Es que al no salir, al no hacer otra cosa que estar en esa casa... Es desesperante... Creo que no hay a qué agarrarse, estás las 24 horas del día, encerrado con una sola persona... No hay más... Por eso la madre cada vez que aparece el niño, es como un soplo de aire fresco... Incluso llega a ser otra persona, no es la que está con la hija... Hay otra comunicación, hay otra entrega...
Por otro lado, Maureen, (la hija) no es un ser tierno, acogedor... Maureen es bastante despectiva y bastante dañina, porque hace todo lo que a la madre pueda molestarle; así se defiende de su propia incapacidad para relacionarse con el mundo...

Pregunta: Sí, quizá culpa a la madre, pero no se para a pensar que ella también es responsable...

Maite Brik: Ella no tiene amigos. La madre se lo dice: “Tú tienes un problema, no hablas con nadie”... No se comunica con nadie en el pueblo. Ella baja a la compra, sube de la compra y no habla con nadie, entonces todo eso, supongo que la va quemando... Y esas relaciones se dan en la vida cotidiana...

Pregunta: Sí, yo creo que ése es uno de los puntos más atractivos de la obra, estamos tan dentro de ese salón...

Maite Brik: Mira, yo desgraciadamente, cuando salgo a la calle, me encuentro con la gente que ha visto la función y oigo: “Dios mío, eres igual que mi madre... ¡Madre mía, qué horror!... Te pareces hasta físicamente...” Ésos son los comentarios que oigo... Es una función que toca mucho a la mujer, porque realmente la mujer es madre, es más directamente madre... puesto que has pasado por un ciclo de nueve meses, en los que has llevado ahí al niño y es más tuyo que de nadie... Entonces, creo que esta obra toca más a la mujer que al hombre... Es una obra en la que se reconoce el ser humano... Yo creo que ahí radica el atractivo de la obra, aparte de que tiene su misterio, su sorpresa, su intriga, su humor...

Pregunta: Lleváis un largo tiempo de gira, habéis estado en Argentina, incluso... ¿Cómo ha sido o está siendo esta aventura?

Maite Brik: Al principio no sabíamos que iba a ser tan fascinante... Y lo está siendo... Ahí donde hemos ido, la obra ha tenido una gran acogida, sobre todo llegar a Buenos Aires, con todos los carteles puestos, pues Buenos Aires es una ciudad eminentemente teatral, donde se hace un teatro magnífico, hay unos actores fabulosos... Y no sé, teníamos miedo... Pero fue llegar y asombrarnos, porque las críticas han sido maravillosas, las localidades han estado agotadas todos los días, no podíamos ir por la calle... Ha sido como una fiesta estar en Buenos Aires... También visitamos Uruguay, ahí la gente es más seria, es como más serena, porque Argentina es muy hacia fuera, te halaga muchísimo, te sientes estrella en Argentina... Pero las críticas en Uruguay y el público de Uruguay, han sido maravillosos.. Estamos como niños con zapatos nuevos... Estamos encantados, nos gusta mucho lo que estamos haciendo, lo hacemos con muchísimo amor y los cuatro, tenemos una entrega ya sea dentro y fuera del escenario, que da gusto trabajar así. No es fácil encontrar una compañía que se complemente tanto como nosotros lo hemos hecho, aparte de que hemos tenido un director maravilloso, nos ha conducido... Al menos yo siento que me ha ido poniendo garbancitos en el camino que he ido recogiendo, espero que él también esté satisfecho de que me los haya llevado todos... Espero haber recogido todos los garbanzos que me ha dejado, porque he sido muy feliz ensayando con él...

Pregunta: ¿Echáis de menos en España, ese reconocimiento del que hablas habéis sentido en Argentina?

Maite Brik: Somos más introvertidos. También pasa en Uruguay, la gente es más reservada. Quizá haya un pudor exagerado a manifestar lo que uno siente. Creo que el argentino es más expresivo y nosotros somos un poco más... nos lo quedamos para nosotros mismos, para dentro... Pero de todas formas cuando salimos del teatro, hay gente esperándonos y manifestando, en voz baja pero manifestando, su pasión por la obra, lo bien que lo han pasado, cómo lo han disfrutado... Y también lo mal que lo han pasado... Es una mezcla, lo pasas bien y lo pasas mal, porque claro, llega la reflexión y ahí está...

Pregunta: Comentas que no siempre se encuentra una compañía tan compenetrada, donde se trabaje también... Pero también debe ser complicado encontrar un personaje con tantos matices, con tantas aristas, tan rico como éste ¿no es así? Un personaje en el que haya que ahondar tanto para encontrar su esencia... Debe de ser apasionante...

Maite Brik: Eso es una joya, un regalo para cualquier actriz. Ambos personajes son un regalo. Llegar hasta ellos ha sido una gozada porque hemos ido paso a paso, encontrando unas reacciones que no buscábamos. Esta obra nos ha salido sin buscarnos, nos íbamos encontrando, porque el texto te empuja a encontrarte... Entonces, para mí ha sido difícil la composición física, el hecho de estar sentada en una mecedora y no poder dejar escapar a ese caballo desbocado que llevas dentro, en los momentos dramáticos, tener que frenar el caballo... Es lo que más me ha costado, pero la relación con mi hija ha salido fluida, ha ido saliendo poco a poco y hemos encontrado lo que hemos encontrado, no sé si es lo pertinente o no... pero creo que sí, que ha habido un encuentro muy natural, nada forzado.

Pregunta: Tienes tras de ti una trayectoria profesional muy importante. Creo que comenzaste con Nuria Espert...

Maite Brik: Sí, y he hecho con Nuria trabajos maravillosos... He hecho La Solange de “Las criadas”, La loca de “Yerma” de la que me enamoré perdidamente... Después ya, con mi compañía he hecho uno de los personajes más bellos que he sentido dentro de mí, que es “Frida Khalo” ése es uno de los personajes con los que yo me he sentido más entregada y más identificada en el escenario.

Pregunta: ¿Cómo han sido esos años? Porque nos estás hablando de obras difíciles, comprometidas... así como sus personajes... ¿Te gustan los retos?

Maite Brik: Me encantan los retos. Uno de los personajes más difíciles que he hecho ha sido el Lucky de “Esperando a Godot”... Lo hice siendo jovencísima... Fue uno de los retos más fuertes... En la composición física, de voz... todo... Era otra cosa, no reconocible ni por mi madre... Ahí empezó mi amor por los retos. Me gusta el teatro donde haya que jugarse cosas y donde puedas enviar algo a quien te ve... Me apasiona el teatro difícil... También hice un personaje precioso, en una obra sobre El Quijote, se llamaba “La noche de los Quijotes” donde interpretaba a Sancho Panza (risas) Yo era un mesonero que al final resultaba ser una mesonera, pero era el equivalente a Sancho Panza, pero me fascinó hacerlo.

Pregunta: ¿Es complicado encontrar hoy en día esas oportunidades de hacer teatro difícil, teatro como un reto para el actor, teatro donde cada día tengas que jugarte cosas... O se ha ido caminando hacia un teatro más fácil?

Maite Brik: Hombre, hoy en día hay un teatro fácil, la televisión es uno de los factores que propician ese teatro más llevadero, más suave, digámoslo así... Pero no, se siguen haciendo cosas interesantes, con personajes difíciles y con temas que tocan al ser humano. Se siguen haciendo, lo que ocurre es que las compañías privadas no lo tenemos muy fácil, ya que económicamente todo se ha puesto muy caro... Entonces, Gloria López ha tenido un valor enorme... Ha sido admirable que haya puesto en escena esta obra, que haya apostado por ella... Es admirable y muy difícil de conseguir, porque cuesta todo mucho dinero... Ahí estamos, atravesando momentos difíciles, haciéndolos fáciles... También la contratación es difícil, porque hay un exceso de proposiciones, de propuestas importantes y creo que es difícil escoger a quien contratas... Hay tanto de todas las comunidades que hacen cosas interesantes, que también es difícil vender... Las compañías privadas, pequeñas, no lo tenemos muy fácil...

Pregunta: Comentas que hay un exceso de ofertas, muchas interesantes... Pero ¿no crees que también a veces quienes contratan se dejan llevar por un cabeza de cartel...?

Maite Brik: Hoy en día, si no tienes a un televisivo en el reparto no vendes.

Pregunta: No todos los televisivos son malos, pero es una pena que tengas que supeditarte a un nombre, sea el que sea ¿no?

Maite Brik: Claro... No sé lo que sucede pero yo siento que tienes que buscar un nombre que esté en cartelera para que la obra tenga una mejor salida... Y yo reconozco que los actores jóvenes de hoy en día, son maravillosos... Ya quisiera yo haber tenido unos actores así en mi juventud... Éramos buenos, pero estos están más preparados... Sin embargo, creo que las obras que son buenas si tienen la suerte de salir sin cabecera de cartel, está bien, y deben de tener su oportunidad...

Pregunta: Estáis en cartel hasta finales de octubre...

Maite Brik: Sí, estamos hasta el día 23 de octubre... Después tenemos otra pequeña gira y pendientes de otros compromisos que están en el aire y que esperamos que bajen a la tierra y podamos seguir adelante...

Pregunta: ¿Si estuviera en tus manos mejorar el teatro en la actualidad. Qué harías?

Maite Brik: Qué difícil... Quizá le añadiría un poquito de interés por parte de las alturas (risas) por esta profesión que creo está un poco abandonada...

Pregunta: Quizá es difícil contemplar al teatro como vehículo de cultura...

Maite Brik: El teatro es cultura pero también es ocio... Yo soy muy partidaria del teatro fácil y amable... Pero también tiene que haber un teatro difícil, quizá este teatro no tenga la salida popular, pero ha de dársela la administración, porque tenemos todo el derecho del mundo de mostrar obras que no tienen un tirón del público pero que están ahí y hay que mostrarlas y hay que estar para los cuatro, cinco o diez que vengan a verla... Creo que tendrían que promover ese teatro...

Pregunta: Quizá habría que encontrar un equilibro entre el negocio que sin duda es y la cultura que también es...

Maite Brik: Claro que sí, debería haber una partida de pérdida... Hacer una inversión, mostrar ese teatro... Invertir en cultura...

Sofía Basalo.

... ISABEL PINTOR (Julio 2011)

2011-12-09T03:32:00.001-08:00

Despacito y sin hacer ruido, “Camas y mesas” ha ido recorriendo un largo e importante camino teatral. Se estrenó en 2010, en la Sala Triángulo. Gracias al éxito de público y crítica pudo dar el salto hacia el teatro comercial, donde ha permanecido hasta formar parte de la programación de los Veranos de La Villa 2011. Isabel Pintor, directora y desde hace algunos meses intérprete de esta obra, reivindica la necesidad de entidades que den oportunidad a textos y autores nuevos, que muestren un rostro renovado de un teatro que no tiene porqué ser siempre el mismo.
“Camas y mesas” nos habla del amor, de los diferentes tipos de amor que conjugamos en nuestro día a día, de las barreras que este amor ha de superar mientras sobrevivimos intentando convencernos de que el amor de verdad nos mira desde los ojos de la persona con quien amamos...
Hemos charlado con Isabel Pintor:

Pregunta: “Camas y Mesas” es una obra en la que el amor se muestra tal y como es, rompiendo quizá el mito de las películas de Hollywood, por las que a menudo concluimos que lo que quiere el ser humano es “enamorarse como en una película”...

Isabel Pintor: Sí, verdaderamente plantea dos tipos de amor, o dos tipos de personas que se plantean el amor de una manera absolutamente romántica e idílica, que a menudo coincide con el modo en el que lo viven las mujeres y por otro lado, los que se lo plantean de una manera más práctica e incluso tras haber tenido algunas experiencias en el amor muy negativas o muy frustrantes, deciden ser unos cínicos y determinan que nunca más van a abrir la caja de Pandora y se van a dejar envolver por los efluvios del amor, y van a ser personas frías y calculadoras, entonces se plantea cuál de los dos tipos de amor es el que realmente deberíamos elegir para que nuestra vida no fuera un desastre y un drama continuo... Y eso lo plantea de una manera no exactamente cómica, porque lo hacemos de una manera muy natural, para que la gente se vea reflejada y cuando ves reflejado lo patéticos que somos cuando nos enfrentamos a una situación de amor o de pareja en la que nos creemos que se va a acabar el mundo, hasta qué punto somos tontos y patéticos... Nosotros plasmamos eso, entonces el público, al verlo desde fuera se siente tan identificado, siente que en algún momento de su vida se ha comportado como alguno de los cuatro personajes y ahí es cuando aparece la comedia, pero no es una obra pretendidamente cómica, de hecho nosotros a la hora de trabajarla, durante los ensayos, lo vivimos como algo muy serio y cuando estrenamos y la gente empezó a reír... no sabíamos bien de qué se reía... Claro, se reían porque se veían a sí mismos y descubrían que en algún momento de su vida habían sido así... Visto desde fuera, el amor, como dice alguno de los personajes... “¿Por qué soy tan patético, por qué el amor me hace sentir tan patético?...

Pregunta: Hablas de dos tipos de amor, pero no sé si en el fondo es el mismo amor... Porque suele pasar que el que con más firmeza se niega a abrir “la caja de Pandora”... La acaba abriendo de par en par...

Isabel Pintor: Sí, desde luego, basta que lo digas para que te pase... Obviamente... Aparte que la postura “no me voy a volver a enamorar o no voy a perder los papeles de esta manera”... la verdad es que la vida sería un aburrimiento si... La chispa de la vida está ahí, si no te permites a ti mismo que te pasen esas cosas... qué aburrimiento... Lo que ocurre es que hay que saber perder, hay que saber tomárselo con cierto sentido del humor, no hay que obcecarse tanto en el amor, que a veces nos volvemos locos y nos hace sufrir demasiado...

Pregunta: ¿Si no nos volviéramos locos, no sería amor?

Isabel Pintor: Sería otra cosa (risas)... También la función plantea cuál es el verdadero amor, si el amor a los amigos, o el amor a la pareja... Los personajes, son dos parejas, una heterosexual y otra homosexual, y uno de los chicos de la pareja homosexual y la chica de la pareja heterosexual son íntimos amigos, de toda la vida... entonces, hay momentos en los que no sabes muy bien, cuál es el verdadero amor, el que ella siente por su amigo de toda la vida o el que siente por su pareja, hay veces que piensas que casi es más grande y dura toda la vida, el amor a los amigos... es más auténtico ese amor... el amor a la familia, a los amigos... aunque a lo mejor no es tan pasional, tan cegador... O el amor a la pareja que muchas veces termina... También la función plantea diferentes tipos de amor, aparte del amor de pareja que los hay y que son tan bonitos como el amor a la pareja...

Pregunta: Al hilo que de lo que comentas, ¿queremos más que amamos. Llegamos a Amar alguna vez?...

Isabel Pintor: Claro, es que a veces cuando queremos somos tan egoístas... cuando la cosa se convierte en “necesito”, “quiero algo”, “si no obtengo esto no soy feliz”... Creo que ahí es cuando comienzan los problemas... porque quizá la otra persona no quiere lo mismo que tú, a lo mejor quiere ir a otro ritmo o quiere a otra persona directamente... Yo creo que amar de verdad, el amor de verdad, que también se plantea en la función... ¿qué es el amor de verdad?... Ojalá lo supiéramos... habrá budistas que digan que el amor a Dios es el verdadero o el amor a tu familia... pero claro, yo creo que el amor de verdad es el que ama sin pretender o exigir recibir nada a cambio... Y eso es tan complicado...

Pregunta: También planteáis si en el amor de pareja es más importante la fidelidad o la lealtad...

Isabel Pintor: Sí, exacto... En un momento dado un personaje le dice a su pareja “¿Cuándo te he pedido fidelidad, lo único que te he pedido es que respetes mi intimidad?” Ahí es cuando uno de los miembros de la pareja rompe la intimidad de otro, espiándolo... entonces, para su pareja eso es mayor traición que si le hubiera sido infiel... Con lo que también se plantea qué es ser infiel, es poner los cuernos o es abusar de la generosidad de tu pareja, meterte en un campo de tu pareja que es secreto, íntimo... Para mí, como directora, el tema principal de la función es cómo el pasado de las personas puede, a veces, nublar el presente, cómo tu pasado puede provocar que tu pareja se obsesione, que no respete ese pasado, que pretenda que no hayas tenido vida hasta que lo has conocido... Todo lo que tiene que ver, sobre todo a ciertas edades, cuando necesariamente tienes un pasado, que no es tu primera pareja, sino que ya has tenido varias, cómo eso obsesiona... cómo eso obsesiona a tu pareja presente, si sigues acordándote de tus ex novios, si acaso sigues queriéndolos... Entonces, claro que sigues queriendo a personas que han formado parte de tu vida... Y cómo manejas eso, cómo manejas tu amor a alguien que forma parte de tu pasado, pero que de alguna manera sigue siendo parte de tu vida porque no lo puedes borrar de un plumazo y cómo las personas que aparecen nuevas en tu vida, tienen que aceptar eso y asumirlo, e incluso sentirse orgullosos de que a pesar de haber tenido otras experiencias anteriores, tú quieres estar con esa nueva persona que aparece en tu vida...

Pregunta: Por lo que vemos “Camas y mesas” podría ser un exhaustivo estudio y análisis de los sentimientos...

Isabel Pintor: Yo creo que sí y lo hace de una manera muy divertida y con un humor muy inteligente, por parte del autor, Emilio Williams, que es un autor muy joven, poco conocido en España, porque él ha estado casi todo el tiempo viviendo en Estados Unidos, de hecho esta obra está escrita primero en inglés y habla sobre la vida en Nueva York, está todo el rato haciendo referencias a Nueva York y aunque el tono es muy de comedia, profundiza muchísimo; creo que no está reñido lo uno con lo otro, parece que a veces cuando vas a al teatro a ver una comedia, se convierte en un chiste detrás de otro... Tú puedes estar contando algo muy profundo y hacer reír a la vez... Y yo creo que ése es el acierto de “Camas y mesas” porque hace que la gente salga... Van muchas parejas, cada vez nos hace más gracia ver que vienen parejas a ver la función... Y después comentan la jugada porque la función de mucho de sí... la función tiene muchas versiones posibles, la gente que la ve de repente te dice cosas que ni a nosotros se nos había ocurrido, siempre hay alguien que está a favor de uno de los personajes y en contra de los otros, pero nunca es el mismo... Ahí se ve cómo cada persona da su versión de la función, eso es lo bonito, se plantean cuatro tipos de personas sin decantarse por ninguna de ellas...

Pregunta: ¿Cómo llegó esta obra a tus manos y cómo surgió la oportunidad de dirigirla primero y después también interpretarla?

Isabel Pintor: Fue de una manera muy casual, como son muchas veces las cosas, porque yo soy actriz, había dirigido una cosita hacía poco tiempo, fui a ver una lectura de “Camas y mesas” a la SGAE y me enamoré de la función. Sólo con la lectura, me dije que quería dirigirla porque hablaba de cosas que me tocan tan de cerca que pensé que podría poner a los actores en el punto emocional para hacer esto... Y entonces, de repente, el autor se enteró de que me encantaba la obra y de que me encantaría dirigirla y me lo propuso... y claro, le dije que sí (risas) Con lo que, en un “impass” que tenía como actriz, la dirigí y esto fue hace ya más de un año, en marzo de 2010 y entonces, hace unos pocos meses, la actriz Marta Rubio, tuvo que dejar la función y nos vimos en la tesitura de sustituirla... Y en lugar de buscar a alguien nuevo y empezar de cero, pensamos que yo también era actriz, que conocía la obra... Y además, por edad y por todo podría hacerlo... y dije “venga, lo hacemos” (risas) No fue un proceso de interpretar y dirigir a la vez, cos que me hubiera dado bastante respeto, sino que fue una cosa de primero dirigirla, y después hacer una sustitución, cosa que muchos directores-actores hacen, porque se ven en ese tipo de situaciones... Han de salvar la función porque de repente un actor se cae... Y el director, dice, “lo hago yo”, cuando un director es actor, que hay bastantes casos... En el momento se me hizo raro tener que interpretar algo que había dirigido yo misma, tuve miedo de estar mirándome continuamente desde fuera y dirigiéndome, cosa que es horrible hacer y a veces un actor lo hace... pensé “¡Qué esquizofrenia!”... tenía ese miedo, y la verdad es que al final ha resultado una experiencia muy enriquecedora para mí, lo estoy pasando genial, es una función muy agradecida para los actores y estoy encantada...

Pregunta: ¿Cómo habéis vivido el salto de las salas alternativas al teatro comercial. Toda esta trayectoria tan sorprendente e inesperada?

Isabel Pintor: Sí totalmente; nuestra idea era una producción pequeña, que no pensábamos que iba a tener mucho recorrido. Cuando se estrenó en la Sala Triángulo y empezó a tener bastante aceptación, no sólo el público de la sala propiamente dicho, sino más gente... llenamos durante bastante tiempo allí y después ellos hicieron bolos por bastantes plazas de España y volvimos a Madrid a una sala pequeñita unos días, y allí nos vieron las personas que dirigen el Teatro Arenal y de repente se enamoraron de la obra y nos llamaron porque querían programarnos en la Sala Pequeña del Arenal, donde se hacen cosas... Mira, creo que es el único teatro que a pesar de ser comercial, apuesta por propuestas arriesgadas, no comerciales en el mal sentido de la palabra, sino que pretenden hacer pensar a la gente, no sólo el “jijijuju”, sino “te estamos contando una historia” sin demasiada parafernalia o demasiados medios, sino con lo más importante que es un texto y un actor y últimamente las cosas que se están haciendo, sobre todo en la sala pequeña del Arenal apuestan por eso, por textos nuevos de gente nueva con mucho talento y con actores que a pesar de no ser famosos o conocidos por el gran público tienen mucho que ofrecer también.

Pregunta: ¿Crees que son necesarios teatros, entidades como en este caso El Teatro Arenal, que apuesten por otra forma de entender el teatro?

Isabel Pintor: Jo... Claro, de hecho me parece que sin esa oportunidad es imposible que a los actores jóvenes y a los dramaturgos jóvenes se les dé una oportunidad... Y claro, las salas alternativas están tan restringidas, hay tan poca gente que accede a ellas, porque no hay una difusión muy grande, no tienen publicidad, no tienen presupuesto, no tienen subvenciones, no tienen prácticamente nada... entonces, para el gran público... la gente no se entera... A mí me da mucha pena que de más de mil obras que se hagan en las salas alternativas durante un año, sólo una pueda dar el salto a la sala pequeña del CDN o a la sala pequeña del Arenal, en nuestro caso... nosotros hemos tenido suerte, pero todas esas obras que se han quedado en el cajón ... estoy segura que mucha gente iría a verlas, pero es que ni se enteran de que existen o quizá no les llama la atención porque no hay actores conocidos... La verdad es que es una pena... debería haber más salas como ésta porque es una manera de renovar el teatro, porque mucha gente dice que va al teatro y se aburre, pero claro, es que si estás viendo una cosa que estuvo de moda hace treinta años... Es que muchas veces son como las mismas obras de teatro que vuelven y vuelven... Jo, vamos a dar oportunidad a autores nuevos, que no piense la gente que los autores nuevos no tienen nada que ofrecer o peor aún, que no hay... A veces escuchas el comentario de “no hay dramaturgos jóvenes”... cómo que no, claro que hay, lo que pasa es que nadie los conoce ni se interesa por ellos.

Pregunta:... Nadie los conoce, nadie se interesa por ellos... ¿No crees que también el público es responsable de ello. No crees que el público se ha acomodado en una posición conformista?

Isabel Pintor: Sí, hombre... la verdad es que, claro, es que la gente a la hora de gastarse un dinero, si ya viendo la tele se conforman con lo que les ponen y tienen que tragarse cosas que en el fondo... tú le preguntas a la gente sobre lo que está viendo y te responde que es que no hay otra cosa... ¿cómo que no?... entonces claro, los programadores no ponen otra cosa porque piensan que la gente no va a querer otra cosa, pero yo creo que la gente sí quiere otra cosa, lo que ocurre es que también hay que invitarles, convencerles... si pretendemos que la gente se vuelva loca buscando una obra de teatro para pasar un fin de semana, que se tire horas y horas investigando qué obra de teatro merece la pena...

Pregunta: Es pedir mucho ¿no?

Isabel Pintor: Claro, no sólo queremos que vengáis sino que os estudiéis la cartelera de arriba abajo, que os compréis dieciocho revistas y que luego digáis qué obra queréis ir a ver... Igual es pedir demasiado a la gente que lo que quiere es pasar un buen rato y ya está. Entonces, irá a ver lo que vea en todos los autobuses, en todas las marquesinas... la obra con la que estén torpedeando más en todas partes... Y sí, hombre, hay gente que se esfuerza más y gente que se esfuerza menos... Y claro, también hay gente que sólo va a ver a las caras conocidas, el morbo que provoca ver al que sale en la tele, en vivo y en directo... pero me niego a pensar que la mayoría de la gente se conforma con eso... Es que sino... qué depresión... Lo que ocurres es que hay que invitarlos, hay que convencerlos... hay que hablar de “Camas y Mesas” en las revistas, en las radios para que la gente sepa que existimos, porque sino cómo van a dar ellos con nosotros, si nosotros no damos con ellos...

Pregunta: Volvemos a “Camas y mesas”. El título me parece muy sugerente.¿Son acaso los dos planos en los que el amor se mueve a partes iguales?

Isabel Pintor: La verdad es que lees el título y dices “¿esto de qué va?” Porque así a primera vista crees que no tiene absolutamente nada que ver con el amor, pero claro, hablando con el autor, él llegaba a la reflexión de que en todas las situaciones importantes de la vida, tanto del amor como de la amistad, de las relaciones humanas... siempre hay una mesa o una cama de por medio... Y la verdad es que es totalmente cierto, entonces lo de “Camas y mesas” en plural, es porque en la función aparecen decenas de camas y decenas de mesas distintas, donde los personajes están y donde sus relaciones fluyen o no... Todo esto claro, creado con muy poquitos elementos, porque no tenemos presupuesto como para meter veinte camas distintas... que también tendría muy poca gracia, pero también sería una opción...

Pregunta: Pero el teatro es imaginación...

Isabel Pintor: También es cierto... Pero las grandes escenografías que siempre se han hecho... Aunque esta función no tendría sentido hacerla con un gran presupuesto, porque también el autor propone hacer una especie de guiño de teatro dentro del teatro y hace alusión literalmente al teatro de la escasez y de repente los personajes salen del texto y son actores y hablan con el público incluso... Es decir, que el autor apuesta desde el principio a hacer la función al desnudo, sólo lo importante en el teatro... Una buena interpretación y un buen texto, con eso puedes hacer maravillas, sin necesidad de parafernalias... Y eso a la gente le gusta. Las grandes escenografías imponen mucho, pero yo creo que la gente se acaba cansando y verdaderamente el teatro apela a la imaginación, porque si no es así, te vas a ver una película y ya está.

Sofía Basalo.

... PATXI FREYTEZ. (Enero 2011)

2011-12-02T03:55:00.000-08:00

Uno de los textos menos representados de Calderón de la Barca ha sido uno de las propuestas más atractivas en las navidades de la capital. “El Galán Fantasma”, bajo la actual mirada de Mariano de Paco ha permanecido durante casi veinte días en los Teatros del Canal. Rostros conocidos y nombres asentados en el teatro clásico han dado vida a los personajes creados por el gran autor español. Hemos podido charlar con el protagonista de este enredo, con el actor que ha dado vida a “Astolfo”, el galán que “burla” a la muerte con tal de vivir su amor, Patxi Freytez:

Pregunta: Has comentado que “El galán fantasma” es un espejo donde nada es lo que parece. ¿La sociedad misma es otro espejo, esta vez mayor y real?

Patxi Freytez: Yo creo que sí; creo que definitivamente ninguno somos lo que realmente parecemos. En la vida en la que vivimos, entre otras cosas, porque no nos queda más remedio si queremos sobrevivir. Si todos fuésemos como realmente somos, a muchos, seguramente no les iría tan bien como les va. En el caso de Calderón, porque él tenía su propia visión del mundo como dejó bien claro en sus grandes obras metafísicas, en sus dramas, en sus comedias... en las que ni los galanes son tan amantes incondicionales, ni los malos son tan malos, ni los buenos son tan buenos; por eso pienso que ni el galán es tan galán, y en esta función nadie es lo que parece ser.

Pregunta: ¿Cómo ha resultado esta experiencia. Cómo ha sido el hecho de enfrentarse al verso de un Calderón tan distinto y tan poco representado?

Patxi Freytez: Sí, que yo sepa la hizo José Luis Alonso en los años sesenta y desde entonces no la ha vuelto a hacer nadie. Para mí ha sido una experiencia tremenda, como actor, primero porque jamás había hecho teatro clásico y cuando me lo ofrecieron, fue una decisión que tuve que tomar de una forma muy seria, porque sinceramente, a pesar de que tengo la autoestima bastante alta, porque tengo mucha confianza en mí mismo, estaba pisando territorio desconocido, no sabía si lo iba a hacer bien, pero como yo soy un navarro “echao p’adelante” y soy de la ribera, me dije “venga”... Y al final resulta que fui capaz, creo que lo hago de una manera de una manera bastante decente para ser novato y encima me estoy divirtiendo como hacía mucho tiempo no lo hacía.

Pregunta: Supongo que hasta llegar a la diversión el camino del verso ha sido complejo...

Patxi Freytez: Bastante menos de lo que me imaginaba, aunque también he tenido la suerte de que en he tenido compañeros que ya llevaban mucho verso a sus espaldas, que me han ayudado muchísimo... Manuel Navarro que fue quien originalmente estrenó el espectáculo, lo que ocurre es que al poco del estreno, se tuvo que marchar a Colombia, y a mí me llamaron corriendo... entonces, en dos tardes donde me dijo más o menos cómo funcionaba la cosa, más la ayuda que tuve de Manuel Gallardo que ha hecho todo el clásico del mundo y más y de Juan Calot... entre unos y otros sacamos la historia adelante y creo que la cosa está más que decente...

Pregunta: ¿El hecho de que se trate de una obra poco representada os ha proporcionado una mayor libertad a la hora de interpretarla, de llevarla a escena?

Patxi Freytez: Supongo que sí. La verdad es que la propuesta de Mariano era bastante arriesgada; pues lo único que conserva clásico es el vestuario, la manera de decir el verso y poquito más, porque incluso los gags, el humor, tienen hasta un cierto sabor contemporáneo. Él decía al principio que quería intentar inspirarse en personajes de cómic para intentar quitarles esa especie de solemnidad que tienen los personajes de teatro clásico y bajarlos a la tierra. Yo creo que en ese sentido se ha logrado porque vemos que efectivamente los personajes son cercanos al público y éste se identifica enseguida con ellos y eso quiere decir que no los ven desde el olimpo de los grandes personajes clásicos... sino que los ven como personajes que casi casi pueden llegar a tocar.

Pregunta: Hace dos temporadas más o menos interpretabas “La importancia de llamarse Ernesto” otro clásico también pasado por el tamiz de la actualidad... ¿Consideras necesaria esas revisiones, algún purista puede decir que te estás especializando en ellas?

Patxi Freytez: Creo que hay que hacer cualquier cosa que nos pinte una sonrisa en la boca; porque con los tiempos con los que estamos viviendo, creo que todo lo que sea hacer que la gente se ría, se divierta, se olvide de los problemas, es positivo... Sinceramente, pienso que es más necesario que nunca hacer comedia, creo que es más necesario que nunca reírnos de nosotros mismos, pero si de paso también podemos aprovechar y señalar con el dedo a algunas personas, pues mejor que mejor (risas)... pero sobre todo estimo que es momento de reír, porque lo necesitamos en lo más profundo de nuestros corazones.

Pregunta: ¿A quién señalarías tú?

Patxi Freytez: Yo señalaría sin ningún tipo de reparo, no a los políticos, porque estos políticos que tenemos son unos pobrecitos desgraciaditos que no tienen ni “puta” idea de nada... Son unos pobrecicos que les dicen lo que tienen que hacer y ellos como cordericos dicen: “Sí Wana, Sí Wana”... Hay que señalar a unos señores que manejan esas grandes firmas comerciales que no tienen el más mínimo reparo en pactar con gobernantes corruptos, que roban a costa de sus pueblos y que luego no tienen el más mínimo problema en guardar el dinero que roban a sus países en bancos, en los que también nosotros guardamos nuestros ahorros... la diferencia es que nosotros guardamos unos ahorros que nos cuesta mucho trabajo ganar, y esos otros dineros que los bancos guardan, son dineros que expolian esas grandes compañías... a países en desarrollo... y de una manera absolutamente salvaje y cruel... A esos son a los que hay que señalar con el dedo... y creo que esta crisis nos va a servir para darnos cuenta de dónde está el verdadero enemigo... o eso creo yo...

Pregunta: ¿Sí? Fíjate, yo... no lo creo del todo...

Patxi Freytez: Es que creo que o pasa eso... o... es que nos queda muy poquito... Realmente nos queda muy poquito... Ya nos están avisando, vivimos como si fuéramos seres infinitos en un planeta finito... Dicen “Hay que volver a recuperar la economía que teníamos antes de la crisis” pero vamos a ver, si la economía que teníamos antes de la crisis era absolutamente salvaje... estábamos consumiendo cinco veces más de lo que realmente necesitábamos... lo que quiere decir que estábamos exigiéndole a la tierra una materia prima que no necesitábamos y esa materia prima es finita; si volvemos otra vez a lo mismo y encima, cada vez somos más, cada vez necesitaremos más y más, eso crece exponencialmente y lo siento mucho pero sólo tenemos un planeta... y nos están avisando y lo llevan haciendo desde hace mucho tiempo “esto se acaba”... pero como somos seres humanos totalmente cortoplacistas, nos importa una “mierda” lo que pase dentro de cincuenta años... Así nos va a lucir el pelo...

Pregunta: Sí, somos un poquito egoístas...

Patxi Freytez: Sí, pero luego también lo pienso y digo, bueno, es que la naturaleza es así... vamos camino de la extinción porque es así, “este ser humano va camino de la extinción, sobrevivirán los que estén más preparados para ello, y sobre estos nacerá una nueva civilización y así sucesivamente”... es la única lógica que le encuentro a todo esto (risas)

Pregunta: Volviendo al teatro, aunque no sé si hemos salido de él, ya que al fin y al cabo es o debe ser espejo de la realidad...

Patxi Freytez: Absolutamente, ésa es su principal y fundamental función...

Pregunta: Principal y fundamental... ¿puede que se esté perdiendo?

Patxi Freytez: No, creo que no. Además, actualmente no hay una gran crisis en el teatro, la gente sigue yendo al teatro. De lo que me doy cuenta, es que antes la gente salía a cenar, iba al teatro y luego seguía de copas; ahora o cenan en casa y van al teatro o dejan las copas, pero al teatro sigue yendo la gente... Mientras lo que ofrezcas sea algo que realmente sirva para pensar o sirva para la diversión, la gente seguirá yendo a verte... la gente sigue teniendo la necesidad de ver a una persona emocionarse, reír, llorar... delante de ella... quizá esto es lo único que nos recuerde que todavía seguimos siendo seres humanos, en muchas ocasiones.

Pregunta: Antes de “El Galán Fantasma”, el título con el que debiste llegar a Madrid fue “Luz de gas” ¿Qué pasó. Sigue siendo importante llegar a la capital o no tanto?

Patxi Freytez: “Luz de gas” fue un proyecto que empezó con muchas ganas pero... fue un cúmulo de pequeñas desgracias, problemas de fechas, presupuestarios... fueron muchas cosas que confluyeron en un determinado momento y que hicieron que “Luz de gas” se quedara allí, de hecho se hicieron cuatro bolos... nos dio mucha rabia porque esos cuatro bolos fueron cuatro éxitos rotundos... funcionó muy bien, pero por esas extrañas carambolas de la vida, la cosa se quedó ahí... pero bueno, creo que hay posibilidades de que las luces de ese gas vuelvan a encenderse (risas)

Pregunta: ¿Qué es más importante o más complicado si prefieres, entrar en Madrid o conseguir esos bolos?

Patxi Freytez: Hoy en día todo es muy difícil. Entrar en Madrid es muy difícil, porque primero, a los empresarios de Madrid lo único que les interesa es correr el menor riesgo posible e ingresar la mayor cantidad de dinero posible; entonces, la calidad del espectáculo que sea, es una cosa que no les importa demasiado, son empresarios y un empresario es una persona a la que lo único que le interesa es meter dinero en la buchaca, ¿por qué? Porque son muchos salarios que pagar, tienen muchas facturas que pagar... y una empresa se monta para ganar dinero, punto. De hecho, no hay más que ver, desde que ha empezado la crisis, la cartelera de Madrid... cómo la calidad ha bajado de forma exponencial... te habrás dado cuenta...

Pregunta: Sí, la verdad es que resulta complicado ponerle tres o cuatro estrellas a un espectáculo... De hecho quería comentarte, no hay crisis en el teatro con respecto al público que va a ver un título, pero sí la hay en cuanto a calidad, riesgo, iniciativa...

Patxi Freytez: Sí lo es. Efectivamente lo es. Creo que ahora puedes encontrar proyectos mucho más interesantes, yendo a una sala alternativa que viendo la cartelera de Madrid, donde claro hay proyectos que puedes salvar, hay proyectos interesantes, porque los hay... pero si desde luego, lo que estás buscando es riesgo en la cartelera de Madrid y sobre todo en los teatros privados difícilmente lo vas a encontrar... eso en Madrid, y fuera de Madrid... qué quieres que te diga... están los ayuntamientos “pelaos”... De hecho, fíjate, soy de la opinión de que esta crisis va a servir para hacer una criba tremenda... pienso que las compañías, las empresas más pequeñitas desgraciadamente muchas de ellas, se van a quedar por el camino, las empresas intermedia, creo que van a intentar aguantar el chaparrón y algunas pasarán y otras caerán... y las empresas gordas con muchos apuros y muchas apreturas conseguirán salir adelante entre otras cosas porque gran parte del mercado ya lo acaparan ellas... Entonces, claro, esto se pone duro para todos... para ellos, desde luego, no va a ser menos, pero para las compañías intermedias y para las pequeñas va a ser una auténtica salvajada...

Pregunta: Hablabas de ayuntamientos... hace poco una actriz criticaba, con acierto estimo, el error que cometían los consistorios “pelaos” como están, intentando ahorrarse un dinero, al elaborar una programación de recintos profesionales (teatros, obviamente) repleta de trabajos hechos por compañías de aficionados... Yo lo estoy viendo en la localidad donde vivo...

Patxi Freytez: Correcto. Así es. Estoy totalmente de acuerdo. Es evidente que un ayuntamiento que no tiene un duro tiene la obligación de ofrecer a sus ciudadanos una programación, pero como no tiene dinero para hacerlo con profesionales, tiene que hacerlo con amateurs... eso está más claro que el agua. De todas maneras, también es que, esta crisis está sirviendo para que haya muchas cosas que estén saliendo a la luz; una de ellas, es la cultura del “gratis total”... acostumbrar a la gente a ir al teatro a ver compañías profesionales por seis o tres euros... hombre, eso está muy bien, cuando nadamos en el dólar, cuando todos somos ricos y tenemos mucho dinero... Eso lo podrán hacer otros países como Alemania, Francia... pero nosotros desde luego no podemos hacerlo, porque un espectáculo cuesta mucho dinero producirlo... hay que pagar sueldos, la gente tiene que comer y desde luego si todo está subvencionado, en el momento en el que la subvención desaparece a la gente le dices que tiene que pagar veinte euros por ver a una compañía profesional y la gente no quiere... porque está acostumbrada a pagar cinco euros, por ejemplo.... Obviamente no va “ni Dios”... Eso es otro tremendo problema que tenemos, muy gordo...

Pregunta: No sé si esto refleja nuestra falta de cultura... pues no se paga esa cantidad, veinte euros, porque “se nos ha enseñado” que lo que vamos a ver, el espectáculo que vamos a ver “no tiene ese valor. No vale ese precio”...

Patxi Freytez: Es muy posible, pero tal vez sea porque eso es lo que, durante mucho tiempo, les hemos enseñado... Y es que lo que hay que subvencionar es la creación, pero no la exhibición. Obviamente, si no hubiera existido Shakespeare, por qué escribió todo lo que escribió... porque Shakespeare tuvo un rey y unos nobles que se encargaron de que ese señor se dedicara a escribir... y por qué ha existido el arte y la cultura durante tanto tiempo... porque ha habido mecenas que se han dedicado a decir “usted se va a dedicar a pintar, usted a escribir...” Gracias a eso tenemos lo que tenemos. Evidentemente a los autores, por supuesto, hay que ayudarles a crear, porque hacer una película cuesta mucho dinero, hacer una producción también cuesta mucho dinero, pero cuando la cosa ya está hecha, hay que pagar por ella su justo precio, pienso yo... Pero parece que durante muchos años no lo hemos entendido así y ahora nos van las cosas como nos van...

Pregunta: Has hablado de cine... En algún medio de comunicación has manifestado que la industria española del cine es raquítica y endogámica...

Patxi Freytez: Sí, absolutamente. Tenemos una industria raquítica en el sentido de que es realmente difícil... es como la televisión, es muy complicado que salgan cosas muy nuevas, muy originales, muy rompedoras... Por ejemplo, quién se puede permitir en España hacer películas que no sean muy taquilleras... poca gente; excepto los que saben que más o menos con los cuatro protagonistas que va a tener esa película y con el nombre del director, cuatro cosas más y sabiendo que la han vendido a una televisión, ya saben que han recuperado el dinero... pero si no, realmente es muy difícil hacer cine en este país. No hay una industria lo suficientemente diversificada donde además de las grandes, estén las pequeñas y las medianas y sirvan para hacer productos menos mayoritarios... Es como la televisión, en EEUU por ejemplo, hay series de televisión donde uno se queda con la boca abierta... en España, tú ves lo que hay y te quedas... en fin, empezando porque aquí, una serie de televisión se empieza a grabar y en función de cómo vaya la cosa, qué personajes gusten más o menos, la serie va por un lado o por otro; en EEUU no, en EEUU una serie se concibe como un producto, con un principio y un final, como tal se rueda y como tal se entrega a la productora... Aquí no, aquí hay tantos factores que tienen que ver, que dices... es un poco triste, desde mi humilde punto de vista.

Pregunta: Y aún así, tu popularidad te llega con la televisión y con la serie “El comisario” donde permaneciste ocho años...

Patxi Freytez: Sí, lo que ocurre es que yo empecé a trabajar muy tarde, empecé con 32 años. Hasta esa edad fui carne de compañía deficitaria, de sala alternativa, de recorrer pueblos, de hacer teatro infantil...

Pregunta: Pero quizá sea ésa una gran escuela...

Patxi Freytez: Seguramente sí, porque te acostumbras a pasar hambre. En esta profesión es muy importante saber lo que es no tener un puto duro, porque esta profesión es muy ingrata, tú puedes estar arriba del todo y a los cuatro años estar muchísimo más abajo y luego unos años después volver a estar arriba, otra vez... todo esto porque vivimos en una sociedad que consume gustos y tendencias a la misma velocidad con que las suelta... yo por ejemplo, fíjate, recuerdo, antes de entrar en El Comisario, venía de hacer una serie que se llamaba “Ellas son así” que produjo Trueba, con María Barranco, María Adánez, Maribel Verdú... de allí pasé a hacer El Comisario y me tiré ocho años... cuando salí de esta serie, resulta que todo había cambiado totalmente, uno estaba metido en esa burbuja donde claro, como te acostumbras al pesebre, a que te pasen el dinerito todos los meses, estás ahí, cómodamente instalado, a gustito, haciendo tu temporadita año tras año... cuando salí de allí, realmente me di cuenta de que quienes producían hace ocho años, ya no estaban, que estaban otras personas que no tenían nada que ver con los anteriores... que el sitio que tú ocupabas hace ocho años ha desaparecido por completo, que habían aparecido otras hornadas de actores, que los motivos por los que antes se contrataban a los actores ahora ya no valen, el actor que está de moda es de otro tipo... cuando salí de El Comisario me quedé con la boca abierta, diciendo “madre mía dónde estoy”... cambia todo tan deprisa...

Pregunta: Como empezar de nuevo...

Patxi Freytez: Sí, por eso te digo que conviene acostumbrarse a, en esta profesión, estar arriba y abajo, porque nunca sabes dónde vas a acabar...

Pregunta: Quizá por ello sin vocación es complicado dedicarse a la interpretación...

Patxi Freytez: Está clarísimo... Cuando estaba en El Comisario, igual que la mayor parte de mis compañeros, todos hacíamos teatro... era una paliza descomunal, compaginar el plató con el teatro... agotador... sin embargo, ninguno podíamos dejar de hacerlo, ni Juanjo, ni Marcial... todos estábamos de un modo u otro, ligados porque necesitábamos sentirnos actores de alguna manera; no es que no lo fuéramos en la serie... pero el teatro tiene algo que no lo tiene nada más... y gracias a eso, a que cada año empalmaba función con función... fíjate casi echo de menos la televisión por la tranquilidad de la cuenta corriente que por la satisfacciones que me da a la hora de actuar y eso que no me puedo quejar, porque El Comisario era una de las series más dignas y espléndidas que se han hecho en este país... porque luego ves las cosas que se hacen ahora y menos mal que nos hemos dejado ya de hacer comedias de éstas graciositas y nos hemos puesto ya con temas un poquito más serios... me refiero a que ahora nos ha dado a todos por ponernos muy de época y bueno, lo celebro, porque ya estaba bien de tanta comedia española y tanto policía y tanto bombero y tanta ambulancia y tanto... ya me entiendes...

Pregunta: ¿Cómo evalúas tu camino en la interpretación?

Patxi Freytez: Yo me considero un obrero de la interpretación, siempre lo he visto así. Mi trayectoria... bueno, fui un actor que tuve la buena o mala suerte de empezar protagonizando (siendo un tremendo desconocido) una película de Isabel Coixet, (A los que aman) y eso te da una proyección absolutamente tremenda y que en cierto modo te hace perder la noción de la realidad y el saber realmente dónde estás; porque yo, durante siete años, fue una vorágine de cine, películas, series, televisión... hasta que acabé en El Comisario, esos ocho años, y ahora digamos que he aterrizado; ahora es cuando me estoy dando cuenta de dónde estoy y bueno, pienso que ha sido una trayectoria muy fructífera porque me ha hecho crecer mucho más como persona que como actor, mucho más ¿eh?. Como actor creo que soy bastante resolutivo y eficaz. No me considero ninguna maravilla en ninguno de los géneros, pero sí creo que soy un actor que cumple y, sobre todo, que no da problemas. Soy buen compañero, soy una persona solidaria trabajando y sobre todo, no doy problemas... e igual me da hacer clásico, comedia, drama... lo que sea... Yo me amoldo a todo, porque ante todo soy un obrero...

Pregunta: ¿Qué proyectos acaricias tras “El galán fantasma”?

Patxi Freytez: “El galán fantasma” todavía sigue. Tenemos un mes de enero muy movidito de bolos, el de febrero más todavía. Es que lo de esta obra ha sido una cosa asombrosa... cuando me dijeron que íbamos a hacer todos los bolos que hemos hecho, no me lo podía creer... tenemos bolos hasta abril, por lo menos...

Pregunta: Pues con el permiso de “Astolfo” ¿qué proyectos tienes entre manos?

Patxi Freytez: De teatro sí tengo algún proyecto. En cuanto “Astolfo” termine nos pondremos con “el nuevo”... y la televisión, depende de tantas cosas... de muchas cosas...

Sofía Basalo.

... REBECA VALLS (Junio 2010)

2011-11-12T03:08:00.000-08:00

“Los monólogos de la vagina” han regresado a la cartelera madrileña. Maite Merino les abrió la puerta, permaneciendo con ellos más de nueve años en cuatro teatros madrileños (Alfil, Arlequín, Muñoz Seca y Nuevo Alcalá). Ahora es el Teatro Maravillas el lugar donde el viaje de Eva Ensler toma forma teatral. Con un tono más festivo y más jocoso, Gabriel Olivares ha dirigido esta nueva puesta en escena que interpretan Ruth Núñez, Marta Belenguer y Rebeca Valls. Hemos hablado con ésta última de los monólogos y cómo no, de su aventura teatral lorquiana. La actriz valenciana, como es habitual, nos ha atendido más que amablemente:

Pregunta: Regresan “Los Monólogos de la vagina” pero no son como los recordamos. Gabriel Olivares ha dado una pequeña vuelta de tuerca, esta propuesta es más loca, más hilarante ¿no es así?

Rebeca Valls: Sí, no son monólogos al uso. Es una puesta en escena muy divertida, creo que la gente lo pasa muy bien y las tres (Ruth Núñez, Marta Belenguer y ella misma) hemos congeniado muy bien, somos un equipazo. Es una experiencia muy bonita, con el público y entre nosotras.

Pregunta: Como dices, no son monólogos al uso y aún más, como antes he comentado Gabriel Olivares le ha querido acentuar el carácter teatral y de comedia en la puesta en escena...

Rebeca Valls: Sí, porque Gabriel es un director que trabaja desde lo que tiene, desde el aquí y el ahora; mucho el presente y mucho con los intérpretes... Eso es muy importante, porque ya que hay varios montajes sobre este texto, está bien que cada uno tenga su visión. Ésta es nuestra visión, la de las tres intérpretes y la de Gabriel como director. Hay monólogos dialogados, hay monólogos que se hacen como si fuera una terapia con el público, hay monólogos en los que hacemos homenajes a otros cómicos... hay un poco de todo para variar y todo ello ha surgido desde la improvisación pura y dura. (risas)

Pregunta: Has comentado que habéis aprendido mucho y es que según he leído, antes de iniciar los ensayos sobre el escenario, ha habido dos semanas de intenso trabajo de mesa...

Rebeca Valls: ¡Trabajo de mesa! Que casi diría “trabajo de pie”... porque Gabriel empieza a trabajar en la mesa, empieza a decir “haz esto con este acento”, se emociona, hace que te levantes, te pone delante y comienza a decirte “hazme esta improvisación sobre este personaje que ahora intuyes...” entonces uno pasa por la oficina de producción y es capaz de decirle que pase a ver qué opina... es súper exhibicionista y eso hace que tú te vengas arriba desde el primer día y que investigues a fondo desde el primer día, porque te lo tienes que currar sí o sí... (risas)

Pregunta: Es desde luego un gran examen teatral y artístico, por todo lo que has comentado y porque son muchos los personajes, muchas las caracterizaciones, muchas las distintas vaginas que tenéis que interpretar (risas)

Rebeca Valls: (risas) Sí, vaginas que son mujeres al fin y al cabo... es como contar un poco desde el punto de vista más femenino, cómo vive el tema de su sexualidad, que al fin y al cabo, somos mujeres, somos corazones, somos un sexo y somos un todo...

Pregunta: Como bien dices, sois mujeres... y este es un montaje feminista pero en el buen sentido... ¿es que hay un mal sentido del feminismo?

Rebeca Valls: Yo... creo que sí. No se trata de adoctrinar, ni de dar mensajes, ni de culpar a nadie. A nosotras los hombres nos encantan y están ahí, y vienen muchísimos a vernos y están encantados. Creo que practicamos el buen feminismo, y lo digo así, porque no adoctrinamos, intentamos que la gente aprenda pero desde el sentido del humor, no echamos la culpa a nadie; simplemente hablamos de vaginas y como dice Ruth (Núñez): “no estamos hablando ahora de ellos, estamos hablando de nosotras” entonces, no culpamos a nadie, ni tan siquiera los mencionamos.

Pregunta: ¿Le falta quizá un poquito de sentido del humor al feminismo?

Rebeca Valls: Es que... por un lado creo que sí, pero por otro lo entiendo. Creo que son muchos años en los que la mujer ha estado en silencio, en represión y eso... qué te voy a contar, si acabo de hacer “La casa de Bernarda Alba”... o sea, que... lo he vivido en mis carnes... Creo que ahora mismo la mujer también ha tenido que tomar las riendas y defender esa parte que ha tenido prohibida o en silencio... Y es defender muchas cosas... Nos cuesta reírnos de nosotras mismas, y nos cuesta y de hecho hay menos cómicas que cómicos... Menos mujeres humoristas que hombres humoristas... y creo que todo es por esto... es cuestión de empezar a reírnos de nosotras y eso cuesta, porque nuestra lucha lleva muchos años de atraso.

Pregunta: Quizá además de costarnos, es que nos duele y casi sentimos ese humor como una ofensa...

Rebeca Valls: Sí... debemos relajarnos, porque ya no creo que nos estén ofendiendo y en tal caso, lo vemos nosotras desde dentro... hay que empezar a quitárnoslas desde nosotras mismas, como dice uno de mis personajes, la terapeuta americana, que hace un taller, una mujer que realmente existe y que enseña a las mujeres a encontrar sus orgasmos y a masturbarse. Es una mujer muy especial y dice que tenemos que empezar a encontrar eso nosotras mismas, y nos corresponde a nosotras comenzar a encontrar nuestra sexualidad, nuestros propios orgasmos y nuestra masturbación, para empezar a disfrutar, para encontrar el placer... por eso mismo, nosotras debemos empezar a eliminar la ofensa desde nuestro interior, nosotras mismas...

Pregunta: Quizá también nos han enseñado que todo lo que se refiere a la vagina está prohibido, es malo, es pecado...

Rebeca Valls: ¡Ostras! Es que son muchos años... mi madre mismo, cuando le bajó la regla, la encerraron en casa y le dijeron que no le podían hablar de lo que le estaba pasando porque era una cosa muy mala... ni siquiera se lo explicaron, y a su propio hermano que era menor de ella, le dieron las llaves de casa para salir... entonces... son muchos años en los que no se ha hablado de lo que tenemos ahí, entre las piernas... y encima el órgano está para dentro... como para que enciman no nos hablen, lo que nos faltaba, vamos (risas)

Pregunta: Hablabas del personaje que ha interpretado en “La casa de Bernarda Alba” que dirigió Lluis Pasqual, una aventura, supongo, apasionante...

Rebeca Valls: Hacer “La casa de Bernarda Alba” con Nuria Espert, con Lluis Pasqual y con Rosa María Sardá fue muy bonito... Una lección de maestros que sólo te puede pasar sobre un escenario... es maravilloso vivirlo así, y descubrir un poquito más el mundo lorquiano, que a veces es tan bonito de conocer de la mano de Lluis, que parece que han nacido unidos en algo... no sé en qué... pero han hecho muchas cosas que tienen algo en común, los dos...

Pregunta: Y formar parte de ese dúo...

Rebeca Valls: Sí, sí... y descubrir la Martirio que hice al lado de Nuria (Espert) y Rosa María (Sardá) que me fueron guiando... era muy bonito ir descubriendo poco a poco el mundo de Lorca de su mano y ver cómo trabajaban a nuestro lado... incluso Nuria, se permitió en un ensayo hacer una improvisación donde nos marcaba el terreno que como madre, nos estaba dando un límite, nuestra educación en esa casa... y eso fue muy revelador, mucho... y fue una lección como te he comentado, una lección de estar al lado de Nuria, a la que hemos admirado siempre, y de pronto tenerla como madre, como compañera y como sabia... Es una gran mujer...

Pregunta: Personalmente, creo que uno de los puntos más interesantes de este montaje fue la feminidad, la sensibilidad de Bernarda, frente a la rigidez y vertiente masculina que en casi todas las propuestas hechas se le han otorgado...

Rebeca Valls: Claro, es que dentro de esa rigidez, de esa masculinidad, hay muchas capas escondidas. Esa masculinidad es la capa externa, el rostro que Bernarda ofrece a los de fuera, a los del pueblo, a las vecinas, para lo que es la fachada... y luego, por dentro, hay mucho más... y hay más de una capa, muchas más... y al fin y al cabo somos mujeres... mujeres y familia y madre e hijas... es muy importante...

Pregunta: Volviendo al presente, y éste es “Los monólogos de la vagina”... un cambio de “chip” importante, algo de lo que eres una auténtica experta...

Rebeca Valls: (risas) Sí... para mí, realmente ha sido más difícil “La Martirio” porque el trabajo de “Los Monólogos de la vagina” primero, yo soy mujer, con lo que, de antemano tengo vagina... entonces, eso ya me crea un vínculo muy cercano y por otro lado, Gabriel nos deja crear a nosotras mismas y eso, claro, ya te da una cercanía a todo lo que haces y una soltura... yo me divierto muchísimo cada día que hago la función y salimos las tres... Cuando llegamos, lo hacemos un poco con el bajón del día, del no saber qué va a pasar... pero cuando salimos por la noche al escenario... lo hacemos alegres, eufóricas, orgullosas de ser mujer y de poder compartirlo con un público que se ha conmovido con nosotras, que se ha reído con nosotras...

Pregunta: Algo interesante es la combinación de los diferentes gags, la risa, la locura y la seriedad y poesía, la trivialidad y la profundidad... El parto, las violaciones, la terapia de grupo...

Rebeca Valls: Sí, las partes poéticas son complicadas porque son difíciles de encajar en un espectáculo... pero creo que igual que escuchamos la risa del público y paramos y sabemos hacer un hueco según el público que acude cada día, lo mismo funciona con el público... él también sabe escuchar nuestras transiciones para dejarnos meter esas partes más delicadas, más poéticas y más reales... porque al fin y al cabo también se trata de contar la parte real de la vagina, tantos sus partes buenas como sus partes más tristes... y ésas también deben estar... con lo que es necesario un momento de concentración, de silencio y que el público escuche eso y pare un poquito también...

Pregunta: Hay algunas “cosillas” por ahí que no están en el texto original... ¿De quién fue la idea de meter esas cancioncillas? (risas)

Rebeca Valls: (risas) Ah... Gabriel (risas) La de “Secretaria” fue Gabriel y la de Tina Turner fue porque nosotras investigamos... te habrás dado cuenta de que hemos incluido el viaje que hace la autora, Eva Ensler, para contar esa investigación... Ella tuvo problemas, la violó su padre durante mucho tiempo y a raíz de tener una mala relación con su propia vagina decide investigar sobre el tema y empieza a hacer entrevistas a diferentes mujeres... de todas las entrevistas surge ese espectáculo... De pronto, nos dimos cuenta, que Tina Turner era su cantante favorita...

Pregunta: Con lo que al final, con esa marioneta, le hacéis un pequeño homenaje...

Rebeca Valls: Sí... para nosotras, también es el símbolo de una mujer potente; entonces, decidimos juntar el parto con el movimiento de la marioneta que hacemos al final, con la canción de homenaje a la autora y también a Tina Turner... y hacemos un minishow que es muy chulo...

Pregunta: Y muy bonito, porque esa marioneta está hecha con flores, como las que os “enviáis” cada una al final de cada monólogo...

Rebeca Valls: Sí, es como si al principio Eva Ensler, la autora, está fragmentada y de todas las mujeres que ha entrevistado y de todas las vaginas que ha conocido, de pronto, se vuelve una, y se construye a sí misma a partir de todas y cada una de las mujeres, es como una terapia para las demás y también para ella misma... se encuentra y se reconoce como mujer...

Pregunta: Y supongo también, que esa maleta roja que está presente en el escenario es el símbolo del viaje...

Rebeca Valls: Claro, es el viaje y es ella. Eva Ensler siempre lleva, en unas entrevistas que hemos visto, siempre una chaqueta de cuero roja; entonces, en lugar de incluir la chaqueta, que era un poco raro... como elemento rojo, quisimos incluir la maleta... y es un poco el viaje que ella tiene, donde va metiendo todas sus experiencias, que son vaginas, corazones, flores...

Sofía Basalo.

... EUSEBIO LÁZARO. (Mayo 2011)

2011-11-04T04:49:00.001-07:00

El Festival de Otoño en Primavera, nos aguarda con un estreno absoluto. El estreno de la última obra de un autor español. Autor polifacético donde los haya. Dirige su obra, la interpreta y también la produce. Hablamos de Eusebio Lázaro. El autor y director cartagenero, ha escrito “Las más fuertes”. Una obra donde se recogen otras dos: “El ensayo” y “El Premio”, ambas protagonizadas por dos mujeres que han de convertirse en “las más fuertes” para sobrevivir. La obra podremos verla en el Teatro Fernán-Gómez del 13 de mayo, hasta el 29 del mismo mes. Aunque su gira, esperamos, sea muy extensa:

Pregunta: ¿Se paga algún precio por ser la más fuerte o por tener que ser la más fuerte?

Eusebio Lázaro: Sí, la verdad es que siempre se paga un precio, cuando se quiere ser “el más” o “la más” algo... El asunto es si compensa o no.

Pregunta: ¿Compensa?

Eusebio Lázaro: Depende de cuál sea la lucha. A veces la lucha se plantea mal y a veces... Yo creo que no compensa querer ser el más fuerte, yo creo que la lucha es precisamente conseguir que no haya “más fuertes”...

Pregunta: Ha comentado “No compensa querer ser el o la más fuerte” pero a veces se necesita ser el o la más fuerte...

Eusebio Lázaro: Desde luego, sí, a veces la fortaleza... más que la más fuerte, lo que se necesita es tener una fuerza extra para poder salir de situaciones extremas. Entonces, efectivamente, a veces, es necesario una fuerza suplementaria para poder arrostrar las dificultades, que a veces son más para unos que para otros... Ése es el problema en general de nuestra vida social, que las dificultades no son para todos iguales, es decir, siempre hay unas dificultades mayores... hay que superar montañas, a veces, y otras personas lo tienen más fácil...

Pregunta: ¿Las dos mujeres que protagonizan “Las más fuertes” Podrían ser la misma, en diferentes momentos de la vida?

Eusebio Lázaro: Sí. Me pareció más acertado la dualidad porque daba más riqueza de matices, pero efectivamente al ser además, dos historias de dos actrices, podrían perfectamente ser peripecias diferentes de un mismo personajes, pero tiene más riqueza siendo dos, así además tenemos la ventaja de contar con dos magníficas actrices, Ana Marzoa y Yolanda Ulloa.

Pregunta: “Las más fuertes”, estreno absoluto; es una obra que ha escrito, dirigido, también interpretado... ¿Cómo fue su génesis?

Eusebio Lázaro: En realidad escribí las dos funciones para una sola actriz, hace bastante tiempo. Ésa es una parte muy interesante porque escribir teatro en directo, me refiero, para actores; ha sido siempre la base del teatro y es la más viva. Ahora incluso en los ensayos ha sido muy interesante ver a las actrices cómo en momentos determinados han dado sugerencias, hemos cambiado frases, escenas... quiero decir, ha sido un proceso vivo y muy enriquecedor.

Pregunta: Entonces, estamos ante una obra que nació para lo que vamos a ver, precisamente, en el Teatro Fernán-Gómez...

Eusebio Lázaro: Sí, exactamente. Yo he escrito ensayo, guiones de cine, traducciones, pero realmente una obra de teatro o dos obras, en este caso, es la primera vez. Se ha creado en un proceso muy vivo y muy continuo.

Pregunta: Quizá es en estos casos cuando se vive realmente y se siente lo que llaman “magia teatral”...

Eusebio Lázaro: Sí, porque es como teatro dentro del teatro... Y son dos actrices que a su vez interpretan a dos actrices, es una paradoja... el teatro en sí, es una paradoja y en definitiva es una metáfora de la propia vida... Y en este caso se dan esas circunstancias, con lo que es más mágico, sí.

Pregunta: ¿Teme que se tilde esta obra de reivindicativa o feminista?

Eusebio Lázaro: No, porque reivindicar o vindicar derechos es una cosa que está muy bien, y debe ser continua en la sociedad; sino reivindicamos continuamente, cuando se establecen unos derechos conseguidos ya se establecen e inmediatamente, al día siguiente de establecerse comienzan a anquilosarse o empiezan a abusarse o empiezan a ningunearse, ¿no? Entonces, es una buena postura en la vida, más que reivindicar que es un poco molesto y antipático, en sí cuestionar las cosas... Está muy bien, porque si no, la vida se convierte en una rutina poco atractiva; pero no es una propuesta reivindicativa, yo creo que son instantes de vida con la complejidad que tiene la vida de las personas, entonces dentro de esa complejidad hay contradicciones, hay puntos de vista acertados y hay puntos de vista erróneos, pero yo creo que el principio tiene que ser teatral; todo teatro que quiera ser un teatro de ideas... está condenado al fracaso. Yo soy un gran amante de Shakespeare y lo que he aprendido de él es que la ambigüedad y la complejidad es lo que le da la riqueza a las funciones, por eso Shakespeare sigue siendo actual, porque nunca toma partido por ninguno de los personajes; es el gran ejemplo de una obra que se llama “Coriolano”, él no toma partido con lo que podemos ver esa función, tanto si eres partidario de un gobierno más estricto, más duro o de un gobierno más democrático... Entonces, no importa cómo pienses, porque te sigue gustando “Coriolano”... Mientras que Bertolt Brecht, hizo una adaptación y lo puso como un dictador, entonces ya a nadie le interesa y nadie hace la obra de Brecht. ¿Me comprendes? Entonces, desde luego la idea no es un teatro revindicativo de ideas porque no interesa, lo bonito es que las ideas nos surjan una vez hayamos visto la obra, que salgamos a la calle y entonces, sí, pensemos sobre lo que hemos visto.

Pregunta: Con lo que usted estima que el teatro ha de poner ante nuestros ojos una realidad de la que el público ha de extraer esas ideas, esas posturas...

Eusebio Lázaro: Claro, el universo del escenario... Ahí cabe todo el género humano y toda la complejidad y es lo que se expone... Es un encuentro maravilloso de opiniones, sentimientos, emociones... Lo que los griegos llamaban “Agon” en su significado de “lucha” y “agonía”... pero si vamos a resolverlos, para eso escribimos un ensayo mejor ¿no?

Pregunta: ¿Estima que este teatro de ideas ha politizado el arte teatral en general?

Eusebio Lázaro: No, creo que durante toda la historia... Las emociones también tienen ideas y las ideas tienen emociones, o sea que no hay un teatro de ideas... en el siglo XX el teatro más ideológico ha sido el de Brecht, pero las mejores piezas de Brecht no son necesariamente... tienen ideas pero también tienen emociones, tienen personajes vivos, ésa es la cuestión, que haya personajes vivos, con conflictos que nos interesen, porque cualquier gran obra tiene ideas, por ejemplo, “Antígona” quiere enterrar a su hermano y le parece injusto que no lo sea en su tierra... y por ello lucha contra el tirano, con lo que hay una idea, hay una postura ética en “Antígona”, pero lo que nos conmueve es su pasión al hacerlo, su lucha, su castigo, su muerte, eso es lo que nos conmueve; con lo que tienen que estar las dos cosas.

Pregunta: Además de escribir, dirigir e interpretar “Las más fuertes”, también la ha producido, con su compañía “E Lazar”, que anteriormente se llamó “Espacio Abierto” y que lleva ya más de dos décadas en la brecha...

Eusebio Lázaro: Sí, ya somos mayores (risas) Sí, un amigo mío me dice “no pasan las décadas por nosotros”... La verdad es que empezamos en un momento teatral en el que era necesario un esfuerzo de teatro semipúblico y es lo que hicimos, generalmente con Shakespeare, con las grandes tragedias de Eurípides y de Sófocles en Mérida... hemos hecho un recorrido bastante amplio, y ahora en los tiempos de crisis no podemos hacer obras de veinte o treinta personajes, así que se van reduciendo los repartos, pero es igual, vamos a seguir con el mismo entusiasmo.

Pregunta: ¿Este camino ha sido siempre igual de complicado, ha habido etapas más “llanas”. Cómo ha cambiado el teatro, la sociedad, las instituciones?

Eusebio Lázaro: Yo creo que siempre ha sido complicado. Realmente lo de cualquier tiempo pasado fue mejor, es como dice Jorge Manrique “según nuestro parecer”... Es nuestro parecer el que lo refleja mentalmente, pero no creo que los años cuarenta fueran mejores que ahora, para nada... Estoy convencido de que fueron peores... Entonces, cada época tiene su complejidad y sus dificultades; ahora mismo el teatro está mucho más vivo que hace dos décadas, por ejemplo. Hay una asistencia del público mucho mayor, curiosamente, en la crisis, la gente va más a ver un espectáculo en vivo, porque entiende que les habla de sus problema mucho más directamente; en ese sentido creo que el teatro está en crisis desde que nació, pero nada más.

Pregunta: La crisis no le afecta al teatro en lo que al público se refiere pero, ¿y en la esencia, en la creación; y a sus profesionales y en la forma de afrontarlo...?

Eusebio Lázaro: Tampoco, no crea... Esto es como el otro día, que hablaba con una doctora y le pregunté que qué tal iba la sanidad, la consulta... Y me decía que iba bien, sobre todo por el gran esfuerzo de los profesionales, porque institucionalmente se les hacía cada vez más difícil... Entonces eso sí es verdad; yo, hace veinte años, podía montar un Shakespeare con veinte o treinta personajes, ahora no puedo, pero porque las instituciones han ido reduciendo el compromiso cultural y lo han ido convirtiendo en una herramienta política para ellos, en un momento determinado (me da igual, en este sentido, el grupo político) pero lo han ido instrumentalizando... Entonces, han dicho, si damos muchas pequeñas ayudas, tenemos muchos pequeños demandantes... entonces, no han apostado por proyectos serios, por proyectos importantes, de asentar unas bases, de crear un teatro semipúblico... Eso no lo han hecho. Hace veinte años sí, porque les pilló a ellos más bisoños y quizá con más ganas de hacer cosas ¿no? Pero una vez que se han instalado y se han hecho políticos en el sentido pequeño... Hay una política pequeña, con respecto a la cultura de España, en general por supuesto; porque hay gente muy valiosa incluso en el mundo político que tiene una visión más amplia, pero en general no es un país que se caracterice por una visión cultural en profundidad... para nada; en esto, algunos países europeos nos llevan una ventaja atroz... porque se han dado cuenta hace tiempo que es un boomerang, que es una industria que revierte para el país... Aquí hay una racanería... aquí se ve a la gente de la cultura como gente, como unos artistas que andan por aquí dando la lata, que a veces hay que darles de comer y echarles un poquito de... Además incluso se ha creado una cierta corriente de que los artistas reciben subvenciones y cosas de ésas, algo que es realmente incierto, es decir, que las subvenciones institucionales en realidad son como aquel sueño de Quevedo de “La hora de todos”, donde estaban los menesterosos en cola odiándose unos a otros... es decir, que son unas migajas lamentables, en ese sentido...

Pregunta: ¿Puede ser que se cofunda en cierta forma la cultura con el ocio, o que se simplifique la cultura, su papel en la sociedad?

Eusebio Lázaro: Yo creo que son las dos cosas. En ese sentido creo que el público lo entiende muy bien. La palabra cultura como una carga muy seria... tampoco... El teatro isabelino y el nuestro maravilloso del barroco no estaba planteado como cultura y sin embargo fueron los grandes momentos; estaba planteado como una expresión social maravillosa que existe desde tiempo inmemorial, donde unos seres hacen de otros, y otros van a ver como otros hacen de otros... Lo que es un fenómeno fantástico desde un punto de vista antropológico... En los tiempos de Shakespeare la gente iba a comer manzanas, a ver teatro, bebían cerveza, seguramente habría citas eróticas... y las obras de Shakespeare son un compendio de entretenimiento, filosofía y de cultura pero después... Lope es lo mismo y nuestro Calderón... Eso de la cultura, es una cosa del Siglo XIX, de ponerle la etiqueta de algo serio y pesado y no es así; tiene que ser un divertimento, lo es... Pero el “delectare” no impide “aprender”, es enseñar deleitando, el divertimento pero con la cabeza, con todo. Lo de la cultura creo que es un invento... pero es una cosa viva, a la que luego se llama cultura, pero Mozart se divertía mucho con sus sinfonías y no pensaba en su trascendencia y Bach tampoco creo que tuviera una noción de que estaba haciendo cultura... Yo lo veo desde una perspectiva mucho más viva, con más energía interior...

Pregunta: ¿Es complicado contagiar esa energía?

Eusebio Lázaro: Sí, es difícil porque es un problema también de preparación y de vocación; creo que eso siempre está en los artistas... los artistas vocacionales, es como en todo, como los médicos, arquitectos... los hay buenos, regulares, pero el artista que alcanza un determinado punto de comunión con el público, ya sea en pintura etc, tiene una energía interior contagiosa, porque sino, a mí no me interesa... Habré hecho espectáculos mejores, peores, pero siempre tienen un lugar común, es una energía que al público no le deja moverse en el asiento con tedio o con un poco de aburrimiento. El aburrimiento, como dice Peter Brook es el demonio del teatro... Quienes vienen a ver mis espectáculos, saben que eso no lo van a encontrar.

Pregunta: A lo largo de su carrera ha hecho de todo. Escribe, dirige, produce, actúa, en televisión, cine, teatro... también ha organizado eventos culturales...

Eusebio Lázaro: La verdad es que me da un poquito de pudor, porque muchísimas de las cosas que he hecho ha sido por hacer de la necesidad virtud, porque en este caso, lo mismo no me hubiera subido al escenario, me hubiera quedado mucho más cómodo... lo que pasa es que cuando tienes pocos medios, piensas, como tenga que contratar a un actor... ya no llego... Pues es igual, actúo yo... En fin, luego efectivamente tengo una tendencia a la dispersión que durante un tiempo me pesaba, aunque ahora ya me he acostumbrado, no importa... me disperso, bueno, si me lo paso bien, vale. Lógicamente la sociedad está estructurada para que hagas una sola cosa, si haces dos o tres, no está bien visto... Y lo que pasa es que luego si profundizas en una... llegas más lejos, pero también me preguntaba ¿Dónde quiero llegar?... Tampoco quería llegar a ningún sitio... Lo importante es que la actividad te gratifique...

Pregunta: ¿No está bien visto hacer varias cosas a la vez?

Eusebio Lázaro: En general no, hay una tendencia a la especialización... Eso es muy interesante y muy del mundo moderno y ahora, se están dando cuenta, yo no lo sabía pero en Estados Unidos, en un viaje reciente que hice, me contaban que en el ámbito universitario se está volviendo a instaurar las disciplinas humanistas porque habían hecho mucho hincapié en las técnicas, entonces, se han dado cuenta de que es un error práctico tremendo porque la gente que tenía una formación humanista era más capaz de ver a la larga cosas como una crisis económica o cambios sociales... entonces, eso se algo importante, algo para replantear, el tema de la excesiva especialización del mundo contemporáneo y se están plegando velas, recogiendo velas en ese sentido...

Sofía Basalo.

... JORGE MURIEL (Enero 2011)

2011-10-29T02:48:00.000-07:00

Siempre resulta gratificante charlar con alguien repleto de pasión, que contagia ilusión y fuerza en cada palabra. Jorge Muriel rebosa energía. Energía y constancia es lo que ha necesitado para ver sobre las tablas “El proyecto Laramie”. Una propuesta que va más allá del teatro. Un teatro necesario en el que este actor, guionista y director se ha comprometido con el fin de recordarnos que este arte tiene una función la de cambiar el mundo, cambiando nuestras conciencias.
Hemos charlado con Jorge Muriel, traductor del texto original de este proyecto y antes de leer el resultado de esta entrevista, no podemos por menos que felicitarlo por su trabajo, por su nominación a los Premios Goya y por concebir de esta manera el teatro y la vida:

Pregunta: Creo que has sido tú el artífice del estreno de “El proyecto Laramie” en España, ¿no es así?

Jorge Muriel: Así es. “El proyecto Laramie” habla de un caso real de homofobia que ocurrió en Estados Unidos en 1998 y yo tenía una beca en EEUU en 1999; entonces allí, a través de una amiga que conocía Tectonic Teatre, supe que este grupo teatral estaba inmerso en la elaboración de una obra de teatro sobre el caso, y tuve la suerte de verlo en 2000, en Nueva York, cuando se estrenó. Desde ahí, tenía la idea del texto en la cabeza y no fue hasta 2005, que estaba de gira con el Teatro de la Abadía por Granada, cuando leí que un chico había sido apaleado en las afueras de un pueblo de la ciudad andaluza... y dije, “como Matthew Shepard, como en Laramie”... y entonces, pensé que era el momento de contar esta historia. Se había aprobado la ley del matrimonio homosexual, pero también a nivel social había mucho revulsivo... Soy un enamorado del texto y pensé que me encantaría contar esta historia, me puse a traducirla y desde 2005 hasta la actualidad ha sido el proceso...

Pregunta: ¿Y cómo es el camino a partir de esa traducción que haces... Cómo es el proceso de buscar a alguien que se arriesgue contigo, porque es un texto muy comprometido... Un texto que nos recuerda que el teatro aún no ha perdido su función principal?...

Jorge Muriel: Así es. Sí, eso mismo fue lo que me enganchó del texto y ha sido difícil; ha sido arduo, ha habido mucho trabajo y se han ido sumando cosas. Lo primero que hice fue traducir el texto, lo empecé a mover y la mayor dificultad que encontré es que en realidad nadie se lo terminaba de leer; nadie se lo leía y entonces no había un apoyo en firme, desafortunadamente yo no tenía el dinero para sacarlo adelante y lo que fue crucial fue presentarlo a las ayudas del Matadero, en Madrid; entonces, a través de Fernanda Andura que es la que lo lleva, lo leyó, le gustó y me dio una ayuda para sacarlo adelante. Con eso compré los derechos de autor y una vez que tenía los derechos, lo pude mover más en firme y encontré a Julián Fuentes, el director del proyecto, que es un chico joven de Aragón, de Zaragoza. Había visto algún trabajo suyo, sabía que se había formado más internacionalmente y se añadió al grupo como director y a través de él, conocimos al Proyecto Kieu, que es una ONG, una asociación que promueve proyectos culturales y nos ayudaron en la producción y se fueron añadiendo granitos de arena. Hicimos el elenco, gracias a la ayuda del Matadero, el Teatro Español empezó a interesarse en el proyecto, nos cedieron un espacio de ensayos, la productora La Zona empezó a interesarse y nos va a distribuir... Ha sido un proceso muy bonito... Largo, pero sumando siempre...

Pregunta: Me ha parecido interesante lo que has dicho; que te fue un poco difícil, porque no conseguías que terminasen de leer el texto ¿Cómo se puede decidir sin saber el contenido, sin leer una propuesta...?

Jorge Muriel: No lo sé, pero...

Pregunta: Resulta muy extraño...

Jorge Muriel: Sí... Yo también soy de los que creen que todo ocurre cuando tiene que ocurrir, pero durante mucho tiempo intenté, aunque ahora me alegro de que no fuese así, que grandes nombres o que productoras o que incluso grandes teatros nacionales, intentaran leerlo... porque yo pensaba que el texto en sí, es muy interesante, y pensé que tenía un interés social y teatral, pero no... hubo respuesta... y a mí también me sorprende, es un poco como, tristemente, delata el panorama teatral en el que nos movemos, que cosas nuevas no interesan cuando lo de siempre y los de siempre, que tienen un lugar muy merecido no quiero tampoco quitar importancia, pero... que es difícil alzar la voz cuando no estás dentro del círculo. Al mismo tiempo, quiero comentarte que es muy bello que alguien como María Andura, gerente del Teatro Español, Mario Gas... a quienes les mandamos el texto, estuvieran alerta y nos hayan apoyado tanto, nos hayan brindado un lugar de ensayo gratuito; también el Teatro de la Abadía nos ha cedido parte de la escenografía y del vestuario... Una vez que el proyecto arranca, hay mucha respuesta y en este caso en particular, el Teatro Español con la acción tan bonita que está haciendo... con la gerencia, con el servicio de cedernos la sala pequeña... No habíamos estrenado el texto y vamos a estar cinco semanas en cartel... Eso también demuestra la apuesta por un teatro joven, por un director joven, por un elenco sin cabezas de cartel... Al mismo tiempo, tantos meses esperando... Y la recompensa es muy gratificante, poder mostrarlo donde se muestra...

Pregunta: Sois ocho actores, interpretando setenta personajes...

Jorge Muriel: Así es, lo bueno de esta obra es que llega un momento en el que no importan los personajes. Son testimonios de personas reales... Entonces como también tuve la suerte, este verano, de ir a Nueva York para encontrarme con los autores de la obra; ellos han escrito una segunda parte de la obra que llaman “El epílogo. El proyecto Laramie diez años después” (han vuelto al pueblo y han hecho nuevas entrevistas) Entonces, con ellos quise reafirmar el texto y la propuesta. Tectonic Teatre se fue durante dos años a Laramie para hacer entrevistas a la gente del pueblo; todo es testimonios reales de esa gente; entonces, llega un momento, en el que en esta obra, aunque somos setenta personas diferentes, lo que aparecen son setenta seres, setenta voces, setenta discursos... Así pues, llega un instante en el que como todo tiene un ritmo bastante ágil, lo que se pretende es no tanto hacer un personaje, sino empatizar con el discurso de esa persona y compartirlo con el público. Lo hacemos con cambios muy sutiles de elementos de vestuario; unas gafas, un gorro, un pañuelo... que luego se mantienen a lo largo de toda la función para que el público lo vaya relacionando y los reconozca.

Pregunta: Algo muy interesante que se incluye en el dossier de prensa y muy ambicioso es la afirmación de que “El proyecto Laramie” es más que una representación teatral. Es un acontecimiento humano y real que no debe olvidarse, quizá el ser humano es un tanto olvidadizo...

Jorge Muriel: Sí, mucho y más que eso, es reiterativo... Y además de una forma no consciente. De lo que habla esta obra que es la agresión al diferente; en este caso es un homosexual, pero lo vemos con la mujer demócrata que ha sido tiroteada en Arizona, que es el diferente... El diferente respecto a la `persona que tiene otras ideas políticas y entonces, se cree con el derecho de poder asesinarla; el diferente por la mujer de violencia machista, a la que el marido maltrata porque cree que la posee... Entonces, cuando afirmamos que es más que una representación teatral, es porque en realidad esta obra lo que denuncia es el porqué esas cosas siguen ocurriendo; porqué el germen de un odio social existe... Y lo bonito de esta obra es que creo que se eleva del hecho ocurrido, para profundizar en el contexto; por eso lo interesante es que van a entrevistar a la gente del pueblo, porque así se entiende porqué esas cosas ocurren donde ocurren... entonces, va un poco por ahí. La idea sería qué hacemos como sociedad para que esto ocurra o qué responsabilidad tenemos sobre ello...

Pregunta: Tras esta experiencia, ¿has encontrado alguna respuesta. Por qué ocurre lo que ocurre?

Jorge Muriel: Es difícil, pero también es muy interesante... porque en realidad son las reflexiones que nos deja la obra... Querría apuntar que la obra también es muy esperanzadora; nos dice que debe haber esperanza; la idea no es “qué fuerte, cómo somos, qué mierda de sociedad...” La idea es “esto pasa, podemos hacer algo para que no pase” y respecto a la pregunta, lo que diría es que la esperanza es la aceptación de lo diferente... ¿Cuál es la respuesta? Son muchas respuestas; la educación, por ejemplo... la hermandad, aunque la palabra tenga alguna connotación religiosa... Pero lo que quiere decir es que debemos hermanarnos como seres humanos, todos somos iguales... El cambio debe venir desde una concienciación social... A tu pregunta, diría, humildemente, que textos como éste son los que ayudan, es decir, algo que no simplemente haya en el teatro una cosa para reírte, para pasar dos horas y desconectar... que está bien, que todos lo necesitamos... pero es que obras como ésta son necesarias y sería necesario incluso poder hacer estas obras en universidades, en institutos... tener un compromiso social, un compromiso como seres humanos; pero ya no sólo por la violencia machista, es vergonzoso lo que está pasando en Haití, entonces piensas “cómo como sociedad nos venden esta mentira...”... luego están los medios de comunicación, los políticos... unos elementos de manipulación y de egoísmo intrínseco en el ser humano y en la sociedad que hemos construido... que claro, pasan estas cosas...

Pregunta: Una sociedad hipócrita, también... porque rechazamos al diferente que no tiene dónde caerse muerto, mientras que si su statu social es elevado lo aceptamos de buen grado... Saludamos y damos la bienvenida al chino, pero al cubano no, y en los dos países existe una dictadura...

Jorge Muriel: Exactamente... O hasta que no me molestes o no pongas la música tan alta, porque en tu país se pone así, pero aquí no... O no me estés quitando la guardería de mi hijo... encima si nos venden eso... qué creamos.. más odio.

Pregunta: ¿Puede que interese crear ese odio, esa mentira... Tal vez no interesa fomentar el hermanamiento bien entendido como explicabas anteriormente?

Jorge Muriel: Tristemente sí. Creo eso mismo, hay una parte de los que dirigen el mundo a los que no le interesa, porque el mundo funciona así, porque hay gente que se está enriqueciendo de ello... y como se está enriqueciendo, no interesa... Lo interesante es explotar a esos países, sacar tajada del llamado tercer mundo... pero al mismo tiempo poner en las noticias, por ejemplo “Haití no se recupera”... ¿Cómo que el ciudadano medio tiene que intentar ayudar a que esto mejore, cuando los gobiernos deberían unirse como seres de un mismo planeta y decir “ha habido una catástrofe, ayudémosles?... Y no que seguramente, hay empresas... como las farmacéuticas... en fin... te das cuenta que lo que mueve el mundo es el dinero, no el amor... y eso es muy triste... siempre que el dinero impere por encima del amor hacia el prójimo, pasará lo mismo...
También decirte, que en esta obra, un elemento fundamental de la agresión es la diferencia de clase, la diferencia social. Es un pueblo de 26.000 habitantes, en una zona bastante rural, con una universidad carísima... entonces, el chico asesinado es de buena familia, con dinero, que va a ese centro de estudios y es asesinado por dos chicos con una infancia difícil, con abusos, que limpian tejados... y se encuentran con un joven de su misma edad... y también hay esa cosa de envidia social... de pensar “¿por qué este chico tiene esto, yo no, y encima está en mi pueblo?”... entonces, ahí es donde dices... es que... no nos importa, hay mucho egoísmo...

Pregunta: Volviendo a la obra, aunque de alguna forma seguimos en ella, en su planteamiento, Algo importante de este “Proyecto Laramie” son los actores, en un tiempo en el que parece que lo accesorio les resta protagonismo...

Jorge Muriel: Eso ha sido un acierto y un regalo por parte de Julián, el director. El siempre dice algo muy bonito. Para él, el teatro es contar historias... entonces, vuelve a lo que también Peter Brook, el gran maestro, ha recuperado en sus últimos montajes: La idea del cuentacuentos. Entonces, Julián decía que para él, lo importante éramos nosotros, los actores y al mismo tiempo, el público. En el montaje hay una idea muy potente, la de la comunicación directa con el público y claro, el que cuenta es el actor. También nos ha exigido mucho, un compromiso personal con lo que contábamos, para tener la idea, que a mí siempre me ha enamorado, de que el actor sea un canal de lo que cuenta y el actor también se quite de en medio. En realidad en esta historia no importa Jorge Muriel, importa lo que Jorge Muriel pueda pensar de lo que está contando pero debe ser canal del mensaje, del cuento... Ésta es también la dificultad y la facilidad, a un tiempo, de la obra, de al no tener que construir un personaje ni una escena, se rompe la cuarta pared y ante eso, la escenografía tampoco es interesante. Todo debe estar al servicio de la historia.

Pregunta: ¿Hoy en día es complicado encontrar algo en lo que comprometerse de este modo. Es difícil encontrar compañeros que compartan ese compromiso. Es difícil encontrar a un público presto a ese compromiso?

Jorge Muriel: Es difícil, pero lo bonito es que lo hay. He encontrado compañeros tanto técnicos como actores... Lo que siempre me ha ilusionado mucho es que la gente que ha leído el texto ha dicho “yo quiero formar parte de este proyecto”... también hay gente a la que no le gusta... Pero esto mismo nos ha hecho fuertes, porque esto se podía haber contado de muchas formas, pero queríamos hacerlo así y así lo hemos hecho. Habrá gente a la que este teatro no le interese, no le guste, pero lo bueno es que hemos encontrado a un grupo que quiere contarlo desde ahí y está unido y esto es muy hermoso... Por otro lado el público que quiera ser partícipe de ello estará ahí, de hecho ya lo está.

Pregunta: Eres un actor con una formación muy exhaustiva; danza, canto, has trabajado en EEUU. Tienes una perspectiva muy amplia, contando con ello, ¿cómo ves el teatro en España?

Jorge Muriel: Afortunadamente creo que cada vez estamos más cercanos. Estudié en EEUU desde 1999 a 2001 y a la vuelta sí notaba diferencias... sobre todo en la idea de compromiso... ahí estaba la diferencia mayor... Lo que me alegra es que en los diez años que han pasado, creo que estamos en ello... No creo que haya mucha diferencia y también quiero apuntar que mi maestro que fue Antonio Malonda me enseñó muy bien, porque cuando fui a EEUU muchas de las cosas que aprendí allí, Malonda ya me las había apuntado... es también muy hermoso descubrir que la gente que ama el teatro y la cultura están conectados independientemente del lugar en el que vivan... que es no darle importancia al ego y darle la importancia al mensaje y a la parte catártica del teatro... pues este arte también surgió de los griegos como un servicio social... y un servicio social que también implica el compromiso total del actor y del artista... Eso es también, y volviendo al hermanamiento, importante. El mundo del teatro es un universo simbólico de lo que es la vida, todos estamos dentro... El hermanamiento es la respuesta siempre.

Pregunta: ¿Se puede hacer teatro sin compromiso?

Jorge Muriel: Se puede hacer, pero a mí no me interesa... Se puede hacer, se debe hacer y si hay público que lo quiere ver es necesario... Para mí es tan importante esto que hago, dedicar mi vida a esto, que si no tengo compromiso... no lo quiero hacer... Pero lo mismo te diría, por ejemplo, el año pasado he estado dando clases como profesor de teatro y es el mismo compromiso, o los viernes soy camarero en un restaurante y también lo hago con absoluto compromiso... Entonces, es casi el compromiso que hemos de tenernos con nosotros mismos como personas... Entonces en esta profesión, a veces te toca y lo pasas mal cuando no es así. El regalo de “El proyecto Laramie” es darme cuenta que lo que quiero hacer es posible y mejor hacer algo de lo que quieras hablar que no hacerlo por hacer.

Pregunta: No sólo te comprometes con el teatro, también lo haces con el cine, con los largos y los cortos... ¡¡Enhorabuena por la nominación a los Goya!! ¿Qué tal sabe ese “Zumo de limón”?

Jorge Muriel: Hoy sabe dulce, dulce, dulce... (risas) La nominación al Goya ha sido una guinda... “Zumo de limón” es también una historia muy personal que habla de la vejez, de los ancianos y de lo efímera que es la vida... El título surgió porque es la historia de una abuela que tiene raíces extremeñas, mis padres lo son, entonces, lo que cuento es que la vida se exprime rápidamente y como no la disfrutes se te va... y a veces es muy ácida, agridulce... pero hoy tras la nominación es una limonada estupenda (risas) Estoy muy contento con ello...

Pregunta: No sé si hacer un corto es más complicado que un largo, como un micro relato respecto a una novela... Condensar tanta información en tan poco tiempo...

Jorge Muriel: Sí, es así... Para mí ha sido un regalo. También estudié audiovisuales y lo he codirigido con un amigo, con Miguel Romero para sentirme más fuerte y lo bonito es que te das cuenta que hemos algo grande en siete días, sabemos que hacer un largo sería dedicar un mes o dos meses intensos de tu vida a crear a contar algo más extenso y con más medios... pero es un aprendizaje tremendo... Y sí es más complicado, además por ejemplo, yo que he escrito también el guión, el rodaje de todo nos duraba 25 minutos... Y claro, había que cortar... entonces, lo bueno del corto es que nos ayudó a ir a la esencia... la escena está muy bien, las actrices son estupendas... pero, no es un largo, tenemos que ir a la esencia, me ha ayudado mucho a saber qué quiero contar y cómo puedo hacerlo de la manera más sencilla, sin reiteraciones, sin diálogos... te ayuda a ir a lo que importa...

Sofía Basalo.

... MAR REGUERAS (Mayo 2011)

2011-10-22T01:42:00.000-07:00

Acaba de recalar en Madrid la adaptación de la novela de Warren Adler, que a su vez adaptó al cine y que hace unos siete meses, llevó a los escenarios Garbi Losada. Hablamos de una historia real, que ocurrió en la década de los cincuenta y que protagonizó un matrimonio aparentemente ideal; un matrimonio que vivía muy bien con el sueldo de su marido, un abogado de prestigio... Hasta que un día, su mujer se cansó de estar detrás, de ser la esposa sumisa y abnegada. Comenzó a trabajar y a reconocer su valía. A partir de aquí la aparente estabilidad de esa familia se resquebrajó hasta desembocar en una batalla campal que culminó con la muerte bajo los vidriosos brazos de la gigantesca lámpara que presidía el lujoso salón, ya en ruinas...
Mar Regueras interpreta la virtuosa esposa que en un momento dado, piensa que debe hacer algo con su vida, ha de hacer algo con su vida... No sé si “Porque ella lo vale”...

Mar Regueras: (risas) Entre otras cosas, sí, “porque yo lo valgo”.

Pregunta: ¿El amor y el odio son las dos caras de una misma moneda?

Mar Regueras: Dicen que del amor al odio hay un paso y efectivamente es así; de hecho así lo podemos comprobar en esta comedia negra... También es cierto que el matrimonio llevaba 18 años... Y que las cosas no suelen ocurrir de un día para otro; pero es cierto que durante ese trayecto de casi dos décadas, ha habido de todo y al final es una pena, que los dos personajes acaben perdiendo por una lucha de poder y en este caso pierden lo más maravilloso que tenemos, que es la vida.

Pregunta: ¿Estos dos personajes han perdido, son perdedores, desde un principio?

Mar Regueras: No te puedo decir en qué momento pierden, no sé en qué momento pierden del todo, pero creo que en el momento en el que una batalla comienza no hay ganadores, porque siempre por una parte pierden muchos más, aunque parezca que hay ganadores... Al final todos han perdido... No sabría decirte en qué momento, pero sí, en el instante en el que deciden llegar al final y no pactar unas razones justas, o terminar y convertirla en una batalla campal, desde luego los dos personajes pierden.

Pregunta: En un momento dado el abogado y amigo del Sr. Rose dice una frase que creo acertada y además puede ser lo que les ocurra a este matrimonio “Alguien que no acepta que tu pareja ya no te quiere. Alguien que no quiere ver que tu pareja quiere ser feliz lejos de ti. Alguien que no acepta que una relación se ha terminado”...

Mar Regueras: Yo creo que mi personaje, Bárbara, quiere divorciarse hasta el final, y cuando lo dice lo dice con todas las consecuencias; claro es que no quiere llegar a la muerte, pero sí se plantea que se acabó esa relación y es lo que ocurre con muchas mujeres; sin embargo lo que pasa con muchos hombres, y también en esta novela llevada al teatro es que el hombre no es capaz de entender que la mujer ya no quiere estar con él, y de hecho, sigue ocurriendo hoy en día que hay hombres que incluso “ni conmigo ni sin mí” y acaban matando a su pareja... Lamentablemente es algo que tenemos a la orden del día...Creo que esa frase se refiere más al personaje de Carlos Sobera...

Pregunta: ¿Cómo ha sido y está siendo la vuelta a las tablas?

Mar Regueras: La verdad es que está siendo muy bueno... Empezando a recordar ya lo que era subirse al escenario, aunque llevamos ya algunos meses de gira, empezamos en noviembre, pero así con una continuidad diaria lo estamos haciendo en Madrid, la verdad saboreándolo mucho, porque teníamos ganas de volver con algo interesante y creo que en este caso “La guerra de los Rose” nos proporciona a los dos ese aliciente, ese caramelo que necesitábamos para volver a las tablas...

Pregunta: Un caramelo muy exigente, y en tu caso una exigencia doble. El personaje en sí es muy rico dramáticamente y físicamente, te tienes que cuidar mucho para conservar la agilidad que sobre el escenario demuestras...

Mar Regueras: Sí, la verdad es que todavía me quedan algunos restos de cuando era bailarina, de hecho hace unos días, fue al teatro una de las coreógrafas con las que comencé, Lola González y le dije: “¿Qué hacemos algo?” (risas)... Y todavía me quedan algunos recursos de aquella época, y ahora también estoy volviendo a ponerme las pilas, entreno en un centro muy bueno... y estar aún mejor, porque a medida que pasan los años, una va perdiendo fuelle.

Pregunta: ¿Cómo surge esta oportunidad, cómo aparece en tu camino?

Mar Regueras: Apareció por mi compañero, que forma parte de la producción. Carlos tiene una parte de la producción. Nos conocíamos desde hace tiempo, nos habíamos cruzado por los platós como el de Telecinco, siempre había habido feelling, siempre habíamos tenido ganas de trabajar juntos, de conocernos; lo encontré en un estreno, acababa de hacer “Herederos” y me ofreció la función, la ojeé y sólo con el nombre, que es algo que ya tiene peso, recordé la película y me pareció que era una buena manera de volver a los escenarios. Me encantó porque es un personaje muy rico, donde puedes ir desde el amor al odio, pasas por bastantes registros que es muy interesante a nivel actoral.

Pregunta: Y del humor negro al dramatismo más absoluto. ¿Es complicado nadar entre esas dos aguas o facetas?

Mar Regueras: Sí es difícil encontrarle el punto, estar dando comedia pero a la vez meterle toda la carga que lleva la función; pero cuando lo encuentras, hay un día que se lo encuentras más otros menos, es bastante gratificante... También es verdad que si todos recordamos la película, veremos que ésta era mucho más dura y nosotros hemos querido llegar al público de una manera más cómica, porque creemos que desde la comedia, desde el humor, entran mucho mejor las cosas, son más fáciles de entender...

Pregunta: A la salida escuchaba a algún espectador comentar extrañado “Nos estamos riendo de esto”... Y realmente nos reímos de algo muy grave y lo peor es que resulta muy cómico ¿no?

Mar Regueras: Efectivamente (risas) A veces es porque la gente se siente en algunos comentarios identificados y otras veces el pudor de cosas que pasan nos hacen reír...

Pregunta: A veces podemos pensar que lo que nos mostráis sobre el escenario es imposible que ocurra, aunque se basa en algo real...

Mar Regueras: Sí, totalmente. Es un hecho real que pasó en los años cincuenta. La obra está escrita posteriormente, fue llevada al cine en los ochenta, a finales de la década, pero yo creo que una de las cosas que tiene la obra y por lo que engancha, es porque estamos hablando de algo que ocurre hoy en día; las bodas desde luego no están de moda, pero los divorcios sí... están a la orden del día...

Pregunta: ¿Podemos afirmar que dentro de cada ser humano hay una bestia deseando salir?

Mar Regueras: ... No sé si una bestia y no sé si está deseando salir... pero desde luego, lo que sí es cierto, es que todos tenemos nuestra parte buena, nuestros momentos más malos y que a veces hay que controlar esa agresividad y no llegar hasta los extremos que llegan los personajes, porque entonces viviríamos en un mundo más loco todavía...

Pregunta: Decías que las bodas están en crisis... ¿tal vez nos hemos dado cuenta de que para amar no son necesarios unos papeles que lo único que ocasionan son problemas?

Mar Regueras: No sé si nos hemos dado cuenta de eso o es que ya no creemos en el amor... o que la sociedad ha cambiado muchísimo... Yo creo que sí, que hemos cambiado pero para nosotras, para la mujer, porque el hombre sigue igual, mientras las mujeres seguimos ocupándonos de la casa y además trabajamos fuera, y esto es algo que descompensa muchísimo la pareja... tiene que haber una compensación... basta ya de que los hombres digan “ayudo en casa”... Ayudo, no; aquí todo es en un cincuenta por ciento... Ahora no nos olvidemos de que un hombre es un hombre y una mujer, una mujer y la caballerosidad no está reñida con la igualdad...

Pregunta: Sí, hay mucho comentario demagogo y machista que dice algo así como que las mujeres ya no queremos que nos dejen pasar antes o que nos abran las puertas...

Mar Regueras: Exactamente...No, una cosa es una cosa y otra es otra.

Pregunta: Has hablado de la crisis del matrimonio, hablemos de la otra crisis... ¿La estáis notando?

Mar Regueras: Bueno, se nota en todos los oficios, desde luego en el nuestro muchísimo... No entiendo lo de las televisiones porque no las veo en crisis, pero bueno, todo el mundo se une a la misma palabra y sacamos beneficio del trabajo de los demás... Lo que sí es cierto es que si antes se hacían dos o tres bolos en una plaza, ahora se hace uno; montas, haces el bolo y desmontas... y así andamos ¿no?... Haciendo bolos de un día, con lo que efectivamente se nota, quizá no tanto en el teatro, más en otros menesteres u otros medios, pero se nota...

Pregunta: Has hablado de televisión, algunos compañeros, comentan que en estos momentos se están viviendo buenos tiempos sobre todo para el actor, por el gran número de series españolas que se están emitiendo...

Mar Regueras: Pues no sé, será para algunos actores... porque desde luego los presupuestos y lo que te ofrecen es absolutamente demencial... Me imagino que los que están trabajando lo están (desde luego porque son buenos, pero ésta es otra historia) porque han aceptado una miseria de presupuestos que a excepción de algunos, son una auténtica miseria... Yo no entiendo cómo se puede comer así, porque a este paso, dentro de nada nos tocará hacerlo gratis...

Pregunta: ¿Cuál sería la solución... falta unidad quizá...?

Mar Regueras: Básicamente no tener los mínimos que tenemos, que todo el mundo se agarra a los mínimos; tener también otras leyes que nos apoyaran... desde luego como nuestra carrera no tiene nada que ver, es tan efímera y hoy eres famoso, ganas algo de dinero y dejas de salir en la tele un mes y ya no ganas ni vales nada... creo que tendríamos que tener unos mínimos... Ya hay gente que hace cosas, como “La casa del actor” para cuando te estás muriendo de hambre, entonces... pero deberíamos hacer más cosas, desde luego como dices, deberíamos estar mucho más unidos... y no aceptar depende de qué presupuestos...

Pregunta: Sí, si siempre hay alguien que acepte un presupuesto miserable...

Mar Regueras: Claro, el problema es ése...

Pregunta: Y paradójicamente, éste es uno de los momentos en los que contrariamente a lo que podría pensarse, se acentúa el individualismo, la desunión...

Mar Regueras: Sí, cada uno va a lo suyo y ahora los que pueden se aprovechan para trabajar aunque sea por poco, pero trabajar... entonces, al final, pasa lo que pasa...

Sofía Basalo.

... NIEVE DE MEDINA. (Mayo 2011)

2011-10-13T03:11:00.000-07:00

“Ni con el pétalo de una rosa” es una frase colombiana, que nos indica cómo no se debe pegar a una mujer. Pero hay muchas preguntas muchos porqué que surgen cuando una situación de violencia machista tiene lugar. Muchos porqué que Nieve de Medina ha querido plantear para que pensemos, para que dejemos de juzgar, para que durante un segundo detengamos nuestro paso e intentemos ponernos en el lugar del otro. Tras su estreno en octubre y su regreso en plena primavera, este primer texto de la también directora y actriz gallega, se ha convertido en una pequeña joya, intensa, edificante y rotundamente humana, tan humana como la misma Nieve de Medina, con quien hemos podido charlar:

Pregunta: “Las mujeres que han sido golpeadas de cualquier forma, por ejemplo con el pétalo de una rosa, no se pueden defender, no se pueden defender ni salir de su situación porque ya no son personas... Ya no tienen armas... Ya sólo son animales...” ¿Tu personaje, llega a convertirse en un animal?

Nieve de Medina: Yo creo que a ella le queda todavía el amor propio, que no tiene nada que ver con la soberbia ni con otras cosas... Hay en ella todavía una chispita, cuando casi estás derrumbada, que es el amor a ti mismo, y por eso ella comienza a tirar de ahí, empieza a salir y no se ha convertido en un animal. Por eso mismo puede salir adelante. La función tiene un buen final, ella abandona una relación... Es algo doloroso porque se tiene que encontrar con todo lo que ha sido hasta ese momento, pero bueno, es un camino que tiene que recorrer.

Pregunta: En esta obra, tenemos cuatro formas de ver y actuar ante un caso de violencia machista. Es algo realmente interesante porque esas cuatro miradas se abren ante el espectador de una forma muy limpia, incluso la forma en que esa mujer siente su propia situación al descubrir que quizá los otros creen saberlo mejor que ella...

Nieve de Medina: Sí, “todo el mundo sabe cómo me siento yo, cómo soy yo, cuando yo misma no lo sé...” Eso tiene que ver con la falta de la identidad, con haber perdido un poco el norte, dejar de saber quién eres y empezar a hacer todo lo que otras dicen que eres... Su marido, que opina sobre ella, además de golpearla, Los demás, que dicen que es una maltratada... Pero quién es ella... Mi personaje en la función no tiene ni nombre, esas cosas para los actores, cuando tenemos que coger a un personaje es muy importante. Ella llega a deshumanizarse un poquito, no del todo, porque en el último momento se gira, como te comenté antes, pero... La verdad es que ella se pregunta quién es, porque no lo sabe... en ese largo camino de destrozo ha perdido la idea de quién era ella...

Pregunta: No sé si también al hacerse tu personaje esas preguntas, se critica un poquito a la sociedad que olvida a menudo a escuchar a dar voz a las víctimas, a las mujeres... Quizá la sociedad habla demasiado por ellas, cuando son ellas las que deberían hablar.

Nieve de Medina: Se la escucha desde lo que uno es. Quiero decir, que uno siempre intenta poner el criterio de uno, sobre las cosas que pasan fuera, y a veces eso no es lo correcto. La función lo que ofrece es la posibilidad de ver cómo su hermana opina sobre ella, sobre la actitud y la postura que ha tomado su hermana respecto a ella, la actitud que toma el marido, la actitud que toma la vecina que pasa por ahí... Dónde estamos, cuál es nuestro posicionamiento... Mi intención sobre todo con la función no es dar una clase de nada, es simplemente ver cuál es tu posicionamiento; a lo mejor tu posicionamiento no es ninguno de los que ves en la función, perfecto, pero ¿cuál es. Te lo has preguntado?... Me parece que eso es importante porque para poder enfrentarte al maltrato que sufre otra persona, tendrás que saber cómo te posicionas ante eso; no sólo si criticas o no, o si... No, tienes que ver cuál es tu posicionamiento, cómo lo ves, de qué lado estás tú, qué harías... Para poder entenderla, porque si simplemente decimos si le pega y no deja a su marido, será porque a ella le gusta... Si sólo hacemos esos juicios de valor... Para separarnos y que no nos toque... Eso no vale... ¿Tú que estás aquí, en la sociedad, en la vida, en tu bloque de pisos, si conoces a una amiga de una amiga que le pasó, cómo te posicionas, qué parece, por qué no has llegado a esto..? Ése es el juego de la función, hacer preguntas y que el espectador se las haga.

Pregunta: E incluso el aviso, o el cuidado, de la forma en que nos posicionamos y porque podemos llegar a ser tan violentos como “el hombre que no es bueno”... Ya que la actitud que toma la hermana de tu personaje, llega a ser muy cruel y despreciativa...

Nieve de Medina: Porque no nos apetece nada tener a alguien triste a nuestro lado, no nos apetece tener a alguien perdido a nuestro lado, no nos apetece tener a alguien que nos cuestione mínimamente nuestra forma de vida... entonces, claro, ella había idealizado a una hermana que ponía el belén los inviernos, y de repente ve que tiene esto... esta tipa que deja que la sacudan, o que deja que alguien pase y que la pisotee... claro, eso no lo queremos nadie al lado, pero sin darse cuenta, con su actitud la está tratando igual, está siendo tan maltratadora como la pareja de esta mujer... ella está haciendo lo mismo, por eso creo que es muy importante posicionarnos, y la verdad es que la función sólo pretende que lo mires y digas “ah, pues es cierto”... con eso me doy por pagada, más que pagada... me doy por satisfecha.. claro, puedes decir “yo no haría lo que hace esa hermana”... pero claro ¿Tú qué harías. Dónde estás tú, en la que calla y plancha. Tú quién serías. Venga dímelo? Lo importante es que eso cree una reflexión en los casos de los malos tratos, al menos yo lo hice con esa intención... La hermana, además, están marcados los momentos en los que tiene que despreciarme más o menos, y ayer, el director, le pidió a mi compañera, que creo que lo hace estupendamente bien, que es Marta Poveda, le pidió que no se excediera tanto porque entonces iba a haber un momento en que no se iba a entender lo que hacía, a veces está tan metida en el personaje, porque marta es una actriz magnífica, y quizá parece que va un poco más allá de lo que habíamos propuesto ¿no? Porque es muy fácil, y eso también es bonito, perderte en la violencia, es muy fácil...

Pregunta: Lo que también consigues con esa discusión que no vemos y escuchamos es una intensidad absoluta... No vemos lo que pasa pero la inquietud que producen esos gritos es sobrecogedor...

Nieve de Medina: Cuando escribí la función de teatro, lo hice pensando en el Teatro Lara, no la escribí primero y después la adapté al espacio del Lara. La función se desarrolla en el Hall del Teatro Lara, no en el teatro a la italiana, el teatro lara, precioso que se llamaba La Bombonera, se desarrolla en el Hall. Este espacio tiene unas características muy concretas, un espacio que nos marca una serie de acciones, yo imaginé la función de teatro y la escribí, pensando en el Hall y como me ofrecieron escribir algo para ese lugar, dije, “vamos a pensar a ver”... Y lo primero que vino a mi mente fueron unas voces que se oían arriba, esas voces pasaron rápidamente a ser una bronca... Y rápidamente tuve el tema... Para mí es muy importante que las peleas que tienen ese hombre y esa mujer no se vean, sólo se oigan, porque es muy inquietante y porque no me apetecía hacer algo muy explícito que todos hemos visto, sino recurrir a la teatralidad, a esta cosa que tiene el teatro y es su facultad para hacerte pensar, para hacerte evocar cosas... Lo que tú no ves, la pelea que está arriba, tú no la ves... Pero, ¡uf! No sé yo...

Pregunta: Es sobrecogedora...

Nieve de Medina: Lo digo porque yo la hago, pero no la puedo oír, aunque en alguna otra entrevista, nos las han grabado y nos las han puesto en radio... Y... No veas, oír las peleas... lo llevo mal... me pongo muy nerviosa, porque es impactante... oír algo que no ves, intuir imaginar que algo está pasando...

Pregunta: Algo también muy interesante es que en esta obra, nadie es culpable... ni esa niña, a la que esa mujer en un momento dado quiere proteger, para protegerse a sí misma, liberarse y reconocerse...

Nieve de Medina: A mí lo que me parecía muy importante es que la fuerza la cogiese de esa niña que fue, de la niña valiente que fue... Creo que, cuando empezábamos la entrevista te decía que le quedaba un hilito con el que ella todavía podía ser humana, el amor propio, y ese hilo es la niña, esa niña de once años que fue... No sé si hay víctimas y verdugos, pero he intentado ponerlos a todos en el mismo lugar. Yo pienso que si tú le das una paliza a una niña de seis años el verdugo eres tú y la víctima es ella, no hay duda; si tú eres más fuerte que una mujer y la sacudes constantemente, el verdugo eres tú y la víctima es ella, no hay otra; bien; partiendo de esta base, también digo, el que sacude también es un ser humano, qué le ha pasado a ese ser humano para que llegue a eso... tiene que haber tenido un deterioro, porque si yo digo que a una persona cuando la maltratas deja de ser persona y la conviertes en un animal, qué le ha pasado a él para llegar a ser ese animal que golpea... A mí me parecía muy interesante presentarlos así, y no juzgarlos... Esto me parecía que era mejor... Hay gente que sale convencida de que él es el culpable, y hay gente que sale diciendo lo que tú has dicho, que no hay culpables... Aquí hay un desarreglo total... Sí, hay un poco de todo, pero es de nuevo, lo de antes, cómo lo vemos, desde qué punto, desde qué prisma... qué le ha pasado a él para que llegue a eso... es que sino, si sólo señalamos culpable, culpable, culpable... no avanzamos....

Pregunta: Exacto. Quizá esta obra contenga algo que escasea en la sociedad: La comprensión. El hecho de pararse para reflexionar, para entender, para ponerse en el lugar del otro...

Nieve de Medina: Claro, es que... me parece muy complicado ponerse en el lugar del otro, porque vivimos en una sociedad en la que prima el yo... todo el rato “yo”... todo lo juzgamos desde el “yo”... Y juzgamos a los demás, no hacemos críticas constructivas, siempre juzgamos, siempre decimos “esto no se hace así porque...” No, espera, vamos a ver ¿sabes?... Ponte en el lugar del otro, pregúntate por qué esa persona está haciendo eso, porque todos tenemos siempre un estado de vivir en la posesión de la verdad y eso varía en el momento en el que te colocas en el lugar del otro... Ponte a pasar lo que pasó él, ponte a vivir como vivió él, ponte ahí, a ver si va a resultar que opinas lo mismo que él o vuelves a opinar lo que opinas tú... eso nos cambia... Y parece que es interesante...

Pregunta: En algún medio de comunicación te he escuchado comentar que para huir del tópico, has consultado con psicólogos, para saber cómo es el hombre que no es bueno y has hablado de algo muy interesante: Los Micromachismos...

Nieve de Medina: Sí... Luis Bonino, que es un psicólogo de maltratadores y Andrés Montero que es otro con los que me he entrevistado y con los que también se entrevistó Itziar Bollaín, por lo menos con Andrés estuvo, porque él me lo comentó, cuando hizo la película “Te doy mis ojos” con Laia Marull y Luis Tosar... Luis Bonino ha estado muchos años dedicándose a eso, ya no, porque tiene un desgaste importante, Tanto él como Andrés, quizá él más, hablan de “los micromachismos” que son una serie de pequeños acuerdos tácitos que están en la sociedad y que están en todos los lados y que es una manera de ningunear o no hacer visible a una mujer o de no valorarla... nunca se dice “tú ganas más que tu compañero”, rara vez... pero siempre o se dice o se deja entrever, cuando alguien, si es masculino, gana más o ha tenido un ascenso o un logro importante a destacar o cosas de éstas. Hace muchos años que las mujeres hacemos las dos cosas, hacemos la vida de dentro y la vida de fuera, y eso parece que no se valora, si eso lo hicieran los hombres, se valoraría una barbaridad. Yo tengo la oportunidad, por la vida en que vivimos, de conocer a varios hombres que tienen custodia compartida o que ya la situación de las parejas es muy diferente a la que era cuando nuestros padres se casaron y se separaron en aquella época y siempre me llama la atención de que estas personas siempre buscan y tienen a otra persona que las ayuda; generalmente ese trabajo lo hace la mujer, la mujer que se queda sola con sus hijos trabaja dentro y fuera... Es decir, hay un montón de pequeñas cosas que se pactan, que tienen que ser así y sin embargo lo que hacen es silenciar ciertos logros de la mujer, cierto esfuerzo, ciertos valores que no se han tenido en cuenta... y sin embargo cuando los hace un hombre sí se tienen en cuenta... Entonces, Luis Bonino siempre me decía “la mentira es la estrategia y el argumento más importante que tiene el hombre”. Yo me preguntaba cómo podía decirme esto un hombre... y él lo repetía, “el hombre tiene una estrategia que es la mentira”... En cambio, cuando una mujer hace eso... es tremendo, mientras que en el hombre está, no institucionalizado, pero está aceptado... Y sobre todo, silenciar cualquier logro de la mujer... Y esto ocurre en la función... Por ejemplo “Yo no te digo que no te prepares unas oposiciones, pero que cuando yo llegue a casa que la casa esté hecha”... ¡Jo, si estoy estudiando para las oposiciones, no tengo tiempo de hacer la casa!... pero si yo te exijo a ti que lo hagas todo, lo más seguro es que no llegues a nada, y si no llegas a nada, es complicado que saques las oposiciones, con lo que la conclusión que sacas es que no eres lo suficientemente buena. Todo este pequeño mecanismo que dirás “¡qué maquiavélico!” no lo es, míralo a tu alrededor... está pasando todo el rato... Mi madre, que era muy sabia, decía siempre: “No te digo que barras, pero ahí tienes la escoba” (risas)... Esto es un poco eso... Es decir, nunca se celebran los logros de la mujer, no se dicen, o si se dicen se dicen de pasada, estamos en una conversación en una mesa y te pido que te calles porque tú de esto no entiendes... Esto es ningunear ¿eh?...

Pregunta: Y lo que ocurre es que cuando pones todo esto sobre la mesa y reivindicas tu lugar y tu logro, como son gestos tan sutiles... De repente surgen las voces que te tachan de retorcida, feminista radical, demagoga....

Nieve de Medina: Claro... Y eso de ser una feminista radical, me encanta porque ya nadie es una feminista radical, pero enseguida sí, se te ataca con eso... Y dices, bueno, si en el caso de ellos no se dice que sea un exceso de algo, sin embargo, no estás... Es como el sexismo en el lenguaje, ¡¡Ay por favor que no es para tanto!! Y es que es todos los días, eso es la moneda de cambio que tenemos a la hora de relacionarnos... O sea que, sí se pueden tener en cuenta esas cositas...

Pregunta: Directora de teatro, actriz y ahora dramaturga , cómo surge esta oportunidad y cómo han sido los ensayos, supongo que ha sido un proceso muy arduo...

Nieve de Medina: Yo soy licenciada en dirección de escena, además de actriz, y el texto es mío, pero elegí a una persona que se llama Juanfra Rodríguez, que fue profesor en la Cuarta Pared y luego tuvo su propia compañía y además fue compañero de carrera y bueno, me gusta mucho trabajar con él porque me entiendo con él, algo muy básico pero no siempre es así, y te apetece estar con la gente con la que te entiendes y con las que sabes que... no que no vayas a tener problemas, porque montar una función es problemático, sino que vamos a tener un estilo común, un lugar común donde llegar... Y yo le pedí a Juanfra que lo hiciera y en el momento en el que se lo digo y él lo acepta, yo me convierto en una actriz y abandono por completo el texto... porque yo no puedo estar metiendo mano aunque la haya escrito yo... esto es complicado, porque callarte... el estar... Y decir “muérdete la lengua, no es tu función, ya no lo es, porque esta persona tiene su propia manera de sentir y leer y cuando lo hace lo lee de manera diferente a como lo has querido montar tú”... Y eso me costaba más a mí... pero he estado muy contenta y el proceso de ensayos ha sido muy agradable porque tuvimos la oportunidad de ensayar en el Teatro Lara, nos lo cedieron y fue maravilloso, porque yo había pensado la función para ese lugar, entonces ensayar directamente con escenografía, porque el espacio es nuestra escenografía, no tenemos otra; es un teatro desprovisto de todo, en el que el espacio es la escenografía...

Pregunta: ... Con esas escaleras...

Nieve de Medina: Sí, esas escaleras maravillosas... Es que el Lara es un lugar maravilloso. El Lara es... cuando se apaga la luz, se apaga todo, me quedo a oscuras, arriba, que tengo que empezar a bajar las escaleras... madre mía, yo no sé si está o no, Lola Membrives y me está ayudando... es que tiene un embrujo el lugar... todo el mundo lo dice... Las escaleras, el violín, cómo suena el Lara, es que suena... que te mueres... El teatro es precioso y nos está acogiendo tan bien... Fíjate, que creo que llega un momento en el que ese hall llega a convertirse en una casa de vecinos auténtica, en el que unos estáis dentro, las escaleras están vivas porque no paran de pasar cosas en esas escaleras... No sé, a mí me parece que el lugar es muy importante...

Pregunta: Creo que estrenasteis en Octubre...

Nieve de Medina: Sí, estrenamos en octubre, estuvimos un tiempito con estas cosas que tiene el Lara y después decidimos, Antonio Fuentes y Mónica Regueiro, decidieron que volviésemos. Tenían mucha programación y nosotros estábamos encantados, de hecho como se concibió para el Lara... Pues volver ahí es maravilloso, y vamos a estar lo más seguro hasta finales de junio, porque el público está respondiendo francamente bien...

Pregunta: ¿Tenéis previsto girar con la función?

Nieve de Medina: Sí, de hecho nada más acabar aquí, fuimos a Lanzarote y ahora hay alguna posibilidad de algunos bolillos, pero bueno, todavía estamos viéndolo. Lo que sí sabemos es que en octubre, vamos a retomarlo en un centro cultural y supongo que va a ocurrir todo en verano... Hay varias cosillas pero no están cerradas.

Sofía Basalo.

... JORDI DAUDER. (Noviembre 2005)

2011-10-05T03:05:00.000-07:00

Vive en Madrid, por motivos profesionales. Es licenciado en Historia, escritor y un actor comprometido . Actualmente lo está con Don Juan Malec, personaje que interpreta en el nuevo montaje de la Compañía Nacional de Teatro Clásico , que ha dirigido Eduardo Vasco , “Amar después de la muerte” o “El Tuzaní de la Alpujarra” de Calderón de la Barca.
Es miércoles, dos de noviembre y a las seis de la tarde, encuentro a la persona que adivinaba tras el gran actor que responde al nombre de Jordi Dauder.

Pregunta: “Amar después de la muerte” es una de las obras de Calderón menos representadas a lo largo de la historia. ¿Tal vez esta característica os ha ofrecido una mayor libertad a la hora de llevarla a escena y a la hora de interpretarla. Creo además que sois los mismos que interpretasteis “La Entretenida”?

Jordi Dauder: No solamente es una de las obras menos representadas, si no también una de las más censuradas. Durante siglos estuvo censurada y los diferentes estamentos públicos, la iglesia en aquel momento, se dedicaron a modificarla, incluso el propio título “El Tuzaní de la Alpujarra”, en su origen. Posteriormente, ya en la época contemporánea se ha hecho poquísimo. Yo creo que sólo se ha hecho una o dos veces. No sabemos por qué razón, a parte de la temática, evidentemente; porque es una obra magnífica de Calderón, como todas las suyas por otra parte, aunque esta de manera especial, porque plantea la represión de los españoles contra los moriscos en las Alpujarras y el tema no es que sea de actualidad, pero ya significaba una toma de posición curiosa en Calderón, que comprometía mucho a los estamentos públicos.
No creo que el hecho de que haya sido poco representada, aunque también influye, en la decisión de Eduardo Vasco y en la Compañía Nacional de Teatro Clásico de montarla... Pero también ha influido el hecho de que no era conocida por el gran público y darla a conocer es uno de los objetivos de la compañía... Dar a conocer obras muy importantes de autores muy conocidos y no tan conocidos.
En principio es la misma compañía de “La Entretenida” ya que estamos funcionando en una especie de compañías estables, de equipos que trabajamos con Eduardo, mientras otras compañías circulan. Actualmente está de gira “El Parnaso” y “El Castigo sin venganza” que ha estado en el Teatro Nacional de Catalunya y nosotros terminando aquí, el once de diciembre, empezaremos gira y con “La Entretenida” al mismo tiempo; de tal manera que una misma compañía, podrá asumir la posibilidad de ir con tres o cuatro obras de repertorio.

Pregunta: ¿Cómo ha sido el proceso de ensayos, la puesta en escena?

Jordi Dauder: Apasionante, como siempre. Apasionante porque cuando tienes una obra que, entre otras cosas, reproduce una represión brutal, te planteas que el teatro no es el lugar más idóneo para hacerlo, que en el cine eso sí puede funcionar pero en el teatro no... Y creo que ahí, Eduardo ha intervenido con una mano izquierda extraordinaria, una gran sutileza para transmitir todo lo que significó aquello, por un lado y al mismo tiempo que esto tenga un acercamiento estético y emotivo hacia el público.

Pregunta: Tu anterior trabajo fue “La Entretenida” de Cervantes, ahora abordas un Calderón. ¿Qué hay de diferente en ellos y qué hay de común; tal vez todos los clásicos caminan sobre un eje único?

Jordi Dauder: Lo que ocurre es que cuando hablamos de clásicos nos limitamos a referirnos al Siglo de Oro y los clásicos son un poco más extensos... Podemos irnos hasta el Siglo XVII ó XVIII. ¿Diferentes? Sí... Yo he estado haciendo en los últimos años “El Alcalde de Zalamea” por un lado y “La Dama Boba” por otro, Lope, Cervantes, Calderón... Digamos que hay una línea general que es que evidentemente que están escritos en verso y eso significa un trabajo actoral y un trabajo de respeto de la forma de decir el verso... Esa gran, perenne y continua discusión de cómo hay que decir el verso... Como dicen algunas grandes actrices: Hay que decirlo con Sentido, es lo fundamental. Pero aún así, hay reglas ¿no? A parte de eso, está el sentido trágico de Calderón, la extraordinaria vena lúdica de Lope de Vega, el juego dramatúrgicamente extraordinario, la ironía de Cervantes en la “Entretenida”, desconocida teatralmente... Tienes que integrarte en cada una de las maneras de narrar de cada uno de los autores, no porque sean clásicos hay una misma forma de actuar o de decir, respetando, evidentemente las reglas del verso.

Pregunta: Hablando del verso ¿Es quizá “el verso” la asignatura pendiente de nuestros actores?

Jordi Dauder: Si hablamos de jóvenes actores que salen en televisión, evidentemente (risas) Y lo digo sin ánimo de menospreciar a nadie... Pero es verdad que ya no solamente el verso, sino que la dicción está prácticamente pasando a un tercer lugar, sin preocupación de que se entienda o no... Sí es una asignatura pendiente. Nosotros tenemos la suerte de, a parte de haber trabajado mucho en el clásico, de tener unos grandes maestros que continuamente nos dan cursos y trabajamos... No se adquiere en dos días, ni mucho menos, porque el verso condiciona mucho... De tal modo que el propio personaje se te puede escapar por la versificación, y eso es muy peligroso, porque el personaje tiene que estar y la sintaxis tiene que estar y el sentido de lo que dice tiene que estar y al mismo tiempo, respetar la sinalefa cuando corresponde y el encabalgamiento cuando corresponde y los agudos ... Toda una serie de normas que exigen un trabajo superior al de la prosa, por supuesto, para que el personaje tenga carne, dicho en prosa igual que dicho en verso. Ése es el gran trabajo y eso sí es una asignatura pendiente y hay que ir a fondo en eso, sí. Creo que nunca se llega a aprender... Es un trabajo permanente.

Pregunta: Sería un doble o triple trabajo, entonces.

Jordi Dauder: Claro, hay muchas veces, siempre decimos los actores que el texto hay que olvidarlo... Cuando piensas el texto, inevitablemente, te distraes, aunque el público no se dé cuenta, pero tú, por dentro, estás recordando el texto... Y hay que dominarlo, hasta el punto de olvidarlo, absolutamente, para hablar como si no tuvieses que decir aquello que estás diciendo, aprendido de memoria. Ése es un trabajo. En el verso a ese trabajo se añade esa pausa verbal o ese respeto del agudo, o la pausa estrófica, que también hay que olvidar... Es olvidar muchas cosas para dar mucha verdad. Sí, es un trabajo triple, pero apasionante.

Pregunta: Ha trabajado en la Compañía Nacional de Teatro Clásico bajo la dirección de José Luis Alonso de Santos y actualmente, con la dirección de Eduardo Vasco ¿Qué le ha aportado éste último a la CNTC?

Jordi Dauder: Yo, realmente estuve poco tiempo, porque “El Alcalde de Zalamea” lo dirigió Sergi Belbel y era una coproducción con el Teatro Nacional de Catalunya y aquí estuve sólo representando los tres meses de función, con lo que, la parte que estuve con José Luis Alonso de Santos fue, prácticamente con “La Dama Boba” pero no tuve relación profesional con él, porque la dirigía Helena Pimenta... No es el caso de Eduardo Vasco, porque además de ser el director de la compañía es el director de la obra, a parte de que Eduardo y yo nos conocíamos anteriormente. Con lo que los cambios de los que puedo hablar son aquellos que veo y que está estructurando Eduardo. Estimo que esta posibilidad de tener tres compañías. Una con textos pequeños y las otras dos con un repertorio más amplio, circulando por todo el país, por América Latina, Estados Unidos, México etc, haciendo intercambio con teatros nacionales como el Teatro Nacional de Catalunya, creando subsedes en todo el país es buena y además es la gran responsabilidad del teatro público; lo digo porque no sucede lo mismo, y no me muerdo la lengua, con el Centro Dramático Nacional, que parece un Centro Dramático de Madrid, dicha sea la verdad, de esa manera, pues lo pagan todos los españoles. Creo que el CDN debe circular por toda España; los problemas que tenga que afrontar que los afronte como lo hace la CNTC, pero son teatros públicos y en consecuencia el público de todo el país tiene el derecho de verlo.

Pregunta: Hablando de público, ¿Cómo ha recibido a Cervantes y a su “Entretenida”, como recibe a los clásicos, en general?

Jordi Dauder: De una forma muy hilarante. Nosotros estábamos bastante sorprendidos, porque no es una obra fácil, es bastante compleja. Cervantes al mismo tiempo intentaba hacer una crítica a Lope de Vega y a su teatro. Así, crea un personaje inexistente; era prácticamente el protagonista, esa mujer que todo el mundo busca, ansía y desea, que no sale durante la obra y que se llama por casualidad exactamente como la otra protagonista que sí salía y que se llamaba como la última amante de Lope de Vega. Había una serie de líos bastante difíciles de seguir por nosotros mismos… Pero, curiosamente, el público los seguía de un modo perfecto. A veces, desde dentro, tienes una impresión que es subjetiva y errónea, porque la lanzas al público y éste la recoge mucho mejor que tú mismo. Creo que el público es más maduro de lo que creemos.

Pregunta: ¿No es tan acomodado, o poco dado a implicarse en lo que se ve, a pensar y reflexionar sobre lo que ve?

Jordi Dauder: Hay muchos tipos de público. Hay públicos muy diferentes. Yo recuerdo una de mis mayores satisfacciones y no sólo por amistad, por muchos años de trabajo juntos, sino por la calidad de la obra, el montaje. Fue la gira de “El lector por horas”, con Juan Diego y Clara Sanchís; obra de Sanchís Sinisterra. Me parece una pequeña maravilla y era una obra muy difícil, muy compleja. Justamente pretendía que el público saliese con deberes. No queríamos darlo todo mascado, que es en general la preocupación en el teatro de Sinisterra. No quiere crear un producto fácil de consumir. Quiere crear una interrelación con el público para que él intervenga y se construya su propia historia sobre aquello que está allí sucediendo. Pinter es un maestro en eso también. Curiosamente en esa obra compleja el público entraba y nos quedábamos, luego a debatir y era apasionante los debates que hacíamos. Habían visto cosas que nosotros no veíamos y ése es el tipo de teatro que me interesa, no el que lo da todo mascado y que el público consume tranquilamente, con todo el respeto a lo que se hace comercialmente y sólo para distraer; pero prefiero el teatro que, de alguna forma, interpela, es crítico con la sociedad, plantea problemas y sobre todo, crea una relación de complicidad con el público.

Pregunta: Quizá para ello nació el teatro en su origen ¿no?

Jordi Dauder: Yo creo que sí.

Pregunta: Se ha hablado mucho de los clásicos y de la puesta en escena de esos clásicos. Del respeto o no a la hora de trasladarlos de época, ambientarlos en un momento determinado, distinto del que fue concebido ¿Tú qué criterio tienes sobre ello, estimas que lo importante es el texto y el actor?

Jordi Dauder: Yo creo que el respeto está en servir al texto y lo que quiere decir o quería decir él en su época. Si ese respeto está, a mí no me importa que se lleve a una época moderna o al pop, o al año tal. Si la esencia de lo que se dice está. Hay algunos montajes que a mí no me han gustado, porque han desnaturalizado el texto y se ha perdido; lo que se obtiene de ello es basado en una idea de un tal shakespeare, pero no estás haciendo Hamlet, o no estás haciendo Otello o a Lorca y con esto está claro a quién me estoy refiriendo. Pero el respeto está en el contenido; creo que hubiésemos podido hacer esta obra con trajes como si estuviéramos desembarcando de las pateras, sin ningún problema, manteniendo absolutamente la esencia, incluso haciendo una versión “A saco con los clásicos” decía Brecha. El respeto para mí está en aquello que pretenden decir y lo que es el núcleo de la historia que cuentan, si eso se mantiene, no me crea ningún problema que esté ambientada en otras épocas, en la época contemporánea. Me encanta la visión que tienen los ingleses sobre Shakespeare, sobre su actualización o no; pero creo que hay que ser totalmente irrespetuoso en el sentido de mayor respecto a los clásicos.

Pregunta: ¿Cuál ha sido el resultado de la gira que tenía programada del recital llamado “No en el nostre nom” ¿Hay aún posibilidades de que llegue a Madrid?

Jordi Dauder: Pues creo que nos vamos a quedar con las ganas… Ha sido impresionante. La verdad, me he quedado muy muy “touchè”, porque yo lo hice como una necesidad propia de expresar una serie de cosas evidentes en aquel momento, me lo siguen reclamando. He hecho sesenta representaciones por Catalunya; desgraciadamente me es un poco difícil compaginar ambas cosas, pero intentaré retomarlo porque tengo otros proyectos que intento compaginar con el clásico, a medida que tengo la gira, intento colocarlos donde puedo… Pero no renunciaré absolutamente en trabajar sobre todo los temas actuales o de un pasado muy reciente. Últimamente he trabajado en Barcelona, he estrenado una cosa que hasta el año que viene no podré ponerla en circulación, es “Paralelo desconocido”. Las cartas de Chrisman Taylor, entre dos alemanes, uno de ellos judío que evolucionan hasta el nazismo. Intentaré traerlo aquí. A “No en el nostre nom” le tengo mucho cariño y creo que sigue siendo muy actual.

Jordi Dauder tenía prisa; Televisión Española estaba esperando a la compañía para grabar unos momentos del montaje… Le hubiera dicho muchas cosas, que sentí enormemente no poder ser una de las privilegiadas que vio “No en el nostre nom”… Porque en el mío, tampoco. Que esperaré “Paralelo desconocido”, contando los días. Y que leí su libro “El Estupor”, apropiándome de algunas frases que guardo en los bolsillos sin final de mi memoria… Le hubiera dicho muchas cosas … Pero “… Mi quehacer cotidiano está repleto de estas timideces o cobardías que siempre me dejan en los labios un amargo sabor de fracaso…” Aunque esto no se llame así.

Sofía Basalo.

... ERNESTO ARIAS (Febrero 2011)

2011-09-11T03:47:00.001-07:00

La compañía Rakatá, ha presentado su último proyecto teatral, donde recupera al Lope de Vega más Shakesperiano. “El castigo sin venganza”. Ernesto Arias ha sido el encargado de dirigir una puesta en escena muy limpia, en la que el protagonismo reside, como debe ser, en el actor y la palabra:

Pregunta: ¿Quién es el vencedor y quién el vencido, cuando se enfrentan la razón y el corazón?

Ernesto Arias: Pues no sé qué decir. Creo que cuando uno vive una situación de conflicto entre la razón y el corazón puede sufrir mucho, sobre todo si es una situación extrema. Ese conflicto se da en lo más cotidiano… no sé… yo, por ejemplo cuando debo trabajar un texto y deseo más ver otro capítulo de Mad Men; o no sé… cuando te llaman por teléfono y es alguien con quien debes hablar pero no te apetece responder. Pero el verdadero problema es cuando es una situación extrema -como en los personajes del Castigo sin Venganza-, cuando hagas lo que hagas siempre fallas, porque si sigues a tu deseo, mal, porque puedes acabar muerto; pero si sigues a la razón, malo también porque el tormento interior es inaguantable. Supongo que no se puede hablar de vencedores y vencidos. Vencido es la propia persona que sufre esa situación y vencedor también puede ser esa misma persona si logra superarla y aprender de ella.

Pregunta: ¿Cuál es término medio entre el “deber” y el “querer”?

Ernesto Arias: Pues la verdad es que no lo sé. Supongo que estas son cuestiones que deben tratar los psicólogos o los filósofos. No sé dónde leí que lo que había que tratar de hacer es desear lo que se debe hacer; pero claro eso es muy fácil decirlo, y no hacerlo. El deseo es incontrolable, uno no puedo decidir desear o dejar de desear; es algo del ámbito instintivo, animal, que va más allá de la propia voluntad. Sin embargo yo creo que los seres humanos en primer lugar luchamos por sobrevivir, y por eso muchas veces, como mecanismo de supervivencia, lo que hacemos es amoldar la realidad a nuestra conveniencia para superar el conflicto; quiero decir que si se desea algo que va contra la norma, enseguida se dice y piensa uno que la norma es injusta; y de la misma manera si se observa un deseo que va contra la moral de uno, se critica y se dice que ese deseo es monstruoso y atenta contra la razón. Pero ya digo que yo no soy quien para dar respuestas, El Castigo sin venganza no pretender darlas; yo creo que ni siquiera Lope se lo propone. Lo que hace Lope es plantear esa situación extrema como lanzando la pregunta: “y cuándo ocurre esto ¿qué hay que hacer?”, y cada espectador que saque sus propias conclusiones. Hay, incluso, quien pudiera pensar que Lope hace una defensa de la hipocresía, porque en varios momentos algunos personajes aconsejan fingir. Yo simplemente creo que a veces es difícil tomar decisiones, y sobre todo que hay que tener mucho cuidado a la hora de criticar el comportamiento de los demás sin saber realmente cuales son las circunstancias en las que se produce.

Pregunta: Has comentado que dirigir esta obra, “El castigo sin venganza ha sido un regalo”. ¿Cómo apareció en tu vida esta oportunidad y cómo ha sido el proceso de creación hasta el estreno?

Ernesto Arias: La oportunidad me la dieron Rodrigo y Alejandra de Rakatá. Yo ya había trabajado con ellos como actor en Desde Toledo a Madrid, de Tirso, que dirigió Carlos Aladro, y en el Perro del Hortelano que dirigió Laurence Boswell; además había sido asesor de verso en Fuenteovejuna que también dirigió Boswell; y en varias ocasiones les había dejado caer que después del Perro y de Fuenteovejuna deberían atreverse con El Castigo –que es una obra que siempre me apasionó-, pero se lo decía pensando en la posibilidad de hacer alguno de los personajes; y la sorpresa vino cuando me dijeron que efectivamente su próximo proyecto sería El Castigo y que además querían que yo lo dirigiese. Al principio, pensando en la posibilidad de hacerlo me entró un miedo atroz; pero luego pensé que si la vida me había llevado a tener esa oportunidad pues debía cogerla. Por eso ha sido un regalo, porque fue inesperado y no fue algo por lo que yo haya luchado. Sé que es difícil dirigir, y que hay muchas personas peleando mucho por sacar adelante sus proyectos y en ese sentido a mí me vino sin buscarlo. Por eso digo que ha sido un enorme regalo. Bueno, por eso y también porque todo el proceso fue muy bueno. Todo el equipo me arropó mucho; desde los actores hasta los diseñadores, los técnicos.... Yo al principio iba tímido con mis propuestas, pero al ir notando que eran bien acogidas fui confiando. Estoy muy contento y satisfecho con todo el proceso. Creo que ha sido un viaje donde he aprendido mucho. Y el resultado está yendo muy bien. Antes del Canal, la función ha estado en Buenos Aires, en Sevilla y Córdoba y la acogida ha sido muy buena. Y ahora en el Canal lo mejor es ver que la gente llena el Teatro, y como además las críticas hasta ahora han sido buenas, pues mejor. Estamos muy contentos.

Pregunta: ¿Consideras que el verso, el teatro clásico sigue siendo una asignatura pendiente para el actor? ¿Y para el público en España?

Ernesto Arias: En cuanto al público, creo que ya no le tiene miedo a los clásicos, al contrario creo incluso que los demanda. Respecto al actor yo siempre he defendido que para su formación es bueno frecuentar los clásicos cuanto más mejor; creo que por sus características los textos del Siglo de Oro te obligan, de alguna manera, a tener que ampliar tu técnica. Pero, aparte del público y del actor, también me gustaría añadir que en lo que se refiere a la profesión en general, sí que es cierto que siento que hay un poco de desinterés general por los Clásicos; creo que habría que preguntarse por qué. Es curioso, por ejemplo, que en los premios Max nunca haya nominaciones hacia producciones de textos clásicos españoles. No sé… es como si el teatro se dividiese en sectores y el sector clásico tiene su parcela que no se mezcla con los demás, y en fin… ojalá no fuese así. Los textos clásicos no deberían ser exclusivamente hechos por la Compañía Nacional, y por las compañías que se arriesgan con esa apuesta; creo que deberían estar más presentes en la realidad teatral. Me gustaría ver las propuestas de puestas en escena de textos del Siglo de Oro de los directores a los que admiro tanto, como José Luis Gómez, Mario Gas, Carles Alfaro, Alex Rígola, Andrés Lima, Alfredo Sanzol, y un enorme etc. Y me gustaría ver títulos de textos clásicos más mezclados en la cartelera madrileña. Seguro que podrá llegar el día que en la Gran Vía al lado de un musical esté un Fuenteovejuna o un Caballero de Olmedo, y que en el Español -o el Valle-Inclán, o en La Abadía, o en el Alcázar, etc- se programen uno o dos textos del Siglo de Oro por temporada. En definitiva, soy de los que pienso que la realidad del Teatro Clásico es un buen termómetro para medir la realidad teatral; cuanto más presente esté, mejor, eso será indicativo de que el teatro va bien. Eso también lo creo de los textos contemporáneos de autores vivos; cuanto más presentes estén en el panorama teatral, mejor, indicará que el teatro está en un buen momento. Pero, volviendo a los Clásicos, yo no creo que la cosa vaya mal, al contario soy muy optimista y pienso que se está produciendo una expansión al respecto en la que seguro que tiene que ver todo lo realizado por la Compañía Nacional de Teatro Clásico en los últimos años. Creo que se han hecho cosas muy buenas. El que, por ejemplo, haya una Compañía Joven es algo muy bueno, que va más allá del simplemente de formar a jóvenes en los clásicos. Es importante, como sé que está pasando, que personas que han estado vinculadas a la Compañía Nacional, a la hora de elaborar sus propios proyectos elijan textos clásicos. Y hay iniciativas muy, pero que muy interesantes, Nao D´amores, por ejemplo, que su labor es ya de premio nacional; y otras que se están fraguando, por ejemplo el proyecto de Grumelot. Y Rakatá, por supuesto, que ha conseguido cosas increíbles, por ejemplo, para el proyecto de El Castigo han conseguido implicar a instituciones de todos los ámbitos; del ámbito público con el apoyo de la Comunidad de Madrid, del financiero por parte de Unicaja, del social con Cruz Roja, del Universitario con la Fundación Prolope de la Universidad Autónoma de Barcelona, e incluso también del ámbito privado con la participación de Mercedes Benz. Que todas estas instituciones, de tan distinta naturaleza, estén unidas en un proyecto que su finalidad es hacer un Lope de Vega, es algo que me hace ver que la cosa va bien. Sin embargo esto no es lo habitual, y Rakatá que ha sido la pieza clave para conciliar e imbricar a todos en el proyecto creo merece todo el reconocimiento.

Pregunta: Has comentado que el verso no se puede decir como se decía antiguamente, porque hoy en día no sería creíble. ¿En tu opinión cuáles son los límites a la hora de “modernizar” “actualizar” “adaptar” una obra de teatro clásico. Hay también en este caso una delicada línea que no se debe traspasar, cuál es esa línea, en tal caso?

Ernesto Arias: Bueno, eso lo he dicho citando a Cicely Berry, que ha sido directora del departamento de voz en la Royal Shakespeare durante muchísimos años. Gracias a Javier Ortiz –una persona muy emprendedora que merece toda mi admiración- hemos tenido la suerte de tenerla por primera y única vez en España hace un par de años, y varios actores y actrices tuvimos la oportunidad de trabajar unos días con ella. Pues recuerdo que en una ocasión comentó que ahora los actores lo tenemos más difícil para abordar los textos clásicos, porque antes simplemente había que declamarlos correctamente, con el sentido apropiado y toda la emoción posible, pero que ahora -sobre todo desde la aparición del cine y televisión- además de eso había que hacerlos creíbles, naturales. A mí esa paradoja me apasiona. Cómo hacer natural, sencillo, creíble, un texto que es tan distinto al habla cotidiana, tan estructurado, tan cargado de imágenes y tan lleno de poesía me parece una búsqueda maravillosa. Eso por supuesto no significa saltarse a la torera la estructura versal, al contrario, cada vez estoy más convencido de que la búsqueda de esa naturalidad pasa por entender y respetar absolutamente la estructura. Y luego para adaptar, actualizar o modernizar a los clásicos desde el punto de vista de la puesta en escena no creo que deba haber límites. En teatro todo es posible. Me gusta cuando alguien se arriesga a buscar nuevas maneras de abordar las puestas en escena de los Clásicos. Con Shakespeare se ha hecho muchísimo ¿Por qué no va a poder hacerse con Calderón? Esto tiene que ver con lo que te decía que los directores sientan la necesidad de llevar a escena de vez en cuando este tipo de textos, y que sorprendan con sus propuestas.

Pregunta:¿Sigue siendo el teatro, el último refugio de la palabra?

Ernesto Arias: Esa es una expresión que le he oído decir mucho a José Luis Gómez. Quizá tenga razón. Quizá sí que sea el último refugio de la palabra “en directo”. Pero… no sé… “refugio” tiene algo de guarida, de mantener protegido, de encubrir… y no sé… quizá me gusta pensar más en que el teatro ayuda a la palabra a proyectarse, algo así como “espacio divulgador”; el teatro protege y refugia la palabra, pero también la propala y proyecta.

Pregunta: Siempre has comentado que tu maestro ha sido José Luis Gómez, ¿Qué aprendiste de él y durante tu formación en el Teatro de la Abadía?

Ernesto Arias: Bueno, espero que a José Luis no le parezca mal que yo le considere mi maestro. Yo tuve la suerte de entrar en esa primera promoción que inauguro La Abadía allá en el año 95, y creo que fue donde realmente me hice actor. Al lado de José Luis, aprendí mucho, desde el convencimiento en la necesidad de la formación continua, pasando por lo necesario de la técnica, hasta el cuidado por la palabra y el habla escénica, y muchas más cosas. Siempre me he sentido muy arropado por José Luis y me ha ayudado mucho, incluso en cuestiones que van más allá del Teatro, por lo tanto siempre le estaré muy agradecido. Y muy mal tendría que estar la cosa, y muy raras serían las circunstancias para que si él me reclamase para algo, yo no estuviera a su lado inmediatamente. Luego La Abadía me dio la oportunidad de conocer y trabajar con muchos otros maestros, y sobre todo los buenos compañeros que he tenido.

Pregunta: ¿Qué debe tener un proyecto o de qué debe carecer un proyecto para que tu respuesta sea “no”?

Ernesto Arias: La verdad es que cuando me proponen algún proyecto me cuesta mucho decir que no. Es como si el hecho de que pensaran en mí ya merece ser correspondido con un sí. Pero lamentablemente la disponibilidad es lo que lo va marcando. La mayoría de las veces cuando digo que no es simplemente por falta de tiempo.

Pregunta: Actualmente te encuentras embarcado en un proyecto muy atractivo, “Veraneantes”. Háblanos de él.

Ernesto Arias: Pues estoy encantado con “Veraneantes”. Lo dirige Miguel del Arco y después de ver varios de sus trabajos me encantó que me llamara, porque me parece un director buenísimo del que puedo aprender mucho. Luego el equipo actoral con los seis actores que estaban en “La Función por hacer” –Barbara Lennie, Miriam Montilla, Manuela Paso, Israel Elejalde, Cristobal Suárez y Raúl Prieto- y aparte de mí otras cuatro incorporaciones más –Lidia Otón, Elisabet Gelabert, Chema Muñoz, Miquel Fernández-; cualquiera que los conozca estará de acuerdo conmigo que es un equipo impresionante. También está la adaptación que ha hecho Miguel que creo que es muy, pero que muy buena. Y por último como es una coproducción de La Abadía con Kamikaze pues de alguna manera es un volver a lugar que considero mi casa. Como dices es un proyecto muy atractivo. Y ahí estamos, en los primeros días con mucha ilusión.

Pregunta: Tienes un blog, que dedicas al teatro y a “las cuestiones de la formación del actor/actriz”. ¿No tienes la impresión de que esto último, en según qué títulos, propuestas, no es lo importante. No crees que en cierto modo, priman otras cosas?

Ernesto Arias: Bueno, el blog lo empecé con mucho ímpetu, siguiendo una iniciativa de un momento que perseguía el crear un espacio donde poner ciertas ideas, sensaciones, dudas, que tengo al respecto de la formación y de la actuación con el único afán de compartirlas. Pero lo cierto es que después de un tiempo, y tras bastantes entradas en el blog, me di cuenta de la responsabilidad que conlleva en cuanto al tiempo y dedicación; y debido a que, afortunadamente, este año he estado muy ocupado, pues no he podido escribir con la regularidad que me hubiera gustado, y ya llevo un año sin hacer una entrada nueva. Pero seguro que lo retomaré y continuaré en algún momento. Respecto a lo que preguntas, ya he dicho antes que yo creo que la formación continua, pero también creo que cuando uno está en proceso de creación de una función hay que dejar aparcado lo formativo. Por supuesto que se aprende, es el aprendizaje de la experiencia, que es seguramente el más importante. A mí no me gusta dejar toda mi evolución como actor a ese tipo de aprendizaje, me gusta replantearme las cosas, darles vueltas una y otra vez, inventarme algún ejercicio o algo que me ayude a superar alguna mala tendencia o tensión que me he descubierto, ponerme continuamente en tela de juicio, hacer talleres y cursos tratado de explorar nuevos caminos para abordar el trabajo. En definitiva creo que el actor/actriz debe ocuparse de su formación continuamente y no confiar simplemente en la experiencia resultante de los trabajos que se vayan haciendo.

Pregunta: ¿Dónde está la verdad en el teatro?

Ernesto Arias: Quizá se debería desterrar el término “verdad” del teatro. Está el tópico que dice que el teatro es una mentira que desvela las verdades, yo no lo sé… yo creo que ofrece perspectivas, opiniones, posibilidades, puntos de vista, pero podría ocurrir que esos puntos de vista puedan no ser verdad, porque también dependen del punto de vista, de la perspectiva de quien lo recibe. Esa confrontación es lo interesante. Luego en cuanto a la manera de ser presentado, es obvio que el teatro es una enorme mentira, y si hablamos de mentiras las realmente buenas son las que pasan por verdad. Pues en el teatro lo mismo. Lo que hay que conseguir es que el espectador esté totalmente inmerso con lo que ocurre en el escenario y en cómo se produce. Evidentemente hay convenciones, trucos, recursos, pero creo que no se deben notar. Cuando estoy de espectador en alguna función lo que menos me gusta es sentir la manipulación a la que quieren someter mis reacciones y mis percepciones; si noto la intención de que, por ejemplo, aquí quieren que me ría, aquí que me emocione, aquí asustarme… pues no me gusta. Lo que me gusta es sorprenderme; pero sorprenderme a mí mismo con la reacción que estoy teniendo por lo que estoy viendo y escuchando. Cuando me ocurre eso pienso que estoy viviendo un momento de “verdad teatral”. Por eso creo que, en el teatro, la única verdad que importa es lo que le pasa al espectador durante la función y lo que se lleva cuando sale del teatro.

Pregunta: ¿Cuándo supiste que tu vida iba a estar ligada al teatro, como actor o como director?

Ernesto Arias: Yo no sé cómo pero desde muy joven me di cuenta de que para tratar de ser feliz lo primero es dedicarte a algo que te guste mucho, que te apasione; y a mí lo de ser actor siempre me gustó. Empecé hacer teatro con nueve años en la Casa de la Cultura mi pueblo (Lugones, Asturias) con Jesús Pérez-Llana, que es una persona muy importante e influyente mientras viví en Asturias. Con él enseguida me di cuenta de que quería dedicarme a esto del Teatro y muy pronto comencé a decir que de mayor quería ser “actor de teatro”. Lo de dirigir es circunstancial. Yo me considero un actor –que es mi verdadera vocación y de lo que siempre he trabajado- que ha tenido la fortuna de poder dirigir, pero soy actor.

Pregunta: ¿Es el teatro una forma de vida?

Ernesto Arias: Desde luego es mi forma de vida.

Pregunta: ¿Los llamados “dramas de honor” pueden ser en cierta medida, origen de la violencia machista que vivimos actualmente?

Ernesto Arias: No me atrevería a afirmar eso. El teatro es reflejo de la realidad, y los “dramas de honor” reflejaban una sociedad, unos valores. El problema, en tal caso, no son esos dramas, serían en tal caso la realidad que reflejan. Pero creo que la violencia machista es algo demasiado serio, horrible, complejo, bárbaro, como para achacarlo a una sola cosa; y además la violencia machista no sólo se da aquí, es algo de muchos países en muchos en los cuales quizá no tengan esos “dramas de honor”. No me atrevo a opinar sobre el origen de la violencia machista. No sé cuál es. En realidad, supongo que da igual cuál sea el origen, es algo horrible que no debiera existir, se debe acabar y punto.

Sofía Basalo.

... FERMÍN CABAL (2009)

2011-08-23T04:20:00.000-07:00

Se estrenó hace dos temporadas. Se ha representado en Gran Bretaña, Sudáfrica, Sudamérica... el autor afirma que es su obra más internacional... El verano pasado Pape Pérez la reestrenó en el Círculo Bellas Artes. Desde hace unos días la vemos en la Sala Pequeña del Teatro Español. Hablamos de “Tejas Verdes” donde Fermín Cabal analiza en boca de seis “mujeres” la tortura.

Pregunta: Pape Pérez, director del montaje que podemos ver en la Sala Pequeña del Teatro Español, afirma que en esta obra no hay buenos ni malos. De hecho todos los personajes exponen sus motivaciones, sus pensamientos... ¿Es difícil mantener la objetividad a la hora de escribir y dibujar esos personajes tan diversos en un texto como el de Tejas Verdes?

Fermín Cabal: Yo creo que es más difícil mantener la objetividad desde la actuación. Cuando uno actúa imita una conducta y yo creo que a veces el actor, inevitablemente opina también, opina con el cuerpo, con los gestos... yo creo que es más difícil la interpretación en ese sentido. La objetividad interpretativa. Como autor es relativamente más fácil... aunque también a veces se deslizan prejuicios en la escritura pero yo creo que es más controlable...

Pregunta: Los personajes de esta obra son mujeres... ¿tal vez porque son doblemente víctimas?

Fermín Cabal: La verdad es que eso fue una idea que surgió un poco sobre la marcha, porque cuando empecé a investigar el tema, cuando me hice con la documentación para la obra, veía que todos los personajes que salían, la inmensa mayoría eran hombres... tanto las víctimas como los verdugos, entonces pensé, cuando encontré algunos testimonios de mujeres, pensé que daban una visión un poco distinta porque se salían más del tópico... pues tanto la víctima como el verdugo me parecían más interesantes en la mujer... daban también como un halo mayor de inocencia y luego también supongo que como las brujas malas de los cuentos infantiles ¿no? Uno no espera, también, ciertas conductas en una mujer... quizá es un prejuicio machista ¿no? pero bueno, yo como escritor masculino me dejé impregnar por esa sensación y pensé que era bonito trabajarlo así.

Pregunta: “Tejas Verdes” se ha representado en Gran Bretaña, en Sudamérica...

Fermín Cabal: Al ser un tema de derecho internacional, la obra parte en el momento en que un juez español procesa y pide la extradición en Inglaterra del dictador de un tercer país... al ser una noticia internacional y al ser además un precedente universal, nunca había ocurrido eso, es la primera vez en la historia del derecho internacional donde un jefe de estado ha sido detenido en un país extranjero... eso fue una conmoción... entonces, yo creo que la noticia tiene algo que interesa en todo el mundo, además el hecho de la tortura yo creo que traspasa las fronteras el reflexionar acerca de la eticidad de estas conductas violentas, creo que no es sólo un tema de Chile o de España... es un tema internacional, de hecho la obra se ha hecho en los cinco continentes, creo que ha sido una de mis obras que más ha viajado por el mundo y creo que es que se entiende perfectamente en todas partes.

Pregunta: “Tejas Verdes” se representó hace unos dos años. Recuerdo que la vi en la sala Lagrada, se vuelve a reestrenar, quizá la aprobación de la ley de memoria histórica, ¿se ha aprovechado esta circunstancia?

Fermín Cabal: No lo sé. No sé si eso habrá pesado en la decisión del director. El montaje que viste era el montaje de Eugenio Amaya, un montaje distinto del que hacemos ahora, ese montaje de Eugenio fue el que estrenó la obra y se trajo a Madrid. Primero a la Sala Mirador y después a Lagrada y ahora este montaje se estrenó este verano en el Círculo de Bellas Artes y ahora ha venido al Español y ha hecho su recorrido. Yo no he hablado con Pape de ese tema, quizá sí el hecho de que estos temas, desaparecidos y muertos, estén un poco vigentes quizá hayan influido pero la verdad es que no lo sé.

Pregunta: Tú personalmente, como autor de esta obra ¿universalizarías a estas víctimas?

Fermín Cabal: Yo creo que como te decía antes, el tema es general y ahora mismo está sucediendo en muchos países y probablemente incluso esté sucediendo en España. España como país y como gobierno está desde hace años en los boletines de amnistía internacional como país torturador, lo que ocurre es que los temas de la tortura no interesan a los medios de comunicación. Ninguno se hace eco de estos supuestos que están ocurriendo en España. Unos porque sintonizan con el gobierno y otros porque sintonizan con la oposición que tampoco es partidaria de denunciar estas cosas, porque implican siempre a los cuerpos de seguridad etc. Pero yo creo que en España hay torturas desgraciadamente y me imagino que en otros países pasará lo mismo.

Pregunta: Quizá una de las funciones del teatro sea sacar a la luz eso que los medios de comunicación silencian...

Fermín Cabal: Sí, bueno, yo creo que el teatro puede ser muchas cosas y válidas todas. Yo voy con mi hija a ver “La bella y la bestia” y me lo paso muy bien y mi hija se lo pasa bomba y eso es estupendo. Y luego hay un teatro, minoritario, que busca además del entretenimiento, reflexión y cosas así, y creo que eso es lícito. A mí me parece que el teatro, y me encanta yo soy un apasionado del teatro, puede hacer muchas cosas al mismo tiempo y lo importante es hacerlo bien... ésa es la dificultad y eso ya no sé si... uno llega y da la talla... pero a mí me parece que el teatro tiene muchas posibilidades y todos los tipos de teatro bien hechos me parecen estupendos... soy partidario de todos ellos.

Pregunta: Afirma que el teatro hay que hacerlo bien... ¿se hace bien el teatro o hay otras prioridades, como el éxito por el éxito mismo. Es difícil aunar ambas condiciones?

Fermín Cabal: Sí, es difícil, pero en todos los campos, si uno se plantea eso con esa crudeza, es difícil. Yo creo que no hay que planteárselo. Creo que uno cuando busca un público mayoritario etc tiene una actitud que puede ser también legítima, no la discuto, pero cuando uno se embarca en una aventura como ésta, de “Tejas Verdes”, yo creo que no se puede plantear, ni siquiera encontrar un equilibrio, hay que ir directamente a renunciar. Nosotros no tenemos un planteamiento económico, sería absurdo pensar que vamos a ganar una peseta haciendo estas obras, es que no nos lo planteamos, por eso tampoco nos defrauda, cuando vemos que nuestra capacidad para llegar al público es muy limitada, pues bueno, pensamos un poco como el marinero ése del romancero... El Romancero del Conde Arnaldos... el Conde le pregunta al marinero “Dígasme esa canción” y el marinero le dice “No, no, yo sólo digo mi canción al que conmigo va”... yo creo que hay que tener esa actitud. Yo he escrito esta obra porque a mí me golpeaba mucho el material, porque me motivaba y me dirijo a la gente que, seguramente no es mucha, que quiere escuchar y hablar y reflexionar sobre estas cosas y, oye demasiado bien nos ha salido que es la cuarta vez que venimos con la obra a Madrid y yo creo que poco a poco, la obra está ahí, va haciendo su presencia, también está el libro, se ha hecho en muchos países... incluso en sitios absurdos donde nunca pensé que una obra mía se iba a hacer... yo me doy por pagado... la vertiente comercial me da igual.

Pregunta: Creo que comenzó su carrera en el grupo teatral Tábano...

Fermín Cabal: Sí, hace muchos años... Queda poco de aquel teatro, pero algo queda... porque queda poco de esa sociedad. Nosotros éramos una sociedad que tenía una conciencia clara de la injusticia, era una sociedad incómoda, era una sociedad fascista donde se cometían unos abusos de una manera muy clara y explícita y la gente tenía una cierta educación y una cierta conciencia y yo creo que mayoritariamente estaba en contra y entonces, era una sociedad muy inconformista y eso afortunadamente también ha pasado... yo creo que España es un país que ha hecho muchos progresos en aspectos políticos, económicos y sociales... en muchos aspectos... y eso es mérito de los españoles que se han partido la espalda trabajando, pensando y haciendo cosas; pero también es verdad que ese éxito indiscutible ha llevado a que la sociedad sea más conformista. Yo creo que hoy vivimos en una sociedad muy conformista, profundamente conformista que traga todo y sólo piensa en el dinero, en el éxito personal... y eso impone también otro tipo de tareas para los artistas, yo creo que el debate político, cien por cien político, como hacíamos en los años setenta y ochenta, ya no tiene sentido... hay que ir hacia otras cosas que interesen al público... y bueno, no es fácil... yo mismo muchas veces, no sé qué hacer...

Pregunta: Y cuando le invade esa duda... ¿cómo la disipa?

Fermín Cabal: (risas) Mira, ahora por ejemplo estoy haciendo un trabajo con un grupo de actores jóvenes... son todos gente de veintipocos años y trabajo con ellos un poco aplicándolo a las técnicas de creación que empleábamos en Tábano... trabajo con ellos en improvisaciones... improvisamos noticias de los periódicos, improvisamos episodios particulares, de experiencias personales, que se animan a sacar ante los demás y los investigamos... y ahora estamos trabajando en un texto que lo estrenaremos en abril, tengo el compromiso de estrenarlo en abril... el texto aún no existe, estamos indagando y yo hago esto para escuchar la voz de estos jóvenes de veinte años que muchas veces pienso que quizá no escuche suficientemente bien... ahora cuando trabajo con ellos veo que también hay mucha más conciencia moral de la que yo suponía... yo creo que la juventud de ahora tiene cosas muy buenas, lo que pasa es que viven en una sociedad conformista y eso nos afecta a todos, a mí mismo... arriesgamos menos... tenemos menos responsabilidad personal...

Pregunta: He leído que ha comentado que la parte que más le gusta de su trabajo es “disfrutar de él”... en medio de este conformismo... ¿es difícil conseguirlo?

Fermín Cabal: Yo sinceramente, disfruto mucho con el teatro, me gusta mucho... he trabajado en televisión, en cine y también encuentro que son trabajos que están muy bien... pero a mí me gusta sobretodo el trabajo del teatro... porque la presencia directa del actor a mí me parece que eso es extraordinario, es una cosa maravillosa, ver cómo el cuerpo y la palabra se aceptan en la obra escénica... me atrae mucho... entonces... hay que distinguir dos cosas: Una cosa es el disfrute del trabajo que es el día a día, que yo tengo siempre... y otra cosa es el disfrute final, eso hoy día es más difícil porque los canales de comercialización de este tipo de teatro que es minoritario, están mucho más cerrados, la sociedad es más conformista y le interesa menos este material, con lo que nos vemos un poco... sobre todo la gente que hemos conocido una época más receptiva, nos vemos confinados en un sector muy chiquitín del público... con dificultades de acceso profesional y por parte de los poderes públicos, las administraciones, hay un desinterés absoluto, ninguna administración, ninguna generalitat, ni de ninguna comunidad autónoma ni ningún gobierno central ni de ningún ayuntamiento está interesado en programar obras conflictivas que hablen de problemas... no quieren... ni de un signo ni de otro... entonces, en ese sentido, sí me parece más difícil tener un goce personal del trabajo bien hecho, del contacto con el público.. pero lo que es el trabajo diario... lo sigo disfrutando mucho... me gusta mucho... y en la medida que puedo, como profesor a los más jóvenes trato de trasmitirles esa experiencia... de que a pesar de las dificultades el teatro es un goce y eso no hay que olvidarlo nunca...

Pregunta: ¿Cómo podríamos modificar el clima de conformismo que respiramos?

Fermín Cabal: No lo sé... yo pienso mucho en estas cosas y pienso que a lo mejor, de pronto, esta crisis que se está produciendo, de pronto ejerce una presión sobre la conciencia de la gente... es triste decir que tenga que ser a través de una crisis cuando la gente reflexione y sea consciente de los problemas que hay en el mundo... es triste... pienso que a lo mejor por ahí se abra un camino de conciencia... pero yo creo que en el mundo ahora mismo hay problemas gravísimos, problemas humanos, hambrunas y la cantidad de personas desplazadas por las guerras locales... luego el tema del cambio climático... y mientras tanto hay una pequeña parte del mundo que vive en la opulencia, nosotros formamos parte de esa pequeña parte del mundo, y no quiere ver, no queremos ver la responsabilidad que tenemos, entonces me parece que ése el problema... nosotros los españoles, formamos parte de esa minoría privilegiada y nos cuesta abrir los ojos porque es admitir que tenemos que compartir nuestras cosas, esas cosas que nos ha costado conseguir con otras personas... y creo que ese el problema... un problema de egoísmo, mala educación y poca conciencia... también veo a mis hijos en la escuela... tienen mucha más conciencia ecológica, mucha más conciencia de la justicia que en mi época y pienso que el papel de los enseñantes también es importantísimo, el hecho de que tengamos un colectivo de enseñantes muy sensibilizado con estas cosas... creo que es de lo mejor que tenemos en España en ese sentido... en eso pienso que quizá a la larga se note una variación y una mayor responsabilidad individual... exigirse uno más...

Pregunta: ¿La creatividad en nuestro país también es víctima de la enfermedad del conformismo?

Fermín Cabal: Creo que cuando hay una sensación de debate social, crisis social etc hay más preguntas y también hay más respuestas... cuando la gente no quiere discutir también la creatividad se apaga un poco ¿no? pienso que en ese sentido en el teatro español y en la cultura española en general... también en la novela y en otros campos, también hay ahora mismo una pérdida de potencial respecto a lo que sucedía hace veinte años... hay menos impulso, pero también puede ser una percepción mía negativa porque ya las personas cuando nos hacemos mayores también percibimos las cosas de otra manera... más nostálgica... y no sé quizá sea simplemente una percepción errónea por mi parte... a lo mejor hay artistas ahora peleando, lo veremos, saldrán... yo quiero ser optimista, sobre todo porque estoy en contacto con la gente joven y pienso que el teatro aunque quizá en este momento no está en su mayor apogeo... no está al cien por cien... pero tampoco está tan mal... potencialmente tenemos teatro para rato...

Sofía Basalo

... PABLO PAZ (Noviembre 2010)

2011-07-22T09:17:00.000-07:00

Hace más de mil años un virus letal acabó con la raza que poseía la capacidad para pensar. Algo superior le ofreció una nueva oportunidad, y cumpliendo el dicho que asegura que esta raza es la única que tropieza dos veces con la misma piedra, o virus, el “yoismo” vuelve a hacer estragos. Más de mil años después, un grupo de sabios encabezado por “Pau Pau” crea un concurso, para el cual serán seleccionados cinco seres de esta raza afectados gravemente por la enfermedad. Estos serán llevados a situaciones límite, de las que sólo podrá sobrevivir el más fuerte. En esto consiste el planteamiento de “Águilas en el jardín” primer proyecto teatral de la productora que lidera Pablo Paz. La temporada pasada tuvimos la oportunidad de ver esta misma obra en la Sala Tarambana y actualmente ha prorrogado su permanencia en cartel en el Teatro Arenal. Hemos hablado con el joven y emprendedor actor en una conversación en la que, como no podía ser de otro modo, también ha metido baza el sabio (que no sabihondo) Pau Pau:

Pregunta: ¿Existe algún antídoto para el “yoismo”?

Pablo Paz: Sí, existe. Rotundamente.

Pregunta: ¿Cuál es?

Pablo Paz: Ver más allá y dejarse aconsejar por el gran sabio “Pau Pau” (risas)

Pregunta: ¿Cómo podemos ver más allá. Qué tenemos ante los ojos que nos lo impide?

Pablo Paz: Pau Pau nos cuenta que ese mal, que produjo el exterminio a esa raza que poseía la capacidad para pensar, actuaba en sus cervicales y las agarrotaba hacia delante, entonces, las dejaba inmóviles de por vida y sólo podían verse el ombligo. Con lo que, se ha de hacer el esfuerzo por escuchar y ver más allá, levantar un poquito la cabeza y la vista.

Pregunta: ¿Por qué no somos capaces de levantar la cabeza, algo tan simple?

Pablo Paz: ¿Nosotros o esa gente que sufrió el mal? (risas)

Pregunta: Bueno, según parece eso mismo ha vuelto a ocurrir...

Pablo Paz: Sí, vuelve a ocurrir dice la obra (risas) Si esta fábula la trasladamos a la actualidad, todo va tan rápido a veces, que creo que la vida se nos adelanta... va por delante de nosotros que vamos un poco a rebufo de la vida, que decimos los gallegos... Hay que pararse...

Pregunta: Eso nos aconseja Pau Pau..

Pablo Paz: Sí. Pau Pau es uno de los pocos sabios que quedan de aquel exterminio y deciden, a través de un gran evento, hacer llegar el mensaje al pueblo; eso sí, al evento en sí, que es el gran concurso “Águilas en el jardín”, ante la gran convocatoria que tiene, porque se apunta todo el mundo, ellos hacen un estudio minucioso y eligen a los que ellos estiman que están más afectados por ese mal. Con lo que tras una larga selección, eligen a Mary una señorita de alta alcurnia, al niño Pez, que es un niño del que la gente se ríe mucho, a Calefa, un Yonki o un afectado por las adicciones, a Teresita una chica que es muy muy buena persona, ella sólo es buena persona y a Gian Carlo, un italiano que tiene un gran Don para las artes de seducción; estos son los cinco elegidos para el concurso...

Pregunta: Pero dices que Teresita es muy buena persona...

Pablo Paz: Es muy buena persona, muy nerviosa también pero muy buena persona...

Pregunta: ¿Entonces cómo le afecta ese mal?

Pablo Paz: Le afectó, de hecho algunos piensan que no tienen ese mal, pero sí lo tienen... Teresita, hace un tiempo que piensa que la gente no la tiene en cuenta, digamos que ese mal le ha hecho pensar que a la única que no se la tiene en cuenta es a ella.

Pregunta: Con lo que ese mal no sólo implica el hecho de hacer mal a los demás, sino a nosotros mismo, porque lo que le ocurre a Teresita es que le falta autoestima ¿no?

Pablo Paz: Sobre todo es eso. Ese virus te acaba autodestruyendo.

Pregunta: Tú interpretas a estos seis personajes...

Pablo Paz: Lo intento, a veces ellos se meten y hacen lo que tienen que hacer... Hay veces que uno controla el caballo y hay veces que tiene vida propia, porque necesitan expresar todo eso que llevan dentro y que han de decir...

Pregunta: Supongo que cuando ellos toman las riendas, se produce la magia del teatro...

Pablo Paz: Ahí está. Cuando ellos salen son los que... Pau Pau es el encargado de contar la historia, pero ellos son los protagonistas, al fin y al cabo, porque sin ellos no habría historia.

Pregunta: ¿De dónde te llegan los ecos de esta fábula?

Pablo Paz: (risas) ... Empezando por los tiempos que estamos viviendo, en cuanto nos descuidemos casi la vida es un reality, todo intenta ser reality... llega un poco de ahí, de esa necesidad que tiene la sociedad de tener, por un lado a los sabios, a estas personas que lo saben todo y que te dicen cómo tienes que hacerlo, cosa de la que también estamos un poco cansados... Eso por un lado, y por otro, un poco a la velocidad que vamos... A ver, yo soy de pueblo, entonces, cada vez que vuelvo al pueblo descubro muchas cosas que se tendrían que volver a recuperar, el vivir de la mañana a la noche, tal y como se vive en los pueblos, hacia uno mismo o hacia lo que la velocidad que tenemos fuera nos está imponiendo... entonces, esta necesidad nace de todo esto... Señores, tenemos que escuchar, hay que ver un poquito... todo esto, mezclado en una comedia llevada un poco al límite...

Pregunta: Comentas que también estamos un poquito hartos de que nos digan qué tenemos que hacer, ¿Puede ser que no sabemos del todo distinguir entre el sabio y el “sabihondo”?

Pablo Paz: Claro, eso es como las imitaciones de los chinos... está todo plagado de imitaciones... Yo creo que los sabios, de hecho... O sea, un sabio es el que no aconseja; un sabio es el que a través de su experiencia la gente puede llegar a aprender determinadas cosas... Yo creo que en estos momentos estamos muy rodeados de esta gente que te dice cómo se hacen las cosas y sobre todo, de qué manera lo estás haciendo mal... y sin embargo muchas veces ves, si te detienes a observar a estos sabios, que en la mayoría de los casos esto que predican no se lo aplican para nada, sin ánimo de desvelar nada de la obra, de lo que le pasa a Pau Pau, que predican y predican, que dicen has de hacerlo así... pero después ellos no lo hacen... entonces te preguntas ¿Por qué me transmites el mensaje a mí, con esta urgencia si tú no lo estás haciendo? Se mezcla todo un poco... entonces qué es, ¿sabiduría o necesidad de controlar?...

Pregunta: Necesidad de controlar... ¿somos marionetas?

Pablo Paz: A veces, si nos ha atacado el virus, si estamos infectados ya por el “yoismo” podemos ser marionetas...

Pregunta: ¿Por qué estos personajes con estos caracteres. Por qué el Niño Pez, Teresita, Gian Carlo...?

Pablo Paz: Mira cuando nos llegaron las solicitudes (risas) mandamos a un equipo a observar desde lejos a cada una de estas personas. Mary, por un lado, lleva sangre azul, o casi... Es una chica que ha vivido, ha nacido bajo una educación muy férrea, con unos principios muy arraigados, pero ella misma ve que en estos tiempos en los que le ha tocado vivir, no puede con ellos... Es una chica con muchos deseos, está llena de deseos, muy inteligente, pero tiene siempre que estar metida en ese corsé de las formas... Entonces, Pau Pau y sus sabios, intentan ver de qué manera Mary se le escapa un poquito, por eso es seleccionada; por eso y por el gran deseo que tiene. Después tenemos a Gian Carlo, el italiano, con unas artes de seducción tremendas; es una persona que se mueve en la vida siempre bajo el manto de la seducción, de hecho estamos rodeados de este tipo de personas, entonces, quieren probar hasta qué punto puede llevarlo la capacidad de seducción que posee; Calefa es una víctima o no, de la sociedad; Calefa cayó en las adicciones y él dice que se droga porque la vida le duele mucho, entonces necesita anestesiar ese dolor, por un lado es muy tierno pero los sabios también quieren darle la vuelta a ese punto de las adicciones, dónde está el límite de dejarse llevar o no, actuar contra ello o hacia ello, mejor dicho; También tenemos al Niño Pez, es un niño que del que siempre se han reído, un niño que ha tenido que desarrollar en su cabeza a varios niños peces, porque le llaman “El horrible niño pez” y ha tenido que desarrollar varios niños peces, para que lo protejan, entonces, tiene vocecitas, habla con gente, con sus otros niños pez; y por último, nos queda Teresita, que es una chica que se ha buscado mucho a sí misma, es muy nerviosa, ha hecho miles de técnicas de conocimiento personal y trabajo hacia ella, porque es muy buena persona, pero claro, dentro de esta bondad que tiene, que ella cree que tiene, ha olvidado dar y no querer continuamente recibir... entonces, también dentro de esa bondad, intentan hacerle ver que hay que pedir menos y dar más, porque también eso es algo que nos pasa a veces... ¿qué es la bondad? Es dar sin esperar nada a cambio, supuestamente... Pero muchas veces, encuentras a personas intoxicadas de “doydoydoydoy”... pero si no recibo nada a cambio, nada doy... (risas)... Entonces, claro, Teresita tiene que pensar... A estas personitas, después de un gran estudio, se las selecciona para un concurso en el que serán puestas al límite, van a intentar demostrar que ese virus está en ese cuerpo y el público verá hasta dónde pueden llegar los afectados por el “yoismo” Ése es el mensaje de salvación hacia la gente...

Pregunta: Ahora le preguntamos a Pablo Paz; Supongo que ha sido complicado “ser” tantos personajes...

Pablo Paz: Sí (risas) por un lado ha sido un trabajo muy satisfactorio, un trabajo que he llevado a cabo con Quique Guaza, el codirector, donde los personajes salen a través de la improvisación, es decir, los personajes salen de uno mismo; no son personajes que vienen de antemano fijados, no salen, están dentro; de alguna manera quieren hacerse ver. Ha sido complicado “el concurso” el gran momento donde están los cinco participantes al mismo tiempo (risas) Eso ha sido lo difícil, pero ya hemos llegado al punto donde ellos toman su propio espacio, ellos van al teatro a decir lo que tienen que decir y ya se va disfrutando...

Pregunta: Te ha costado disfrutar en ese instante...

Pablo Paz: Sí, no te lo voy a negar, y también hay otra cosa muy buena, a la que no estaba acostumbrado, y es que, en todo momento la función te exige tener que estar en el momento exacto en el que estás, no puedes situarte ni más delante, ni más atrás...

Pregunta: Es muy complicado no traspasar esa línea...

Pablo Paz: Lo es, pensar en determinados momentos, lo que te queda por delante, o lo que ya has pasado... es muy peligroso, porque si te vas ahí, puedes perder por un momento las riendas... Por eso, una vez van llegando los personajes, cada uno tiene su “timing”, lo mejor es tomárselo con calma y disfrutar de ellos... ha sido un trabajo muy interesante, tanto con Quique Guaza como con el guionista, José Luis Corrales.

Pregunta: No sé si también personalmente, pues seguro que algunos de los personajes te han ayudado un poquito a “descubrir” el virus en ti... (risas)

Pablo Paz: (risas) Entre tú y yo, Sí todos tienen algo de mí. Cuando estás trabajando con este tipo de creación, a través de la improvisación, quizás al principio piensas que no, pero sí, realmente siempre hay algo que pertenece a ti, que le estás regalando al personaje...

Pregunta: ¿Siempre supiste o quisiste dedicarte a la interpretación?

Pablo Paz: Ser consciente de ello, realmente, creo que lo fui siendo cuando empecé en Arte Dramático, a medida que iba haciendo curso tras curso, creo que fui consciente de que quería ser actor y de necesitar expresarme; pero cuando era pequeño bailaba, me habían becado para el conservatorio... siempre he estado muy relacionado con el mundo del arte, supongo que la interpretación, el hecho de ser actor, iría por debajo, aunque en su día, también tendría que ver que el hecho de vivir en un pueblo, en Galicia y dedicarse al arte, era una segunda opción, siempre, primero debías tener tus estudios, tu profesión seria, por decirlo de algún modo, antes de dedicarte a esto.

Pregunta: ¿Te formaste como actor en Galicia?

Pablo Paz: No, estudio ballet clásico en La Coruña y de allí vengo a Madrid en una gira y recuerdo que cuatro días antes de que ésta concluyese, hice las pruebas para la escuela de arte dramático y me acuerdo que el día en el que nos dijeron “nos volvemos a Galicia” me llamaron para decirme que me habían aceptado en la escuela y me quedé; pensé que eso quería decir algo y lo dijo. Llevamos doce años en Madrid, que se dice pronto.

Pregunta: Pero también has vivido y trabajado en Argentina...

Pablo Paz: Sí, es una experiencia recomendable para todo el mundo. Fue poco después de terminar Arte Dramático, en ese proceso en el que empiezas a hacer castings, pruebas... y siempre audicionar un papel es exponerte a un Sí o un No. Entonces, llegó una temporada en la que todo eran “noes”... con lo que pensé que quizá necesita refrescar conocimientos, que quizá me faltaban probar otras cosas, conocer a otras gentes, conocer otras maneras de hacer lo que a mí me gustaba, y me fui un año a Buenos Aires... y fue increíble... Aprendí mucho de la vida...

Pregunta: Y también supongo del teatro, de la forma de hacer sobre todo, tan distinta a España...

Pablo Paz: Sí, claro... el teatro allí me parecía tremendo... los cursos, los profesores... Hay un detalle que se me ha quedado grabado: Cuando estuve allí, el lunes era el día del espectador en el teatro, (lunes o martes) en la Calle Corrientes, que es donde estaba el gran volumen de teatros, paseabas ese día por allí, a las siete u ocho de la tarde, y veías a todos loas teatros con la gente haciendo su cola; recuerdo que un día vi llegar a una pareja de señores mayores, de setenta o más, y se pusieron a contar a la gente que había en la fila y cuando llegaron al último, dijeron “uy, no, aquí ya no entramos” y se pasaron al teatro que seguía, a la siguiente fila... Es decir, ellos iban al teatro, y aunque en una función no pudiesen entrar, ellos habían ido a ver teatro e iban a entrar a la siguiente función... Eso me impactó mucho, la cultura que tienen de ir al teatro asiduamente, es algo que forma parte de sus vidas de una manera que a lo mejor aquí no lo es... No es un arte del que dicen que siempre está en crisis, pero a la vez, nunca morirá, porque es una magia que se produce en directo, pero que habría que darle un empujoncito...

Pregunta: A veces he escuchado que en Argentina la distancia entre el escenario y la sociedad no existe, en cambio aquí esa distancia sí está presente...

Pablo Paz: Sí, estoy de acuerdo. Para los argentinos, el teatro forma parte de su vida, sin embargo aquí es algo que consideramos ocio...

Pregunta: Y no cultura...

Pablo Paz: No vamos a generalizar, pero sí hay mucha gente así, aunque hay mucha otra que lo valora, pero realmente creo que muchas veces no se valora como tal... Supongo que será esa falta de costumbre...

Pregunta: Has sido un auténtico emprendedor, tu primera compañía se llamó “A la cara teatro”...

Pablo Paz: Sí, “A la cara teatro” se creó cuando terminé Arte Dramático. Éramos Quique Guaza, Carmen Ruiz, Susana Rubio y yo; nosotros estudiamos en la escuela de Cristina Rota y allí formábamos parte del espectáculo “La catarsis del tomatazo”. Al salir, nos dimos cuenta que “La catarsis...” nos había dado la experiencia de poder montar una compañía y nos liamos la manta a la cabeza e hicimos tres funciones con la compañía. Después me fui a Argentina y recién llegado, no sé por qué, cambiamos del “no” al “sí” y a las tres semanas apareció la audición de “Amar en tiempos revueltos” y ahí comenzó “la era del Sí” (risas)

Pregunta: ¿Podemos decir que ha habido un antes y un después de “Amar en tiempos revueltos”?

Pablo Paz: O de Argentina... no sé... “Amar en tiempos revueltos” ha sido un máster del oficio increíble... trabajar en una serie diaria al ritmo que se trabaja ahí, una serie de época que también te exige estar muy alerta... No es una serie en la que puedas improvisar para nada, los guiones están totalmente vigilados en cómo se hablaba... Han sido tres años... imagínate... Tres años con “Jacinto” y “El Morocco”.... He aprendido muchísimo, he conocido a gente fantástica porque además es una serie por la que está pasando casi toda la profesión, de hecho mis amigos de hoy en día, muchos de mis amigos salieron de la serie... A veces pienso que he tenido mucha suerte con ese “sí”...

Pregunta: Y ahora sigues en la brecha con otra productora “Pau Pau Producciones”...

Pablo Paz: Sí, esto nace hace un año, más o menos... Después de todo, de “Amar en tiempos revueltos” salieron unos proyectos en el cine que se estrenan dentro de poco... y también había una necesidad de crear... siempre he visto, con la gente con la que he trabajado, que todos en cierta forma tenemos necesidad de crear proyectos propios, está muy bien que te llamen, entrar a formar parte de proyectos que vienen de fuera, pero había una necesidad de decir “vamos a hacer nuestras propias creaciones y a ver cómo podemos llegar al público”. Así nace “Pau Pau producciones” con sus primeras tres producciones: “Águilas en el jardín”, “A solas con Chola”, una serie que se puede ver en estos momentos a través de internet y “Pau Pau Purito Despecho”, la parte de música que quedaba por salir... Hace tres años que empecé en la escuela de música creativa y digamos que también de eso va saliendo algo... nos hemos puesto a jugar un poco con la música, con la canción y creo que es otro sitio donde nos divertimos mucho.

Pregunta: Hace un año emprendéis un nuevo camino, en unos tiempos difíciles... Os gusta el riesgo...

Pablo Paz: Si te soy sincero, todo nace de un momento muy difícil... Yo creo que el artista siempre, sobre todo al principio, los diez o quince primeros años estás caminando por esa delgada línea de “podré vivir de ello o no”... entonces llega un momento en el que esa pregunta empieza a hacer un poco de daño, porque si te tienes que cambiar, yo en su día estuve trabajando en un despacho de arquitectura, era delineante... pero claro, ahora no me puedo plantear volver a ello... Entonces nace esa necesidad de apostar, sobre todo en el momento en el que estamos, donde hasta el arte está comenzando a ir muy rápido, en las series de televisión, por ejemplo, grabas a una velocidad de vértigo, se ponen dos capítulos y si no funciona, si no tiene un share determinado, fuera...

Pregunta: Eso también es muy injusto...

Pablo Paz: Y es injusto, incluso para el espectador, e incluso veo hasta un puntito de falta de respeto; se ha de esperar a que la gente lo vea... el consumidor es el que necesita su tiempo para hacerse al producto, y no lo dejamos... Y por otro lado, en este cambio que se está produciendo, internet viene pegando muy fuerte. Creo que va a llegar a un punto en el que internet también va a ser la televisión a medida del espectador que podrá ver lo que quiera ver, y en el momento que quiera verlo... Entonces de toda esa conjunción nace un poco el impulso para apostar por nuestra “cosita propia”, por nuestras producciones y por llegar a que “Pau Pau Producciones” tenga su sitio propio y que cuando la gente quiera ver un determinado tipo de cosas, sepa dónde está nuestro canal y pueda echarse unas risas con “A solas con Chola” o ir al teatro o incluso hasta escuchar música...

Pregunta: ¿Es fácil llegar al público?

Pablo Paz: Sí... Con honestidad y cariño se llega siempre, puedes hacer cosas mejores, peores... Cosas que gusten mucho, cosas que no gusten nada... pero siempre ese vínculo, sobre todo en el teatro, está ahí, directo... Creo que a veces, nos dejamos intoxicar mucho por cómo están las cosas, entonces, uno lleva en la cabeza querer llegar a todo el mundo, porque sino es así, fracasaremos... o no... uno de los capítulos de “A solas con Chola” tiene como tres mil reproducciones, lo han visto como tres mil personas, es todo un lujo... Poco a poco... Honestamente creo que sí, que se puede llegar a la gente... La gente sí te presta tres minutos de su atención, lo que pasa es que en esos tres minutos tienes que llamar la atención de esa gente...

Pregunta: Tres minutos, ¡Qué difícil!

Pablo Paz: Sí pero al mismo tiempo en esta época en la que te bombardean con publicidad “compra, compra, compra”... la gente sí es proclive a detenerse y preguntarte ¿qué quieres venderme?... Aún no estamos en el tiempo de “mira, no me cuentes nada”... Y sí, tres minutos, ahí está el “Quid” de la cuestión, enganchas o no enganchas.

Pregunta: En este primer año, el balance ha sido positivo ¿no?

Pablo Paz: Ha sido positivo como creadores, con respecto a la ganancia, aún es negativo, hay que dar los pasos que hay que dar, hay que apostar mucho... y en principio hay que lanzar mucho a la vida para que ésta, cuando lo estime oportuno, empiece a devolver... También te digo que “A solas con Chola” nos ha dado muchas alegrías, Pau Pau canción, rama música, nos está dando muchas alegrías y “Águilas en el jardín” ahí está, poquito a poco, sin prisa pero sin pausa, ahí va, además se está cerrando una gira por España, vamos despacito, pero avanzamos...

Pregunta: Así que estáis escuchando atentamente las palabras del sabio...

Pablo Paz: Bueno (risas)... no tanto, que yo conozco el final de la historia (risas)

Pregunta: Con lo que el premio no es tan bueno ¿no? Y puede hacernos perder la cabeza...

Pablo Paz: Y puede hacernos llegar a un mensaje más claro... Lo que pasa es que los organizadores del concurso se dan cuenta de que el premio es muchísimo dinero que supondrá la venida de generaciones y generaciones que no tendrán que dar un palo al agua... y claro, todo el mundo se apunta a ello... lo que pasa es que nadie pregunta qué hay que hacer para conseguir ese premio, nadie... cosa que también a Pau Pau le parece muy curioso...

Pregunta: Y eso no es valentía, ya es inconsciencia...

Pablo Paz: Es un poco... que el virus nos ha invadido y en un porcentaje muy alto... Así que al finalista le espera una gran sorpresa...

Sofía Basalo.

... CELIA NADAL (Febrero 2011)

2011-07-15T06:31:00.000-07:00

Hace más de diez años, Carlos Sobera y Angels Gonyalons estrenaron en el Teatro Infanta Isabel “Palabras encadenadas”; obra de Jordi Galcerán que en 1995 recibió el XX Premio Born de Teatre y en 1996 el Premio de la Crítica Serra D’or a la mejor obra en lengua catalana. Hace dos años, los miembros de la compañía de teatro La Ruta, eligieron este ingenioso texto para celebrar su décimo aniversario. En enero de 2011 este nuevo montaje ha llegado a Madrid, interpretado por Celia Nadal y Javier Manzaneda, bajo la dirección de Juan Pedro Campoy. Hemos charlado con Celia Nadal, una mujer llena de energía y pasión por el teatro que da vida a Laura en este nuevo e íntimo montaje:

Pregunta: ¿Qué verdad busca Laura?

Celia Nadal: Lo primero y ante todo, Laura busca salvar la vida, porque la historia comienza en un sótano en el que Laura está secuestrada por Ramón; con lo que su objetivo principal es salvar la vida. A partir de ese momento, cuando se empieza a desvelar que esos dos personajes han tenido una relación anterior, Laura se empeña en buscar por qué hubo tanta mentira, tanto engaño y tanta miseria... Ramón, por su parte, lo mismo, claro.

Pregunta: “Palabras encadenadas” es una obra muy intensa que reflexiona sobre la falta de emociones básicas como la bondad, la lealtad, el amor... Unas emociones que tal vez hoy en día echamos en falta...

Celia Nadal: Sí, mira la verdad es que todos tenemos una reflexión que nos hacemos como actores y que nos hicimos en su momento en el proceso de ensayos. Todos tenemos una parte diabólica, enfermiza, llena de trapos sucios, de zonas negras... y Tenemos también una parte maravillosa, luminosa, donde están todos los valores que has dicho... En esta función, lo magistral del texto es que se pone todo sobre la mesa. Aparece todo, lo que nos une y lo que nos distancia; lo que nos hace amarnos y lo que nos hace odiarnos hasta intentar matar al otro... En ese sentido, el texto es fabuloso... está más que premiado y con razón...

Pregunta: El trabajo para dar vida e interiorizar esos personajes, ha debido de ser más que arduo... No sólo como actores, sino también como seres humanos, no sé si habréis tenido que escarbar en vosotros mismos, investigar en tantas emociones...

Celia Nadal: Sí, buceas, buceas mucho... lo que pasa es que esto es un privilegio... Es una aventura y cuanto más te expongas tú, más vas a llegar al público, más les vas a hacer disfrutar y encontrarse consigo mismo... A parte de que esta profesión es un lujo, una maravilla... No un lujo en el sentido económico, que todo lo contrario (risas)... Pero es un privilegio, humanamente hablando es un privilegio... Y esta función más todavía... Un bis a bis con tu compañero... Es fabuloso...

Pregunta: Adivinamos en ti una auténtica pasión por el teatro... ¿Quizá es una forma vida, quizá sea algo que sin la pasión que demuestras es complicado hacer?

Celia Nadal: Necesariamente. La verdad es que no corren buenos tiempos para nada, pero para los temas artísticos, menos todavía, porque... claro, siempre hay que priorizar y se empieza por la barriga, es normal... y entonces la cultura se queda como un poquitín rezagada... Pero sí, es lo que has dicho, o te empuja la vocación y la pasión o esto no hay quién lo haga, porque es un porcentaje ínfimo el que consigue vivir por encima de los niveles de dignidad, así pues, hay que amarlo, hay que amarlo para enamorarse cada día, porque si no...

Pregunta: Aún así, diez años con “La Ruta”... ¿Cómo ha sido esa “ruta”, por qué senderos, por qué caminos os ha conducido, apostando siempre por autores contemporáneos y españoles como Antonio Álamo o Ernesto Caballero?

Celia Nadal: Sí, aunque también clásicos... “La Ruta” que es la compañía de Juan Pedro Campoy y además el director de esta función, es una compañía con la que Javier Manzaneda y yo estamos trabajando desde hace montones de años y tratamos de encontrarnos siempre que podemos, porque también, al hilo de lo que hablábamos antes, muchas veces te encuentras con la necesidad de compaginar varios proyectos, de trabajar con varias compañías, de crear la tuya propia... y entonces, Juan Pedro ha luchado contra viento y marea durante los últimos diez años y por fin, le llega el reconocimiento, y es que lo que hace está bien hecho y se lo dicen... Se lo dice el público, se lo dice la crítica... tiene que estar orgulloso y nosotros más, de estar a su lado...

Pregunta: Sois una compañía murciana, ¿Es complicado entrar en Madrid?

Celia Nadal: Sí lo es... Es complicado con una compañía madrileña, imagínate con una compañía murciana... Es muy difícil porque hay muchísima oferta, hay mucha gente que adora este trabajo y que se deja la piel... Pero creo que es una cuestión de persistir... Nosotros en general, las compañías independientes, tenemos la visión de que las funciones tienen como dos añitos de vida, y sin embargo fíjate, con “Palabras encadenadas” llevamos dos años luchando para poder hacerla y a los dos años empieza a vivir, en un teatro, en el centro de Madrid y con razón...

Pregunta: Comentas que hay mucha demanda, mucho amor por esta profesión, pero ¿no creéis que priman otras cosas en la sociedad y en el teatro como espejo de esa sociedad?...

Celia Nadal: Creo que hay tantísima oferta... hay demanda de teatro, pero hay muchísima más oferta que demanda de teatro, desde mi punto de vista... Y creo que las compañías o los profesionales del tema, cuando vemos claro que deseamos hacer una cosa, nos lanzamos a hacerlo aunque nos vayamos a arruinar... El resultado es que al final, el sesenta o setenta por ciento, se arruina... Pero te dejas todo, como si te pudieras morir en el intento... Entonces, quizá esto es algo que debíamos todos reflexionar un poquito porque hay veces que compartimos inquietudes con otros y sin embargo no llegamos nunca a unirnos, para decir, “bueno vamos a unirnos porque todos tenemos la misma inquietud...” Ahí queda la reflexión en el aire...

Pregunta: Estimas que en el gremio no hay unión. Algunos intérpretes con los que he charlado, me han comentado eso mismo, que quizá no debería haber tantas compañías pequeñas, sino una mayor que diera cabida a todas...

Celia Nadal: Bueno, una... sería demasiado... Pero sí se hacen intentos de unión temporal de empresas o de coproducciones... y ahora mismo, con este momento de crisis todo el mundo intenta buscar nuevas fórmulas, en las que arriesgando menos, puedas compartir el beneficio con otras compañías... luego también, en realidad, es muy difícil para las compañías independientes luchar con una oferta de mercado en la que hay mucho cabeza de cartel y grandes aparatos... estoy hablando de musicales, o de grandes funciones, que la mayoría son fabulosas, no lo pongo en duda; pero hay otro tipo de teatro, entonces acostumbrar al público de que hay un teatro de pequeño o mediano formato con mucha calidad, con mucho talento sobre las tablas... y un buen trabajo... hay que acostumbrarlo, hay que educarlo, al fin y al cabo como somos hijos de la televisión y del cine, llama lo grande... pero bueno, hasta ahora, el público que estamos teniendo en el Teatro Nuevo Alcalá es precioso, un público que viene a ver teatro en estado puro y tienen unas caritas que te dan ganas de comértelos a besos...

Pregunta: A ese respecto también quería comentarte, que el teatro que estáis llevando a cabo ha apostado absolutamente por el actor... ¿no crees que hoy en día se abusa de los elementos accesorios, acostumbrándonos mal, para esconder deficiencias en la materia prima, en la formación del actor, prima más su fama que su formación?

Celia Nadal: Hay muchos fuegos artificiales en esta profesión, lo que pasa es que uno debe saber qué es lo que quiere ver, porque hay veces que se agradecen mucho los fuegos artificiales, hay veces que quieres verlos, y cuanto más dignos sean mejor... y hay otras veces que la gente quiere ver y creo que la sociedad necesita ver actores exponiéndose, desnudos, sin apoyaturas de ninguna clase, completamente expuestos, desvalidos, indefensos, mostrando su forma de encarnar a alguien... y es otro tipo de teatro, entonces si uno lo que quiere ver es teatro, a ver, ver actores, trabajo de interpretación y un texto interesante... tienen que saber dónde van y este tipo de obras son idóneas para eso, creo...

Pregunta: Yo no sé, Celia, si te ha traicionado el subconsciente cuando has dicho “si uno, lo que quiere ver es teatro”... (risas)

Celia: (Risas) ha sido muy feo (risas)...

Pregunta: No sé si me estás siendo muy políticamente correcta (risas)

Celia Nadal: (risas) Mira, realmente te voy a decir una cosa, yo he visto espectáculos enormes y de una calidad excepcional... pero de quedarme con la boca abierta y que se me salten las lágrimas...

Pregunta: ¿Por ejemplo?

Celia Nadal: Por ejemplo vi un musical “La pequeña tienda de los horrores”, majestuoso, fantástico... Me pareció... Genial... He visto otros muchos en España y fuera de España y es que lo cortés no quita lo valiente, ahora sí que es verdad que hay un tipo de teatro del detalle, que ése, es el que queremos rescatar con esta obra...

Pregunta: ¿Teatro del detalle?

Celia Nadal: Sí... Mira esta sala, en la que estamos, la pequeña del Nuevo Alcalá, es idónea, porque tenemos al público tan cerquita que le salpicamos con nuestra adrenalina... reciben todo... el miedo, la risa... Es que hay mucha emoción, es una montaña rusa de emociones, esta función... A veces es casi cine, porque escuchan cada suspiro, ven cada matiz de la cara... Claro, eso a nosotros nos obliga, imagínate, al doscientos por cien... Es un reto...

Pregunta: Desde luego, no sé si ésa es la mayor recompensa del actor... Transmitir la verdad, sobre todo en un texto como éste que está jugando de manera continua con la verdad y la mentira... y las medias verdades que quizá son las más complejas...

Celia Nadal: La verdad es que es un entorno único, para experimentarlo como actriz... La gente va a ver algo que efectivamente está muy trabajado, pero como no estés en el momento de verdad, no llega igual, aparte de que entonces, no lo disfrutas tanto...

Pregunta: Háblame de “Perigallo teatro”...

Celia Nadal: Bueno... lo que te estaba contando antes, de que uno se ve obligado a diversificar y trabajar para varias compañías, Javier y yo hace dos años, creamos nuestra propia compañía, Perigallo Teatro, que es murciana también, y ahí estamos, vamos a ver si podemos mostrar en Madrid nuestra primera producción, que se llama “Háztelo mirar”, pero tendrá que ser cuando tenga que ser, porque ahora mismo estamos con “Palabras encadenadas” y no tenemos tiempo para más... Además “Palabras encadenadas” es nuestro hijo (risas) es nuestro regalito de enero de 2011 y estamos viviendo por y para él...

Pregunta: “Palabras encadenadas” es un viaje de hora y media sumamente intenso. ¿Cómo ha sido el proceso de llegar a ser Laura y el proceso de Javier, para llegar a ser Ramón?

Celia Nadal: Ha sido muy interesante. Javier y yo, se da la circunstancia de que somos pareja en la vida real, lo éramos antes de iniciar este proceso de ensayos y cuando Juan Pedro nos lo propuso, la verdad es que... era un texto que para ensayarlo con tu pareja... hay que estar muy limpios... hay que llegar al ensayo muy limpitos, sin ningún trapo sucio, sin ningún rencor... la verdad es que fue interesantísimo... Hay veces que hacemos funciones, no sabes bien cuál va a ser, pero de repente aparece una obra en tu vida, que te transforma un poquito como persona, que te hace crecer un poco y aunque suene un poco “new age” esto que estoy diciendo, te aseguro que es verdad. Hay algo que o creces o puede contigo... y esto ha pasado aquí... Imagínate, yo agradecida porque al final lo más importante eres tú como persona, más que el éxito... entonces, ha sido un regalo, un auténtico regalo.

Pregunta: Viendo el cartel, el dibujo que incluís en él, da la sensación de ser una de esas manchas de psicología...

Celia Nadal: Sí, las manchas de Rochard... Sí, parece eso, son un hombre y una mujer, si ves el cartel de lejos, hay gente que nos ha preguntado si era una vagina enorme... hay gente para todo con este tema de las manchas... Es que hay mucha ambigüedad en esta obra, cuando empieza la función odias a uno de los personajes y amas al otro y a mitad de la función estás amando al que odiabas y odiando al que amabas... y cuando termina la función no sabes a quién amar ni a quién odiar...

Pregunta: La comedia es complicada por el peligro de traspasar esa línea invisible que convierte lo hilarante en vulgar, pero en una obra como ésta, un texto tan intenso y violento, tan ambiguo también hay una ligera línea, invisible, también que no debéis atravesar...

Celia Nadal: Sí, lo que tienes que tener es un director... los actores muchas veces tenemos la costumbre de que cuando estamos a gustito, nos vendemos a la comedia... no cruzamos la línea, la pasamos, volvemos a ella, la pisamos y la destrozamos.... Entonces teniendo un director, en este caso Juan Pedro Campoy, muy fino... la verdad es que ha trabajado con nosotros de una forma muy inteligente, creo yo, y ha conseguido que toda la tensión que se genera al principio de la obra, la gente desengrase al final y libere esa tensión... Y ha conseguido que el público se ría, se carcajee y nunca llegar a grosería, aunque sí a lo sórdido, pero no a lo grosero...

Pregunta: Eres una actriz con una trayectoria muy extensa, has trabajado con grandes directores... ¿Cuánto tiempo llevas en esta profesión?

Celia Nadal: Si yo te contara... te voy a decir que antes me dedicaba a otra cosa que en principio no tenía nada que ver y fue con 26 años, cuando empecé a hacer teatro, me enamoré del teatro y no pude dejar de hacerlo. Me formé en Murcia, pero antes yo era psicóloga, trabajaba en un gabinete y lo que pasa es que... esto, como lo pruebes y sea lo tuyo... imposible, te tiene que dejar el teatro a ti, porque tú no puedes hacerlo...

Pregunta: ¿Qué fue lo que te enamoró?

Celia Nadal: Creo que fue el sentido lúdico del teatro. Te pones a hacer teatro, pero te hablo del proceso de ensayos que es lo que más me gusta, mucho más que las representaciones, y es una sensación de que está permitido hacer el ridículo, pero no sólo eso, sino que es recomendable... Tienes que probar absolutamente todo lo que se te ocurra, lo único que tienes que hacer es no traspasar la barrera del respeto al otro, de escucharlo, entonces era como... ¡Madre mía se puede dedicar uno a jugar profesionalmente!... y a mí eso me enganchó, no sé si porque era una inmadura o por qué, pero me enganchó eso...

Pregunta: Quizá necesitemos abandonarnos un poco... perder ese sentido del ridículo, tan ridículo... quizá estamos demasiado atrapados...

Celia Nadal: Yo creo que sí, luego además cuando ya te dedicas a esto profesionalmente y pasan los años, entonces, te das cuenta de que hay otras cosas que quieres asumir, como una responsabilidad social, qué quiero poner en el mundo, qué quiero contar, qué quiero aportar, cuál va a ser mi granito de arena culturalmente... entonces, como empieces a pensar en eso, es que ya estás ahí para siempre... (risas)

Pregunta: Cuando te hiciste esa pregunta ¿Qué te respondiste?... Cuando te preguntaste qué querías contar ¿Qué te respondiste?

Celia Nadal: Cuando montamos nuestra compañía Javi y yo, decidimos que queríamos aportar un poquito de luz, o sea, lo que hiciéramos por mucha denuncia que hubiera... que al final la gente se fuera con un poquito de luz en la cara, de ilusión, de esperanza... y luego como tienes que trabajar para muchas compañías y muy diferentes, al final entiendes que esta profesión te enseña algo precioso y es que tienes que servir a la idea de otro que es el director... y esto es un “trabajazo” de humildad que te mueres... Si tienes “ego” has de dejarlo en casa, porque tienes que servir a la idea de alguien y al texto de alguien... Entonces, es un trabajo precioso que a la larga nos hace grandes y luego con tu propia compañía, con tus propios proyectos, dices, “vale, voy a servir a mi idea; voy a hablar de lo que quiero hablar”... Pero claro te lo tienes que poder permitir, que los tiempos que corren, tampoco te lo permiten mucho...

Sofía Basalo. (emitida en Esradio Madrid 2 y publicada en www.noticiasteatrales.es)

... MARÍA CAUDEVILLA (Abril 2010)

2011-07-01T04:14:00.000-07:00

Tras el sueño de Lorca, llegó el sueño de Miguel Hernández. La joven compañía teatral Baraka se ha sumado a los múltiples homenajes que el poeta de Orihuela está recibiendo en su centenario, con un montaje muy íntimo y repleto de poesía. “Miguel Hernández: Labrador del viento” se estrenó a finales de noviembre en las Naves del Español. Tras cinco meses llega a la Sala Mirador, con la vista puesta en la próxima ceremonia de los Premios Max, pues la joven compañía está nominada como productora independiente por su primer trabajo “Sueño Lorca o el sueño de las manzanas”, que tras dos años regresará a la cartelera el próximo mes de octubre, en la Sala Pequeña del Teatro Español. No sabemos si la fruta del título puede ser una señal que muestre su voz el próximo tres de mayo, pero desde luego esta compañía lo merece. Hemos hablado con la directora y autora de este nuevo sueño poético teatral, María Caudevilla:

Pregunta: ¿Cómo surge este proyecto?

María Caudevilla: Surgió de gira con nuestro anterior montaje “Sueño Lorca o el sueño de las manzanas” porque coincidimos con una compañera vuestra de profesión, Marta González Novo, que venía de Orihuela, de la casa de Miguel Hernández... y fue como algo que, estábamos ahí, después de una función... apareció de repente y dijimos “Jolín, Miguel Hernández, sería fantástico”... a todos nos gustaba mucho su poesía y fue así, de una forma muy espontánea sin pensar que este año era su centenario, nos lo dijeron después... A todos nos apasiona Miguel Hernández...

Pregunta: ¿Cómo fue la labor de escribir un libreto tan poético, en el que fundes tan bien algunos textos de Miguel Hernández?

María Caudevilla: A mí me gusta trabajar con los actores y lo hicimos en común. Fuimos una semana a Castalia, un pueblo cerca de Orihuela, también para conocer la casa y el pueblo donde se crió... A raíz del trabajo con los actores y sus inquietudes, con ese material, escribí la pieza. Me di cuenta enseguida que Miguel Hernández pegó unos cambios en su vida enormes, muy radicales y se reflejan en su obra hay unos cambios grandísimos, evoluciona mucho... de ahí que son cinco cuadros, de los que hablo tanto... Del Miguel Hernández que estaba en el pueblo, que pastoreaba, al que se va a Madrid, que descubre el amor de Josefina, el amor de Maruja Mallo... al que comienza a ser más político, al que está en la guerra y hace toda su obra para alentar a las tropas, para unir a las tropas... al que está en la cárcel... son tan diferentes... de ahí los cinco cuadros...

Pregunta: ¿Y ese muñeco, que a un tiempo es “Manolillo” y “Miguel, el niño pastor”. Ese árbol al que le nacen hojas, ramas, libros...?

María Caudevilla: Quería desde un principio que apareciese Manolillo y que hubiese una marioneta en el montaje; creo que era lo mejor, porque cuando ves a un actor haciendo de niño, muchas veces, o no sé, a mí, al menos me saca un poco de la historia, y enseguida pensé en una marioneta... La historia de su infancia y del pueblo, tiene partes muy duras, como ese padre tan severo... bueno, era una mentalidad normal en aquel tiempo, el padre no quería que su hijo varón fuese poeta, quería que siguiese sus pasos, tenía que pastorear... entonces, ese maltrato que en ese tiempo era habitual y a nosotros ahora nos sobrecoge quería contarlo, pero cómo, sin caer en nuestro juicio... y pensé hacerlo a modo de cuento, además todo comienza como un cuento, de ahí que es el árbol que le crece al gran labrador, con sus raíces, con sus bancales, y que acaba por destruir, algo que Miguel Hernández llevó un poco sobre sus espaldas.

Pregunta: También hay dos personajes retóricos en la función, que abren y cierran el círculo: Dos ratas que pueden tener una doble lectura. Las ratas tan habituales en las cárceles franquistas y los carceleros, los funcionarios de prisiones...

María Caudevilla: Un poco sí (risas) Las dos cosas, sí, porque además todos los actores empiezan con monos de trabajo y era un poco recrear ese ambiente, pero también los últimos acompañantes de Miguel... una de las ratas lleva un parche en un ojo, al parecer uno de los presos que acompañó a Miguel hasta sus últimos minutos de vida era tuerto, queríamos homenajearlo también, en cierto modo... los compañeros en general, los carceleros, las ratas... lo acompañan y quieren hacer de su muerte algo digno, por eso se lo llevan hacia la ciudad de los sueños donde no hay dolor...

Pregunta: Estrenasteis este “Miguel Hernández: Labrador del viento” en noviembre si no me equivoco...

María Caudevilla: Sí, a finales de noviembre en el Matadero tuvimos la suerte de recibir el premio a la creación contemporánea; se iba a estrenar en el café teatro, pero tuvimos la suerte de que el montaje que tenían en la sala grande se cayó y encima querían poner una exposición en el café, con lo cual nos preguntaron si lo queríamos hacer en la Sala, y claro dijimos que sí, fue fantástico... conscientes de que a nosotros nos gusta hacer un teatro un poco más íntimo y ese espacio era bastante grande, con ese equipo, esos medios y con todo lo que nos ayudó el Teatro Español... estamos muy muy agradecidos...

Pregunta: Supongo que habrá sido un gran premio leer la carta que os han enviado los herederos de Miguel Hernández...

María Caudevilla: La verdad es que sí. El día del estreno se acercaron a camerinos, muy emocionados, eso es una gratificación que gente que conoce tan bien la obra de este poeta, se acerque a ti tan agradecida... con todos los elogios... lo que hemos hecho ha sido obra de nuestra imaginación a partir de los que Miguel Hernández nos ha dado porque está todo escrito... hay poco que hacer con esos versos, con decirlos bien... ya conmueven...

Pregunta: “Decirlos bien...” ¿no es eso, casi lo más complicado?

María Caudevilla: Claro que sí, sobre todo la interpretación, el sentimiento, como decía mi maestro Jorge Uribe “somos intérpretes”, el intérprete es el que traduce un lenguaje escrito a uno vivo, para hacerlo llegar al público, como si fuésemos fusibles... y un poco, eso, que no intervenga otra cosa sino esos versos... darles vida... y ahí interviene también mi propia imaginación, la imaginación de los actores, su sensibilidad, su propia vida y experiencia también, que es lo que hace el trabajo de Baraka tan particular, porque somos un equipo muy particular...

Pregunta: Sí, y con una gran formación que se ha hecho en Estados Unidos, Gran Bretaña, país donde creo nace Baraka.

María Caudevilla: Sí, fue hace seis años cuando conocí a Emily K. Lewis y a Montserrat González, buscaban actores para hacer “El amor de Don Perlimplín con Belisa en su Jardín” y tuve la suerte de que me cogieran para hacer Belisa; hicimos este montaje en Londres y después en el festival de Edimburgo, con lo que me quedé con muchas ganas de que siguiéramos adelante con este proyecto en España y finalmente, les propuse crear Baraka en España y por eso fundé esta compañía hace dos años y seguir el recorrido de esa iniciativa de juntar culturas, de poder ayudarnos, si viene Baraka de Londres, nosotros les ayudaremos igual que nos ayudaron cuando fuimos con “Lorca...” allí... favorecer esa sinergia.

Pregunta: Lo que es muy patente en vuestro trabajo es el teatro que hacéis, un teatro total; música, títere, actuación... algo que debe ser una aportación muy grande al teatro que se hace en nuestro país...

María Caudevilla: Yo soy forofa de la danza teatro... vengo de la danza y me encanta... y cada vez me gusta más el circo. Me encanta la idea de usarlo todo para contar, entonces tenemos la suerte de tener músicos en la compañía, de tener una pedazo de cantante como es Sara Campbell... y lo utilizamos absolutamente todo... por ejemplo, en la idea de la marioneta, buscamos a alguien que nos ayudase a crear la marioneta y luego observando.. porque las actrices nunca habían utilizado marionetas pero la verdad es que han venido marionetistas y nos han dado la enhorabuena por nuestro trabajo... también nos gusta ponernos retos y evolucionar, avanzar... nos gusta arriesgarnos... y utilizar todo lo que esté en nuestras manos, como los niños que lo utilizan todo...

Pregunta: Hablas de riesgo. ¿Has observado si hoy en día a nuestro teatro le falta esa característica?

María Caudevilla: Supongo que hay de todo, para mí una gran compañía que arriesga bastante es “Animalario”, por ejemplo... veo que lo arriesgan todo en cada montaje, tienen además un estilo muy particular y luego, hay empresas productoras que no arriesgan... nosotros en tema de producción y distribución lo llevamos todo nosotros porque es muy difícil que alguien te coja y arriesgue por una empresa joven... hay gente que sí lo haría, pero las empresas grandes van sobre seguro... y es comprensible... pero bueno, para eso estamos los aventureros, para hacernos un hueco entre este mundo... es difícil, pero con tenacidad, trabajo y lo que nos apasiona... mira, ahora nominados en los Premios Max y todo es posible... yo alentaría a la gente que espera una llamada, o que suceda algo, a que se ponga en marcha, a que sea ella la que mueva la pieza porque es posible conseguirlo... no es algo que esté sólo para unos pocos.

Pregunta: ¿Cómo se compatibiliza la visión gestora con la creativa?

María Caudevilla: Es un poco la lucha diaria... por un lado, la verdad es que nosotros vamos desde el Teatro Circo de Albacete que nos contrata a caché y que es necesario porque sino, no sobrevive la compañía... casi todos tenemos otros trabajos, no podríamos vivir sólo de Baraka... luego, también si de pronto, el teatro de La Sensación de Ciudad Real nos llama y nos dice que no tiene dinero pero nos consigue una casa o como ocurrió, que después de la función nos hicieron una paella... pues nos lo planteamos, hablamos todos, podemos, nos gusta y hacemos un esfuerzo y también lo aceptamos... es esa mezcla... muchas veces cuando ponemos nuestras necesidades, escribimos “nos adaptamos a cualquier tipo de teatro”... porque lo mismo lo hacemos con doce focos y dos linternas que de pronto llegamos a un teatro y tenemos que montar ciento cincuenta focos... es compatibilizar la necesidad de solvencia para salir adelante, pero por otro lado no olvidar que esto es teatro y por qué lo hacemos, por qué estamos aquí, eso es lo más grande, es la empresa más grande...

Pregunta: Es bonito escuchar eso “no hay que olvidar por qué hacemos teatro”... porque a veces tenemos la sensación de ser demasiado olvidadizos, en todos los ámbitos...

María Caudevilla: Sí, como dice Miguel Hernández “Un amor hacia todo me atormenta”... y creo que esa frase resume el espíritu de Baraka, hay mucho amor, algo de lo que, por desgracia, se habla muy poco... y la parque nos atormenta es todo aquello que no se hace por amor... y es nuestra lucha, decir que las cosas se pueden hacer de otra manera, se puede y se puede vivir, y aquí hay para todos.

Pregunta: Y se debe hacer...

María Caudevilla: Sí, es una responsabilidad, ésa sería la palabra.

Pregunta: Nos hablabas de Lorca, “El sueño de Lorca o el Sueño de las manzanas” y creo que ésa fue la obra con la que debutaste como directora en Madrid.

María Caudevilla: Sí, fue un poco una locura que hice sin pensar demasiado... estas, como dice Serrat “rachas negras y peludas”... que tenemos a veces los actores, y fue un poco decir por qué no retomamos a Lorca... y me dijo un buen amigo Hernán Gené, por qué no lo retomas tú... y de pronto algo me hizo en la cabeza decir “claro que sí”... y así fue... estos actores que han continuado confiando en mí, nos juntamos... Recuerdo que Luis Escudero me preguntó “¿Tçu has dirigido alguna vez?” y respondí “No, ¿es ése un problema?” y me dijo “Para nada”... (risas)... entonces, encontrar a personas que me siguieran, que confiaran en mí de esa manera, era sorprendente cuando menos... y ésa es la mayor gratitud que tengo hacia este equipo, que nos unimos con los ojos cerrados, sin haber visto antes un trabajo mío como directora, y además escribiendo sobre la marcha; yo no les di un guión... me preguntaban por la dramaturgia, por los personajes... y yo les respondía que no había, que no sabía que iban a decir, cuál era su diálogo, porque lo iba haciendo día a día... Una aventura...

Pregunta: Y ahora, como dices, en los Premios Max; supongo que para vosotros es muy importante...

María Caudevilla: El premio está en la nominación, aunque de cara a la parte de productora, ganar un premio supone trabajo, aunque hay quien dice que cuando recibió el premio dejó de trabajar (risas) nunca se sabe... pero siempre de cara a la distribución, te empiezan a escuchar, a tener en cuenta... también es lógico... Para nosotros, la verdad es que vinieron cosas muy seguidas, la nominación que fue una gran sorpresa para todos, inesperada por completo y el hecho de que “Sueño Lorca o el sueño de las manzanas” esté programado en la Sala Pequeña del Español, eso sí que es grande...

Pregunta: ¿Para cuándo?

María Caudevilla: Para Octubre de 2010, del 8 al 31 de octubre... eso fue una gran alegría...

Pregunta: Con Lorca muy cerquita, os tendrá vigilados... (risas)

María Caudevilla: Sí (risas) es que además, me acuerdo además, el primer año que estrenamos en 2008, que fuimos en agosto a homenajear a Lorca, y nuestro gran padrino Ian Gibson, que vio el montaje, le encantó... nos llamó para rendirle homenaje el 17 de agosto, que coincide con mi cumpleaños, y nos fuimos allí... éramos ocho y mirábamos al Teatro Español y pensábamos en lo fantástico que sería llegar a la sala pequeña con el Lorca... Ian decía “sería fenomenal”... y mira... dos años después... creo que nos escuchó...

Pregunta: Dos montajes, dos poetas... ¿qué tiene la poesía?

María Caudevilla: Qué tenía esa generación... que me tiene loca... es una época maravillosa... tiene visión, belleza... Le dice Miguel a Josefina en una carta “prometo gastarte toda entera a fuerza de besos”... hoy no sé cómo se diría “te voy a comer toda”... yo qué sé... la poesía tiene una manera de contar lo mismo desde un lugar que me conmueve muchísimo...

Sofía Basalo

... GENOVEVA CARO (Septiembre 2010)

2011-06-11T03:20:00.000-07:00

En “El proyecto Youkali” escuchamos las voces de cuatro refugiados. Cuatro realidades que se han visto obligadas a viajar a un país extraño para poder sobrevivir. Un fotógrafo, amenazado por hacer bien su trabajo, por mostrar la realidad que el gobierno quiere ocultar. Una Jueza, que ha muerto para sus seres queridos, con el fin de sobrevivir a las amenazas que de forma insistente dirigían hacia ella y su familia. Una artista obligada a ocultar su identidad si quiere seguir ejerciendo su profesión y una médica, madre de familia, casada con un hombre importante de un país que desoye sus denuncias, los malos tratos que recibe por parte de su marido, que ve amenazada la integridad de sus hijos y la suya propia; como las otras tres personas se ve obligada a viajar a otro país y a pedir ayuda y a pedir asilo... A esta mujer, a esta madre, le da voz y vida una actriz, Genoveva Caro, con quien hemos podido charlar:

Pregunta: ¿Youkali está cerca de nosotros?

Genoveva Caro: Ay, Dios... creo que esa pregunta es muy complicada... Sinceramente no soy tan optimista, viendo cómo va el mundo en este momento. Yo soy de origen colombiano y vivo muy pendiente del conflicto colombiano, y al menos, observándolo desde la perspectiva de lo que ocurre allí, pareciera bastante difícil salir de estos ciclos destructivos en los que está metido el ser humano... hay muchas guerras, muchas cosas... Por otro lado se están haciendo grandes esfuerzos por hacer las cosas bien y sí siento que estamos como en un cambio de era, y que hay un nuevo aire, una nueva sensación en el ser humano de que realmente hemos de empezar a hacer las cosas de un modo diferente... Pero no creo que esté cerca todavía...

Pregunta: Comentas que sientes que se están haciendo grandes esfuerzos por hacer las cosas de un modo distinto... sin embargo escuchamos lo que está comenzando a hacer el presidente de Francia... ¿ese cambio proviene de aquellos que gobiernan o se está gestando en la ciudadanía?

Genoveva Caro: Ese cambio es más bien espiritual, por eso hablé del cambio de era... Es una sensación, más bien como sí, espiritual, intelectual, en las personas sensibilizadas... Pero esto es a largo plazo... No políticamente, ni tampoco en hechos muy tangibles... Me refería como que comienza a existir una sensibilidad hacia conocerse a sí mismo y comprender al otro... el arte se está preocupando mucho por eso... tal vez tiene que ver con el mundo en el que yo vivo, en el ambiente artístico, intelectual, siento que hay un poco de eso... como un hambre de comprender...

Pregunta: Me gusta esa expresión “hambre de comprender” ¿Experimentas esa necesidad en el público que ha visto “El proyecto Youkali”?

Genoveva Caro: Sí hemos tenido un público muy variado, evidentemente hay mucha gente que tal vez no estaba pensando en estos temas, no preocupándose por esto... porque como son tantos temas duros que hay que tratar en esta vida, tal y como estamos, la gente tiende a no pensar mucho... hay mucha gente que prefiere no pensar y esta gente cuando se encuentra con la obra de Youkali, evidentemente se ve muy removida, es gente que sale con una conmoción... incluso es una obra que puede resultar incómoda... aunque yo siempre pienso que es para bien, que es necesario que se tenga esa experiencia y luego hay gente que está muchísimo más concienciada, que vive cerca de los problemas, que ya tiene algún nexo con algún tipo de ayuda humanitaria o de ONG... y también sale reafirmada...

Pregunta: Sobre todo cuando en este proyecto se nos invita a conocer para que nadie, ningún medio de comunicación por ejemplo, pueda manipularnos ¿no?

Genoveva Caro: Sí, hay una frase que dice el presentador (Cristóbal Suárez) muy sencilla: “El que quiera ver el mundo real, que viaje”... Eso es muy importante, yo creo hay que abrir los ojos, hay que buscar medios alternativos de noticias, medios alternativos de información, no quedarnos únicamente con el canal que siempre vemos... Hay que buscar y gracias a Dios ahora está internet, así que puedes acceder al trabajo de periodistas de investigación más independientes que te pueden contar la realidad desde otra perspectiva de manera que puedas contrastarla.

Pregunta: ¿Cómo surge la oportunidad para dar vida a esa voz maltratada en “El proyecto Youkali”?

Genoveva Caro: Aunque soy colombiana me he formado aquí, en la escuela de Juan Carlos Corazza durante cinco años, y al salir empecé a conocer a directores y gente de teatro, así llegué a Miguel (del Arco) y creo que cuando le llega este encargo, evidentemente lo primero que hace es pensar en las personas cercanas a él, que son extranjeras o que puedan jugar dentro del universo que estaba empezando a crear en su cabeza y yo también canto, mi pareja es una mujer... Creo que pensó en mí en primer lugar para el personaje de la chica que es lesbiana y cantante, pero apareció Dulcinea Juárez que es una grandísima cantante de musicales que podría llevar esto a un nivel muy alto, y yo también estaba muy interesada en dar vida a la madre que era algo que me parecía atrayente y que debía tener mucha verdad, entonces desde mi acento latino, podía llegar a hacer que el personaje tuviese un lugar muy bonito. Tú antes mencionabas que el periodista nos indica que refugiados podemos ser cualquiera en cualquier momento, pero también lo dicen los refugiados, puesto que todos somos personas que teníamos una vida, la mía es una médica, la otra es una jueza, el otro es un fotógrafo... no son refugiados que no tenían nada, o que se vieron atrapados en el torbellino de la miseria... son personas que tenían la cabeza alta en la sociedad y las injusticias fueron las que los obligaron a marcharse, a huir...

Pregunta: Me parece también muy interesante cómo se silencia lo negativo, la verdad, en definitiva. ¿Qué verdades ocultamos, nos ocultan?

Genoveva Caro: Yo creo que todas... de ser humano a ser humano, es una relación uno a uno, una amistad, familia, pareja no hay verdades ocultas, porque evidentemente creo que a todos se nos nota finalmente... estamos ahí, en carne viva, pero en una cuestión como la que se nos plantea, la emisión de un programa... en la emisión de un programa se puede tergiversar la verdad cuantas veces se quiera... ése es el peligro del poder que tiene la televisión...

Pregunta: Y de la radio...

Genoveva Caro: Sí, de cualquier medio de comunicación, de los periódicos... cada uno puede manipular la situación del lado que creamos más correcto, más justo, que nos interese más... se puede colorear con la tonalidad que a uno le dé la gana... eso es un gran poder y por eso mismo debería estar más controlado, supervisado... con muchísima responsabilidad y cuidado.

Pregunta: Comentas que durante cinco años te has formado en la escuela de Juan Carlos Corazza, pero viendo tu currículum, descubrimos que en Colombia también estudiaste muy duro como cantante, bailarina...

Genoveva Caro: Sí, desde que era muy niña, desde el colegio estuve metida en temas de teatro, también trabajé en la televisión...

Pregunta: Es vocacional ¿no?

Genoveva Caro: Sí, es una cosa que sentí desde muy chiquita y luego estudié en el conservatorio de música de la Universidad Javeriana de Bogotá la carrera de música con el énfasis en canto, durante la misma vi y estudié muchos aspectos teatrales, como expresión corporal, danza, movimiento... y finalmente terminé la carrera como musicóloga, como crítica, como que mi pluma comenzó a tener éxito y al final concluí haciendo una carrera más intelectual y dedicándome al teatro y no al canto, ése es el cambio que di.

Pregunta: ¿Cómo se vive el teatro en Colombia, qué diferencias descubriste con el teatro español?

Genoveva Caro: La interpretación se vive con mucha pasión, con mucha intensidad... hay muchísimo talento... La industria del teatro está comenzando, aunque esto le esté llevando mucho tiempo... no termina de coger peso, no hay una cuestión estatal de apoyo, de organización, no tiene nada que ver con el espectro teatral que tenéis vosotros en España. Es una lástima, espero que con el tiempo, poco a poco, las leyes vayan ocupándose de ello y un día se pueda tener algo más consistente; evidentemente hay que resaltar el trabajo de algunas compañías que han perdurado a través del tiempo con un trabajo arduo de producción que han logrado un nivel artístico muy alto, pero es muy difícil hacer teatro, mantenerse en Colombia... es muy difícil mantener los equipos humanos cohesionados porque no hay recursos ni seguridad alguna... es muy complicado... entonces todo el talento va desahogándose a través de la televisión y en los últimos años en el cine, gracias a una ley del cine que sí se logró hacer... lo que aún no se ha hecho con el teatro se ha conseguido con el cine... entonces, en la televisión se ve mucho talento, pero desafortunadamente la televisión es mucho más efímera, más rápida... entonces ese talento en lugar de verse concentrado en un contenedor como el teatro que es un laboratorio, un lugar donde te centras y te concentras a pulir una cosa hasta llevarla a su mejor momento... en la televisión, no... entonces es un desperdicio porque no se pule ese talento... se va quedando ahí...

Pregunta: Qué pena, ¿no?

Genoveva Caro: Sí, pero bueno, afortunadamente está el cine, que está resurgiendo ahora y ahí sí se está tratando de aprender a pulir...

Pregunta: Llegas a España, como dices, encuentras una situación distinta a la de tu país... ¿Te está costando hacerte un hueco en este mundo?

Genoveva Caro: Sí, es difícil. Al principio, cuando llegué, como había trabajado tanto en Colombia y tenía mucha experiencia fresca en el maletín, digamos, había un poco de movimiento pero también mucho miedo por el tema de los acentos... Yo pensaba, hay algunos actores argentinos que han logrado abrirse camino y que al final se les ha aceptado con su acento y eso no ha dejado de convertirse en un tema y ya no importa que tengan un poco de acento o no, porque lo que importa es su actuación y el personaje al que dan vida, pero claro, entiendo que es difícil, la gente también debe dejar entrar estas cosas en su oído, en la manera de actuar que tendrá también algo diferente a la de acá. Al principio sí encontré más dificultad, las puertas un poco cerradas, pero evidentemente conforme mi formación aquí iba avanzando, se fue abriendo el camino y espero que finalmente pueda estar trabajando tranquilamente en cualquier tipo de personaje como lo haría cualquier otra actriz española.

Pregunta: Acentúas “cualquier tipo de personaje” ¿te has sentido alguna vez encasillada?

Genoveva Caro: La verdad es que todavía no. Afortunadamente este personaje que tengo, para mí el hecho de que yo sea latinoamericana es una bendición para el personaje, pero si no lo fuese también lo haría, también podría interpretarlo, no es una condición, creo que es algo que le da un condimento más, un plus, pero no creo que yo esté condicionada para hacerlo ni el personaje para necesitarme a mí. Todavía no me he sentido condicionada, estoy también en una edad maravillosa, estoy justo en el medio y puedo interpretar a las madres y a las hijas, soy todavía muy joven pero con suficiente experiencia y “peso en el culo” como se dice en mi país, para poder interpretar a mujeres con recorrido. Estoy en una edad muy rica y espero que me dé mucho juego.

Pregunta: Y si no... siempre te quedará la escritura, creo que has escrito una obra de teatro...

Genoveva Caro: Sí, en realidad estoy empezando en eso... es como una especie de hobbie... aunque yo estudié en un colegio donde se le hacía mucho énfasis a las letras, estudié en el Liceo Francés de Bogotá y desde esa época se me empezó a formar como una buena mano, como una buena capacidad de poner las palabras una detrás de la otra y evidentemente en un momento de mi estudio del teatro tuve la necesidad de poner a unos personajes en acción y de ahí surgió ese texto, que en realidad es una versión completamente libre de La Gaviota de Chejov. Es una nueva gaviota de Chejov con algunos, pocos, de sus personajes.

Pregunta: Supongo que esta obra ha nacido para ser llevada a escena ¿verdad?

Genoveva Caro: Sí, pero aún no. (risas) Estuvimos en una época con unos compañeros haciendo un laboratorio sobre el texto y explorando estos personajes y la posibilidad de llevarlo a escena, las posibilidades que tendría el texto porque es complejo; es un texto que es muy retador para los actores, hay que cambiar de personaje en escena... Estuvimos explorando estas posibilidades y fue muy rico, creo que de ahí salieron muchas cosas que espero que el día que vea más cercana la posibilidad de ponerlo en escena cojamos la bitácora de lo que fue ese estudio y nos sirva de punto de partida.

Pregunta: Viendo tu currículum, viendo la gran formación que tienes y cómo te exiges profesionalmente, me gustaría preguntarte si alguna vez has tenido la impresión de que sobre el escenario no está siempre quien debiera...

Genoveva Caro: Yo creo que eso es relativo... A veces los que nos hemos formado tanto no llegamos a dar la nota y nos equivocamos... Es decir, depende del momento, de la dirección, del lugar energético que ocupes dentro de un grupo. Por ejemplo, este grupo de “Youkali” somos catorce personas, siete somos profesionales y siete son personas completamente amateurs que se han acercado al proyecto por una cuestión de cercanía con la causa, de cercanía con la ONG que lo encargó desde un principio y de deseo de ayudar, de participar y ahora hacen parte de nuestra compañía. La compañía somos los catorce y yo siento el apoyo tanto de Cristóbal que lleva el peso de la función y que evidentemente es un gran profesional como de Sonia Souza que está allí simplemente apoyando y poniendo todo lo mejor que ella tiene como ser humano en ese escenario, evidentemente ella no se ha formado para estar sobre los escenarios pero el lugar desde el cual a ella le ha nacido estar en esa función específica es tan verdadero y tiene tanta pasión dentro, pues es una persona que diariamente está enfrentándose en las oficinas de esa ONG a la realidad de los refugiados, que lo que pone ahí, me alimenta tanto como lo del otro... Entiendo por donde vas y sí es cierto que a veces vas al teatro y dices “¡Por Dios, que tomen un curso de vocalización porque me ha costado entenderlos!” entonces, sí, hay momentos en que dices “por favor, pongámonos un estándar mínimo al menos de voz, de la capacidad de expresar...” pero a veces ese estándar se puede llenar con la pasión o con estar en el lugar indicado en el momento indicado o que justo el personaje sea para ti o que el tándem que tú hagas con tu director dé lo que se precisa... Entonces, también hay que aceptar que esta profesión conlleva eso, conlleva que a veces alguien que no ha tenido que trabajar o que formarse tanto para ello, también te está dando la nota que necesitas y punto.

Pregunta: Es decir, que no todo es la técnica, que debe existir un equilibrio entre esa formación y la pasión... ¿Sin ésta última sería posible?

Genoveva Caro: No... no creo que fuera posible... Demanda mucho de ti, la entrega no es de veinticuatro horas, pero las cuatro o seis horas que le dediques la entrega debe ser absolutamente total y lo que recibes a cambio sólo te llena si tienes una gran pasión por ello...

Pregunta: ¿Cuáles son tus próximos proyectos?

Genoveva Caro: En este momento estoy deseándole una larga vida a “El Proyecto Youkali”, espero que esta obra no muera acá, es una obra que me gustaría volver a representar muchas veces, pues quiero volver a decir el mensaje de esta obra una y mil veces... Estoy trabajando conjuntamente con unas personas de Colombia para que la obra viaje hasta el otro continente; personalmente también haré un viaje a Colombia para unas pruebas de un proyecto que espero cruce las fronteras, un proyecto hispano-latino y por ahora esto, que ya es bastante... luego, ya veremos...

Sofía Basalo.

... FERNANDO CAYO (Noviembre 2010)

2011-05-21T03:22:00.000-07:00

“Kproducciones” ha apostado nuevamente por un teatro apegado al suelo, a la realidad que vivimos. Un teatro que por primera vez nos muestra lo que ocurre tras los despachos políticos, cómo se soluciona un caso de corrupción, cómo se publican noticias que serán la cortina de humo tras la que se evaporarán financiaciones ilegales o tras la que caerán las más altas torres con el fin de salvar al Rey... Esto es “19:30”. Fernando Cayo, forma parte del amplio elenco que ha creado colectivamente este potente proyecto teatral, interpretando a uno de los máximos responsables del grupo político que queda al descubierto:

Pregunta: ¿Política y ética son realmente incompatibles?

Fernando Cayo: Yo creo que no; quizá para algunos políticos su puesto de servicio al ciudadano se convierte en su poltrona y en algo de su propiedad, pero esto no es así para todos. No es incompatible, no. Tengo un montón de casos en mente, de políticos admirados que han sido ética y políticamente intachables.

Pregunta: ¿Podemos decir entonces que la situación política que vivimos ahora mismo y que refleja “19:30” es producto de la época?

Fernando Cayo: No, no creas... La corrupción política ha existido desde el comienzo de la civilización, pasando por Grecia, Roma, La Edad Media, el siglo anterior, el caciquismo, la dictadura y la democracia... Lo que ocurre es que hoy existen unos medios de comunicación que dan cuenta de todos estos casos de una manera más inmediata y más pública, pero esto ha existido siempre... Y existirá mientras el ser humano no alcance otro grado de evolución distinto al que tenemos ahora...

Pregunta: Quizá por ello, habéis comentado que en esta obra no hay buenos ni malos porque en cualquier momento todos podemos caer en este pozo ¿no?

Fernando Cayo: Claro, de algún modo hay un corrupto dentro de cada uno de nosotros; por esto Patxi Amescua ha tenido el acierto de trabajar este espectáculo, de escribir este texto, una comedia política en la que la gente se divierte con este tema, la gente se ríe mucho viendo este espectáculo y es por esto, porque nos vemos a nosotros mismos, a los políticos al desnudo y a los seres humanos al desnudo... Y cuando nos damos importancia, cuando los seres humanos nos ponemos importantes y serios... a veces somos bastante ridículos... bastante patéticos... y de esto también hablamos en la función...

Pregunta: ¿Quizá por ello solemos decir o suelen decir que no nos gusta la política, porque no nos gusta ver nuestra propia realidad?

Fernando Cayo: Lo que estamos mostrando en nuestro espectáculo va más allá de eso. Nosotros en los periódicos tenemos los datos, pero lo que se ve en el espectáculo es un caso de corrupción política visto desde dentro, por primera vez en España, los políticos españoles están en escena, porque es la primera obra de teatro que se hace sobre política en España, política actual. La obra transcurre en el congreso de los diputados, eso también por primera vez, y lo que estamos mostrando es cómo se soluciona un caso de corrupción, de financiación ilegal de un partido desde dentro ¿ok? Y eso es lo que plantea una diferencia con respecto a lo que leemos en los periódicos y a lo cotidiano.

Pregunta: ¿Hasta qué punto es real eso que nos contáis?

Fernando Cayo: Absolutamente real, pero de cualquier partido; además es curioso pero dependiendo de la ideología del espectador, cree que los personajes son de un partido o de otro... Esto es muy curioso. Ayer mismo, al salir de la función, fue curioso porque había un espectador que me comentaba “habláis de este partido, ¿no? Es que es clarísimo que es este partido” y justo en ese momento se paró otra señora que respondió “No, no, yo pensé que hablabais del otro” refiriéndose a otro partido de los mayoritarios... Y otra señora dijo “yo he vivido durante mucho tiempo en Italia y es que esto era como si estuvierais hablando de la política de Italia” La cuestión es que esto es algo universal. Si lo hiciéramos en Estados Unidos, se darían por aludidos, porque es algo generalizado de la gente que está en el poder dentro de la sociedad humana.

Pregunta: Tu personaje dice en un momento dado: “No se puede decir la verdad” ¿Realmente no se puede?

Fernando Cayo: Son ellos los que no pueden decir la verdad en ese momento, no es que no lo digan en general. El personaje que interpreto, Paco Rojo, es un tipo muy resolutivo, muy cañero y tiene las cosas muy claras. No es que sea un tipo sin escrúpulos, pero es un tipo que sabe lo que se hace y lo que no se hace en política y lo tiene asumido, con lo que eso de “no podemos decir la verdad” lo afirma porque él mismo explica que la verdad en política es muy poco creíble a veces y como están siempre pensando en esa proyección de lo que ellos son para los demás, más que en servir al ciudadano, por eso miden tanto lo que pueden y lo que no pueden decir. Se han convertido más en actores que en gestores.

Pregunta: ¿Crees que a Paco Rojo le ha costado mucho dejar a un lado sus principios?

Fernando Cayo: Yo creo que la gente que tiene ese tipo de comportamientos las primeras veces les puede escocer, pero luego ya se crea una rutina y se dan las cosas por admitidas... Pero sí, la primera vez que mentimos, la primera vez que nos traicionamos o que traicionamos a otros nos duele... A todos.

Pregunta: ¿Cómo ha sido el proceso de creación de “19:30”?

Fernando Cayo: Ha sido un proceso colectivo muy interesante, en el que estuvimos trabajando en Bilbao, dos meses, todo el equipo de actores con los directores y fue un proceso muy creativo incluso desde la escritura porque en un momento determinado vimos que podíamos mejorar el espectáculo añadiendo escenas de algunos de los personajes y el autor fue allí, escribió las escenas... Fue un proceso muy creativo y con los directores, además siendo actores, es muy fácil trabajar porque se genera una dinámica muy abierta. Los actores son creadores también, no es este concepto antiguo de que el actor es alguien al que le decían por dónde tenía que entrar y salir ¿no? Eso cambió, y ahora mismo casi toda la gente que está trabajando es creadora, creativa... y aquí en este espectáculo se nos ha sabido escuchar, se nos ha sabido valorar y creo que eso hace también más particular el espectáculo, lo defendemos de una manera más auténtica, más propia, porque ahí hay parte de nosotros.

Pregunta: ¿Es complicado encontrar un proyecto que funcione de esta manera, donde la creación sea colectiva o al menos se abra una puerta a esa pluralidad?

Fernando Cayo: La verdad es que he tenido mucha suerte, últimamente. Los directores con los que he trabajado han sido muy abiertos en ese sentido, pero es que debe ser así siempre, es que no hay otra manera; el teatro igual que el cine y la televisión tiene que ser una creación colectiva siempre, además cuando esto es así, el producto obtenido es más rico, porque no es sólo el fruto de una creatividad, la de un director, sino que es la de todo el equipo que está ahí... ya te digo que, afortunadamente, casi toda la gente con la que he trabajado ha sido muy abierta en este sentido; tanto en audiovisual, como en teatro.

Pregunta: Tienes una amplia formación, he leído que incluso has estudiado en Italia, Teatro de Máscaras...

Fernando Cayo: Sí. Desde el principio, el teatro, la interpretación, la creatividad me interesa mucho y la formación, continuar aprendiendo ha sido un gran placer... Y lo sigo haciendo, sigo trabajando con personas que me enriquecen y que me enseñan cosas... Además, éste es el camino para no aburrirse básicamente y para hacer cada día mejor tu trabajo y para disfrutarlo más. La formación es básica... Y este mundo es tan extenso... He trabajado con máscaras, tragedia griega, con Mariano Barroso en laboratorios cinematográficos... he trabajado con mucha gente distinta, porque hay muchas cosas que aprender, soy un tipo curioso por naturaleza.

Pregunta: ¿Esa curiosidad, ese gran bagaje formativo es valorado hoy en día?

Fernando Cayo: Los buenos directores y los buenos productores claro que lo aprecian. Hay productos para todos los estilos y para todo tipo... Hay productos que necesitan más formación y otros menos, pero cuando alguien pone en juego su dinero, como en este caso Producciones K, una productora privada, obviamente quiere contar con gente que resuelva, que esté en ello... Por la propia definición del producto que estábamos haciendo que es un trabajo que da opinión sobre la sociedad, sobre la política, se necesita gente que tenga algo que decir a ese respecto.

Pregunta: Hablando de productoras independientes, tú tienes una, llamada “Pachamama”...

Fernando Cayo: Sí, estuve trabajando en Perú, haciendo una película y me quedé bastante prendado de toda esta simbología, por eso la he llamado así... “Pachamama” es la madre tierra, es también la cuna de la creatividad...

Pregunta: ¿Qué tal se ve la profesión desde la ventana de la producción privada?

Fernando Cayo: Se ve bien, ahora mismo tengo un espectáculo “La terapia definitiva” que lo voy a haciendo un poco en los huecos que tengo con otros trabajos. En la actualidad estoy volcado con “19:30” y más adelante continuaré con el espectáculo...

Pregunta: ¿Se hace más difícil la creación cuando en juego está el propio patrimonio?

Fernando Cayo: Sí es complicado, a veces es arduo porque trabajar solo siempre es difícil, pero bueno, intento siempre tener un equipo creativo alrededor, de gente que me ayuda y que me apoya y que me aporta un montón de cosas.

Pregunta: ¿Estamos viviendo buenos tiempos para la creación?

Fernando Cayo: Yo creo que siempre es tiempo para la creatividad, no sólo en este campo, también en la vida cotidiana... La creatividad es algo fundamental para el ser humano como comer y dormir...

Pregunta: Últimamente te hemos visto mucho en televisión, un medio que, de un tiempo a esta parte, está ofreciendo buenos productos y oportunidades a los intérpretes...

Fernando Cayo: Sí, además, actualmente estoy grabando “La República” que será la continuación de “La Señora”, donde interpreto a un anarquista inspirado en Ventura Durruti... Estamos inmerso en el proceso de rodaje y creo que se emitirá el año que viene, no sé la fecha con exactitud, pero sí, se emite el año que viene... Y sí, cada vez se hace mejor televisión en España, además uno de los efectos que ha tenido la crisis del cine es que hay muchísima gente trabajando en televisión, esto por un lado es malo porque el cine no debería sufrir tanto la crisis como la está sufriendo, pero por otra parte estamos trabajando con directores de cine como Belén Macías o Salvador García Ruiz o Jordi Frade o Jorge Torregrosa... en fin, gente muy talentosa... Hace tiempo trabajé también con Tito López Amado, que es un director estupendo que también procede del cine...

Pregunta: ¿Realmente el periodista es “ese algo peor” que los políticos?

Fernando Cayo: Eso es lo que dice mi personaje en la función con respecto a lo que está ocurriendo, pero no... Lo que se está reflejando en ese encuentro entre los políticos y los periodistas es un reflejo de la sociedad, de todo lo que está ocurriendo, esa simbiosis entre el periodista y el político es fundamental ahora mismo, por esto que te decía antes de que los políticos no son sólo lo que ellos hacen, sino lo que reflejan en los medios de comunicación y los necesitan... Entonces, de esa relación surge el amor y el odio...

Pregunta: Pero los medios de comunicación pueden manipular...

Fernando Cayo: Por supuesto... por definición es así, lo que pasa es que hay gente que lo hace mejor y gente que lo hace peor... Hay medios que intentan ser más imparciales, pero todos tenemos en mente casos de medios de comunicación que manipulan y de qué manera...

Pregunta: Comentas que hay medios de comunicación que intentan ser imparciales, ¿es éste acaso un intento inútil?

Fernando Cayo: Bueno, creo que la imparcialidad es muy difícil porque... no sé si es inexistente pero es complicado, porque depende de la opinión de cada uno y claro, eso es subjetivo...

Pregunta: ¿Qué terapia sería la definitiva para nuestros políticos?

Fernando Cayo: Yo creo que la base de todos estos problemas que tenemos ahora, e incluso de la crisis y de la corrupción que puede haber en la política es un individualismo feroz; yo creo que en el momento en que la gente empecemos a pensar en tener un pensamiento más social, que seamos más participativos en lo que estamos haciendo, en esa medida, las cosas irían mucho mejor... Deberíamos ser más participativos en nuestra vida cotidiana, en nuestra vida política... Si los políticos pensaran más en el servicio que en su propio beneficio, las cosas irían mejor... Ya te digo, la base se encuentra en el individualismo que existe en la sociedad, ahí está el origen de todas estas cosas...

Sofía Basalo.

... AMPARO PAMPLONA (Enero 2011)

2011-04-30T03:05:00.000-07:00

Tras el rotundo éxito obtenido la pasada temporada, la obra de Margarita Sánchez, dirigida por Amelia Ochandiano, “Mi mapa de Madrid”, regresa a la cartelera madrileña, por la puerta grande. El 13 de enero se estrenaba en la Sala de La Princesa del María Guerrero. Días antes charlábamos Amparo Pamplona; ella es Luisa, madura costurera, obligada a comercializar su Don adivinatorio, tras tener que cerrar su negocio ante la competencia absoluta de los chinos; Luisa, como todos los personajes de esta obra, intenta superar las circunstancias adversas de la cotidianidad; de ello hemos podido charlar con la veterana actriz:

Pregunta: Margarita Sánchez, autora de “Mi mapa de Madrid” escribe: “Todavía quedan fuerzas para elevar a lo eterno, unas gotas del momento”. ¿Quizá esta obra está compuesta por una inmensidad de gotas?

Amparo Pamplona: Qué bonito... Realmente esta frase refleja mucho lo que es “Mi mapa de Madrid”. Son gotas de gente que intenta sobrevivir y que intenta salir adelante y que intenta ver una luz, cuando el panorama está un poco turbio... Todo esto contado en un tono de comedia, con gotas de humor negro... Digamos que “Mi mapa de Madrid” es una mezcla entre Arniches, un poco de Valle y un bastante de Azcona y Berlanga.

Pregunta: Supongo que es un éxito rotundo volver a estrenar en la Sala de la Princesa, tras haber pasado por una sala de las mal llamadas “alternativas”...

Amparo Pamplona: Sí. Lo cierto es que esto se hizo durante unos días determinados porque sabes que hay una fecha de inicio y de término, casi siempre, y esta sala tenía unos compromisos posteriores... por eso tuvimos que terminar “Mi mapa de Madrid” y acabamos con la sala llena, con la gente de pie aplaudiendo y con una lista de espera considerable, por si alguna entrada fallaba... creo, incluso, que hubo hasta reventa... fue un bombazo muy satisfactorio para todos nosotros que nos habíamos esforzado tanto.

Pregunta: Supongo que es una obra tan llena de verdad cotidiana que el público llega a verse fácilmente en la piel de todos y cada uno de los personajes... Más aún en los tiempos que corren...

Amparo Pamplona: Efectivamente. Digamos que el espectador cuando entra a ver “Mi mapa de Madrid” entra como espectador, pero a los pocos minutos se siente como un personaje más, porque es todo muy verdad. Son personajes muy nuestros, muy madrileños, muy típicos, muy castizos, pero digamos que también se pueden extrapolar a otros personajes de otras ciudades españolas; de hecho hemos estado en el festival de Alicante y allí también gustó muchísimo, porque es gente humana. Son supervivientes, gente que intenta salir adelante, que las ciudades están cambiando a un ritmo vertiginoso, que les tira las casas, que, por ejemplo, mi personaje tiene que reciclarse porque era costurera y como han llegado los chinos, le han quitado clientela porque ellos trabajan más barato... y la pobre, dice, “como tengo un Don me voy a dedicar a adivinar” y se pone a hacer de pitonisa... cada uno intenta salir por donde buenamente puede... A otro personaje, le tiran la casa, tiene que vender el bar, se marcha al pueblo y descubre que quiere volver a su Madrid... todos estos son personajes e historias muy cotidianas...

Pregunta: Y sobretodo valientes. No me negarás que Luisa, tu personaje, no demuestra una gran valentía al empezar de cero y con una profesión tan distinta...

Amparo Pamplona: Sí... y con una edad avanzada, porque Luisa es bastante talludita y sin embargo... Pero quién no ha hecho cosas de éstas. Estamos cansados de ver a compañeros nuestros que te dicen “yo iba para esto, pero al final me echaron del trabajo y he montado un negocio...” A la fuerza ahorcan, dice el refrán ¿no?

Pregunta: ¿Cómo surge la oportunidad de hacer “Mi mapa de Madrid” y dar vida a Luisa?

Amparo Pamplona: De repente un día me llamaron, me preguntaron si me apetecía involucrarme en esta aventura, me enviaron por correo electrónico el texto, me pareció divertidísimo, interesante y un desafío para mí como profesional, porque es un personaje muy distinto a todos los que suelo hacer en teatro... También me apetecía conocer a Amelia Ochandiano, no había coincidido con ella, que es nuestra directora. Está siendo toda una experiencia, es muy exigente y te obliga a ponerte las pilas continuamente, a no conformarte con lo que estás haciendo, porque siempre hay un “más mejor”, digamos... Y esto es siempre es positivo, para los profesionales que nos sentimos auténticos vocacionales, cuando nos gusta el teatro de verdad; luego también me gusta mucho toda la gente de la compañía que voy a citar, porque me encantan; está Saturna Barrio, Estrella Blanco, Ángel Burgos, Roberto Cairo que se ha incorporado ahora, hemos tenido una sustitución, José Luis Gago y Pablo Viña. Es una gente joven de edad y joven de espíritu y siempre es bueno este baño de juventud.

Pregunta: Creo que la juventud de espíritu es la más importante. Tú tienes una extensa carrera y estás hablando de este proyecto con un entusiasmo contagioso...

Amparo Pamplona: Yo tengo la suerte de considerarme novata siempre. Hace cuarenta años que salí de la escuela de arte dramático y para mí he salido la semana pasada, con sus pros y sus contras. Los pros, es este entusiasmo que quieras o no vuelcas en escena; los contras, digamos que lo mal que me siento antes del estreno, porque me inundan los nervios, las inseguridades, ¿Estaré bien, estaré mal. Me creerá la gente. Interesará lo que estoy haciendo? Pero bueno, todo esto... Mira esta mañana he estado con un grupo de actrices que estrenan en esta semana... María Luisa Merlo, Amparo Larrañaga, Natalia Dicenta... y estábamos todas como un flan... había una especie de carga eléctrica positiva... nos contagiábamos todas nuestros nervios y nuestros buenos deseos... esto es muy bonito.

Pregunta: Has comentado que “hace nada” saliste de la escuela de arte dramático, pero también estudiaste solfeo, canto, danza...

Amparo Pamplona: Todo eso, sí señora y ballet... estas cosas en mi época siempre se estudiaban... Pero ojo, me preparé todo esto antes de saber si iba a ser o no actriz, porque yo iba para locutora; porque tenía una bonita voz, he sido muy mala estudiante y me metieron en la escuela de arte dramático... para enseñarme a pronunciar, para hablar bien y después entrar en Radio Nacional o en cualquiera de las emisoras importantísimas que existían y de repente, un día, me encontré con Manuel Dicenta, que fue mi profesor maravilloso... tuve a Mercedes Prendes... a unos actores de la época que han creado época, también... y mi padre que era periodista, estaba en Radio Nacional en Diarios Hablados, y se encontró con Dicenta, que iba al cuadro de actores y le dijo “hombre usted es el profesor de mi hija” y el respondió, “cómo se llama su hija” mi padre le dijo mi nombre y siguió “hombre, su hija, es mi alumna favorita, puede ser una estupenda actriz” y fue entonces cuando mi padre empezó a creer en mí, ya llegó a casa con otra cara, ya me miraban como si fuese a servir para algo....

Pregunta: Toda una suerte, sobre todo en aquella época...

Amparo Pamplona: Ya te digo (risas) a mi abuelita le sentó muy mal (risas) porque entonces la fama de las actrices, era un poco... ahora ya se nos ha quitado la fama, porque como todo el mundo es todo... pues eso nos relaja...

Pregunta: También eres actriz de doblaje...

Amparo Pamplona: Sí, he estado durante muchísimos años... hice una larguísima pausa cuando tuve a mis hija y trabajé únicamente en doblaje; ciertamente es un medio con el que me siento muy unida y muy a gusto también. He tenido unos compañeros maravillosos, he hecho trabajos interesantes y luego la vida me devolvió al teatro y aquí sigo... y me excuso decirte que también he sido muy conocida por hacer televisión, cuando era en blanco y negro, cuando iban los diplodocus por ahí (risas)

Pregunta: Creí que ibas a decir, “cuando se hacía buena televisión”...

Amparo Pamplona: Bueno, se hacían cosas interesantes, ahora también se hace buena televisión, no toda, pero también la hay. No hay que despreciar, porque hay series que son interesantes. Estamos viendo a actores que no son muy populares y dan una lección a muchos que sí lo son. Me gusta ver las series españolas y de vez en cuando me sorprenden actores, no porque los que yo conozco no sean buenos, que no es así, porque los hay de todo tipo, pero de repente descubres a un actor o a una actriz que son buenísimos y te preguntas “¿Dónde estaban metidos?”... Y hacen trabajos estupendos... No hay que generalizar. Hay basura y hay no basura, depende de lo que se elija... Aunque lo cierto es que era muy didáctico que la gente supiera que “La moza del cántaro” la había escrito Lope de Vega, que “Los Autos Sacramentales” eran de Calderón... Esto es lo que falla hoy día...

Pregunta: La cultura...

Amparo Pamplona: Efectivamente. Esto se aprendía en el colegio y luego tenías la oportunidad de ver el texto y ver en qué consistían las historias; esto ahora mismo falta... esperemos que vuelva, a ver si hay suerte.

Pregunta: Los Estudios Uno...

Amparo Pamplona: Sí, el otro día dieron el primero, van a hacer unos cuantos. A ver si gustan y a ver si tienen audiencia y podemos continuar con esta dinámica.

Pregunta: También eres profesora...

Amparo Pamplona: Sí, he dado y sigo dando bastantes cursos de proyección de voz, de pronunciación, de todas estas cosas, para que la gente no se estropee demasiado la voz con gritos indebidos...

Pregunta: E innecesarios...

Amparo Pamplona: Sí, a veces innecesarios, porque en contra... yo se lo digo a mi hija. Los nuevos actores y algunos de los actores no tan nuevos piensan que lo idóneo es que te pongas a llorar y te salgan las lágrimas y eso yo lo encuentro muy fácil... lo difícil es que llores, te salgan las lágrimas, se te ponga un nudo en la garganta y que la gente te entienda y que al mismo tiempo sepas pronunciar, sepas proyectar y sepas emocionar al espectador de la quinta fila. Lo difícil en teatro es enfadarte bien, hacerlo bien, y poder contener y proyectar y canalizar tu enfado y tu fuerza y tu pronunciación. Creo que es más difícil enfadarte que llorar.

Pregunta: Quizá porque lo primero parte de dentro y va hacia fuera...

Amparo Pamplona: Sí, pero hay compañeros que piensan que llorar es simplemente recordar... Bueno, Stanislavski ha hecho mucho bien y también ha hecho mucho mal, si no se entiende adecuadamente... El enfado es lo que dices, ha de salir hacia fuera, pero es que en la vida real cuando nos enfadamos se nos trabuca la lengua y decimos palabras inconexas a veces y todo esto en el teatro no se puede permitir, entonces, creo que necesita más preparación un buen enfado que un llanto...

Pregunta: Sí, algunos directores comentan que quizá uno de los grandes errores del teatro últimamente es pretender hablar sobre el escenario, tal y como se hace cotidianamente...

Amparo Pamplona: Eso es un error como la copa de un pino. Porque la naturalidad teatral, ahí radica la dificultad, no es la naturalidad cotidiana, ni la naturalidad de televisión ni de cine... Y de hecho hay muchos actores de televisión y muchos actores, magníficos actores de cine, que en teatro pierden los papeles, no dan el mismo juego... ¿por qué? Por que es otro tipo de naturalidad.

Pregunta: ¿Cómo has visto la evolución teatral desde tu amplia perspectiva?

Amparo Pamplona: Ha evolucionado el hábitat. Date cuenta que la primera gira que hice con la compañía de José Tamayo, íbamos a unos teatros que no eran tales... es decir, sí eran teatros pero durante todo el año funcionaban como cines; de repente los cerraban y los habilitaban (lo decimos entrecomillado) para teatro... Y te encontrabas con unos camerinos absolutamente cutres (decir esta palabra es darle demasiada categoría) con un cristal roto, en pleno mes de enero, en Burgos o Soria... oliendo a chamusquina, porque eran cosas que no se utilizaban habitualmente; se ponía la sala de proyección, que luego era el escenario... y hemos pasado unos fríos, unos malos olores... váteres inexistentes... claro, todo esto ya no existe... da gusto... ahora haces una gira y es una maravilla. En cada teatro está todo limpio, todo nuevo, con tu aseo... Todo esto ha cambiado...

Pregunta: ¿La calidad también ha evolucionado positivamente?

Amparo Pamplona: Bueno, el teatro es tan sumamente amplio, digamos que es una síntesis de la propia vida y tan amplio como la vida... entonces, cabe todo. Cabe el experimento, cabe el teatro clásico... y ahora considero que se están montando muchos grandes espectáculos... tal vez la parafernalia se está comiendo lo que es la actuación... el teatro es ante todo un texto y un actor interpretándolo... y un espectador que lo está viendo... ésa es la esencia del teatro; después todo lo que adorne vale, “va abundando en”, beneficiando el espectáculo; lo que a mí no me gusta es que el marco se coma el cuadro. El arte es el cuadro y el marco lo adorna, y aquí muchas veces se está extrapolando todos los términos y se está confundiendo lo que es un concepto con el otro...

Pregunta: Alguien malévolo podría plantear que quizá se haga esto porque la materia prima (el actor) no es de buena calidad... y se intenta suplir esta falta con los accesorios... Quizá no haya excelencia...

Amparo Pamplona: Yo creo que sí hay excelencia. Me veo todo lo habido y por haber, mi hija ya se ríe de mí (risas) y te puedo decir que tenemos un plantel de actores y actrices jóvenes francamente bueno, insisto, no es que sean los más conocidos. Materia buena sí hay. Los hay excelentes y los hay buenos, como siempre, y también los hay malos... ¿directores? Exactamente lo mismo. Los hay buenos, que se fijan en la interpretación del actor y que aman al actor y los hay que directamente dirigen el tráfico... y eso se nota. Muchas veces una mala interpretación no es culpa del compañero, es culpa de que lo han dirigido mal.

Pregunta: Comentas que “no son los actores más conocidos” ¿En la actualidad para subirse al escenario se necesita, se exige, se le da más importancia al hecho de ser conocido, famoso?

Amparo Pamplona: Sí, muchas veces sí. Estamos metidos en una dinámica que para mí es errónea. Es el sistema lo que está funcionando mal. No importa si el actor está bien o mal, lo que importa es que tenga un nombre, ¿por qué? Porque si no... hombre, quizá para un teatro importante, que paguemos tú y yo y el señor bajito de Cuenca, no importa tanto, pero después hay que vender, hay que hacer bolos... y ahí sí, quieren ver a menganito porque lo están viendo en tal sitio, en tal otro... en televisión. Entonces, quizá, se sacrifica lo que es el personaje de teatro que se está interpretando por la venta de ese nombre de menganito o menganita... A mí me parece un error, pero así está funcionando la cosa. “Este cartel no lo conoce nadie, uy no vamos a hacer ni un bolo”... entonces, también se trata de vender, porque esto digámoslo claro, es un negocio.

Pregunta: Y a veces resulta complicado encontrar el equilibrio...

Amparo Pamplona: Sí es complicado... hombre, a veces se encuentra... y a veces, muchas veces, coinciden ambas cosas...

Pregunta: ¿Qué le añadirías al teatro en la actualidad?

Amparo Pamplona: Añadirle... creo que le falta gente que ame de verdad el teatro... en todos los aspectos... hablo desde los programadores, hasta algunos de los grandes capitostes que ahora mismo están manejándonos, que de verdad no aman lo que es el arte dramático... están desviándolo por intereses particulares y va en detrimento de lo que realmente es el teatro... El teatro tendría que estar ahora mismo muchísimo más fomentado, en todos los medios, con muchísima más difusión de la que tiene.... Somos también supervivientes, como los personajes de “Mi mapa de Madrid”... hoy he dicho en una entrevista que me han hecho, que el teatro no morirá nunca porque es un espectáculo que está vivo, que empieza y acaba cada día, que no se puede piratear por internet, pero eternamente estará enfermo, mientras las cosas no cambien... lleva enfermo muchísimo tiempo... pero no han conseguido machacarnos del todo, pero vamos ha habido años que hemos estado a puntito... ahora gracias al cielo, hay un resurgimiento... me gusta muchísimo que, y ya ocurre desde el año pasado, cada vez que voy al teatro, bien es verdad que a veces son estrenos, pero en otras ocasiones, voy días normales y está la sala, sino llena, casi llena... y es un gusto...

Pregunta: El amor por el teatro falta entonces, en quienes rigen nuestros destinos, nuestro día a día ¿no?

Amparo Pamplona: Absolutamente.... Y no hablo ni del PSOE ni del PP... esto lleva ya décadas...

Pregunta: Quizá es el resultado de no considerar al teatro como una forma de cultura...

Amparo Pamplona: Bueno, hemos tenido una ministra de cultura que dijo que el teatro no era cultura, que era espectáculo... No me remito al siglo XIX... y la hemos tenido de ministra de cultura. Ahora tiene otro cargo importante, también, la mujer... y esta señora se permitió el lujo de decir eso... Entonces ya, si partes de esa base, en cuanto tenga media docena de acólitos que piensen lo mismo... vamos apañados...

Sofía Basalo.

(Publicada en www.noticiasteatrales.es y emitida en Esradiomadrid2)

... SOCORRO ANADÓN (Julio 2010)

2011-04-20T04:24:00.000-07:00

Hace más de veinte años decidió junto a Jaroslav Bielski formar compañía. Así nació Teatro Réplika, de la necesidad de hacer un tipo de teatro profundo, que condujese a la reflexión, al enriquecimiento personal y también, no vamos a negarlo, para evitar la ansiedad por una llamada que a veces, tarda en llegar.
Socorro Anadón es “La dama Boba” espectáculo que ha entrado en la programación de los veranos de la villa por derecho propio, pues su éxito en la temporada teatral ha sido innegable. Es éste su primera incursión en una tipo cómico, hilarante, divertido. Es ésta su primera incursión y seguramente no será la última.
Hemos hablado con la actriz, hemos compartido con ella la pasión con que vive cada aventura teatral, cada curso impartido al actor que comienza, cada personaje al que presta su voz y su cuerpo. Éste ha sido su resultado:

Pregunta: Vuestra presencia en Los Veranos de La Villa, se debe, entre otras cosas al gran éxito obtenido en la temporada teatral propiamente dicha, ¿no es así?

Socorro Anadón: Efectivamente; nosotros empezamos en Madrid, en nuestra sala, a mediados de abril y realmente ha tenido una acogida estupenda. Creo que se unen varias cosas, por un lado, es un clásico contemporáneo, no sólo por el vestuario que es de Ágata Ruiz de la Prada, sino por el enfoque y el ritmo que estamos poniendo, y de alguna forma también el modo en el que confrontamos al público, al tenerlo tan cerca... Es una visión más contemporánea. Pero es curioso, porque esa visión contemporánea también está en Lope, él fue un trasgresor en su época, que quería que el público fuera partícipe, no sólo que fuera un oyente, sino un público que participara de sus obras. Nosotros lo hemos rescatado no sólo en lo que es la adaptación de Daniel Pérez, de tener en cuenta de una manera muy concreta al espectador, sino también en la manera que ha enfocado Jaroslav Bielski, esa manera de percibir un clásico. El público es parte y partícipe de la obra.

Pregunta: En esta propuesta interpretas a La Dama Boba, la protagonista. ¿Hasta dónde llega su bobería, si es que existe, o realmente es el amor la que le devuelve la inteligencia y cordura?

Socorro Anadón: Yo creo que efectivamente el amor le abre los ojos, le enseña a mirar al mundo de otra manera... y se da cuenta de pronto de que puede jugar y puede ser dueña de su destino, cosa que además en esa época y desgraciadamente también ahora, hay muchas mujeres que de alguna forma están sujetas a una serie de formas, de leyes y no son protagonistas de su vida. Lope refleja por medio de Finea, esta bobería que está sujeta a una serie de normas según las cuales la mujer no era dueña de su vida; o pertenecía al padre, al hermano, al marido... la sociedad era así. Este personaje es un poco más trasgresor en esa época, porque por un lado, encontramos a Finea, a la que esa bobería le permite hacer lo que quiere, aunque no es dueña de su destino hasta que la utiliza para “llevarse el gato al agua” y es verdad que juega un papel principal el amor... El amor le hace descubrir de pronto que ella puede ser dueña de su destino y que puede utilizar esa bobería... pero por otra parte hay otro personaje, su hermana, que es una mujer ilustrada, que para esa época era difícil encontrar mujeres así, pero claro, está llevada al extremo... entonces, uno se da cuenta que debe haber una conjunción de cualidades. Finea es una mujer apasionada, no vive su bobería como algo que va contra ella, sino que esa pasión engloba todo su entorno, e incluso es la que hace que al final esa bobería no sea algo que la sujeta o la hunde en una serie de normas, sino que le permite transgredir todo lo que pueda atarla y ser feliz.

Pregunta: Cuando comentas que Lope ya era un trasgresor, no sé si puedes referirte al hecho de que casi todas las mujeres del teatro clásico son así, valientes, luchadoras, anticonvencionales...

Socorro Anadón: Sí, además creo que Lope era un gran conocedor de la psicología femenina, sobre todo de las actrices, porque tuvo algunas historias... pero, creo que eso se refleja en su teatro; de pronto él se da cuenta de que hay una norma en general, una forma de ser, de estar en la mujer de aquella época... y ve que éstas buscan una manera de transgredir esas normas, unas veces como dice Finea “desde niñas sabemos fingir”... ésa era la manera que tenían las mujeres de aquella época para salirse con la suya... en ese fingimiento intentaban saltarse las normas para poder ser felices... Era una manera de hacer lo que querían dentro de unas normas que eran machistas, estaban marcadas por la costumbre, por los usos sociales... Siempre ha habido mujeres que se han saltado esas normas, escritoras... que lógicamente en esa época tenían que estar detrás de un hombre... pero esto ha ocurrido hasta el XIX, e incluso en pleno Siglo XX... en ese sentido, sí creo que este último siglo sí ha permitido que las mujeres podamos estar en el sitio que queramos estar, pero todavía nos queda camino por recorrer, sobre todo en algunas sociedades, como sabemos todos... Pero bueno, yo creo que esta obra no hace una reflexión tan filosófica, yo creo que es una reflexión divertida, una reflexión que a través de la ironía y de la risa llegas a esa conclusión... Es un divertimento, en definitiva.

Pregunta: ¿Te ha divertido abandonar tus habituales trabajos como actriz, marcados por el drama e introducirte de lleno en una comedia y en un personaje tan rico como “Finea”?

Socorro Anadón: Sí, la verdad es que es la primera vez que abordo un personaje cómico, aunque tiene sus puntitos de alma, como yo digo, en el sentido más dramático... y la verdad es que ha sido y está siendo un divertimento total... lo paso genial con Finea, es un juego desde el principio hasta el final y es un juego no sólo del personaje de Finea, sino de toda la obra, es como ir entrando en diferentes juegos cada vez... la verdad es que lo paso muy bien, todos lo pasamos muy bien y eso lo transmitimos al público... es lo que se suele decir, desde el principio, hasta el final empieza la sonrisa y se termina con ella... es una obra muy refrescante (risas)

Pregunta: Refrescante, divertida, pero siempre arriesgado; pues vosotros siempre apostáis por el riesgo, no sé si esta vez, ese riesgo ha llegado de la mano del verso...

Socorro Anadón: Claro, normalmente cuando uno contemporiza una obra clásica, lo que se suele hacer es quitarse el verso de en medio y que el lenguaje sea más directo... nosotros no lo hemos hecho así; nosotros hemos mantenido la rima, de hecho Gabriel Garbisu ha estado ahí, con el director, cuidando y mimando el verso de Lope, y lo que pasa es que a la gente se le olvida... llega un momento en el que dice “nos damos cuenta de que la obra comienza en verso, pero luego nos olvidamos de que habláis en verso” eso quiere decir que el verso está dicho de una manera muy orgánica... Es cierto que cuando uno, aquí en España por ejemplo, quiere hacer un teatro más vanguardista dentro de lo clásico, se rompe totalmente... ¿por qué si Lope es ya bastante vanguardista, de hecho mantener una forma así, yo creo que lo difícil es que esa forma llegue de una manera contemporánea, eso es lo vanguardista... Y fíjate, las compañías inglesas, ahí lo demuestran, cada vez que vienen a España, vemos que están manteniendo el verso y todo el mundo lo ve como algo contemporáneo, no como algo clásico o arqueológico...

Pregunta: No sé por qué nosotros vemos así nuestra literatura y nuestros clásicos...

Socorro Anadón: Quizá porque a lo mejor durante mucho tiempo se ha mantenido una forma de decir el verso un poco prosaica, más ligado a lo que era la declamación... era una forma del XIX, de buscar una forma ampulosa de decir el verso... pero creo que eso ya ha pasado, creo que ha habido muchas corrientes teatrales que han permitido que el actor esté de otra forma en el escenario, y creo que eso hay que contagiarlo en todos los estilos del teatro; no sólo en el contemporáneo sino también en el clásico... El teatro es contemporáneo en sí mismo, estás ahí y es un arte que se realiza aquí y ahora y hay que transmitirlo tal cual...

Pregunta: Has comentado que volvéis a trabajar con Ágata Ruiz de la Prada, tras vuestra aventura con “Alicia en el país de las maravillas”...

Socorro Anadón: Sí, ha sido estupendo. Es la cuarta vez que trabajamos con Ágata, y creo que el director tiene un buen entendimiento con ella, es muy respetuosa con las propuestas de Jarek y es muy creativa... Creo que los trajes mantienen lo que es la forma clásica, en el sentido de lo que es la línea, pero ella ha aportado el cromatismo y ha acentuado el carácter de los personajes que queda fielmente reflejado en la indumentaria... En general en todos los trajes se ha buscado la esencia de los personajes algo positivo en la comedia... también es un punto arriesgado, porque hay gente a la que le gusta muchísimo y hay gente que por el contrario busca más ver en su trabajo el reflejo del miriñaque... pero bueno, eso lo sabemos, es un riesgo que corremos muy a gusto, la verdad.

Pregunta: He leído que desde que comenzaste tu carrera, uno de tus sueños era crear una compañía propia...

Socorro Anadón: Sí, yo tuve la suerte de empezar en el Centro Dramático Nacional y en otras compañías nacionales, pero me di cuenta de que... claro, ha cambiado mucho lo que es infraestructura teatral... antes los actores jóvenes tenían la posibilidad de ir practicando, aunque fuera con pequeños papeles, de tener una continuidad y claro, eso se ha ido rompiendo porque hay una infraestructura más pequeña, hay pocas compañías, no hay compañías estables... y eso de estar esperando a que te llamen, no va conmigo... entonces, me fui a Polonia con una beca... porque vi que necesitaba llenar una serie de huecos que tenía y me pareció que ese país cubría todas las expectativas en ese sentido, y a la vuelta decidí que no estaba dispuesta a esperar una llamada, quería formar y formarme y hacer el tipo de teatro que quería hacer... entonces ese acto de voluntad de querer hacer lo que uno quiere, lógicamente implica la asunción de todos los riesgos que conlleva ser empresaria... fue así, desde 1989, aquí estoy lidiando con el teatro y con toda la infraestructura... porque es complicado, la verdad es que no estamos en un país en el que sea fácil ser independiente...

Pregunta: ¿Y se logra alguna vez?

Socorro Anadón: No sé, nosotros llevamos desde 1989 como compañía, también escuela, porque decidimos Jaroslav Bielski y yo crear una escuela para formar un grupo estable, una compañía con actores profesionales y aunque hemos trabajado también con actores y compañeros de la profesión, que no han salido de Réplika... el siguiente paso fue tener un teatro, un pequeño teatro... el que actualmente funciona... es muy difícil, Sofía, a veces te dan ganas de decir, “hasta aquí” porque la verdad, es que uno intenta ser independiente pero es que hay gente que lo ve no como si fueras independiente, sino como si fueras un chiflado que vives en otro planeta... y estamos en el mismo... pero hay gente que ya con el hecho de que tú seas independiente, lo consideran negativo, extraño... y es muy difícil que te tengan en cuenta en todos los sentidos... a nivel político, a nivel de subvenciones, de ayudas económicas... incluso con el público, también... nos ha costado mucho hacernos con un público fiel...

Pregunta: ¿Algo parecido a la marginación?

Socorro Anadón: Sí, eso es. Y uno lo que ha hecho ha sido dar una respuesta independiente, nada más ¿no? Eso si, la verdad es que estamos creando un público que nos sigue prácticamente en todos los espectáculos que estamos haciendo, pero es muy difícil porque no es una sociedad que esté acostumbrada, como pasa en Francia o Alemania, a irse a un determinado sitio por muy lejos que esté para ver teatro... ese espíritu que hubo en una época, que es cierto que en Madrid lo había, que de pronto te ibas a un teatro o a un colegio mayor... se ha perdido y es una pena, porque ese espíritu de búsqueda, esa curiosidad, como pasa actualmente en Argentina, aquí estamos un poco muertos en ese sentido, pero no ya para ver una obra de teatro, sino para cualquier evento que se sale de lo establecido, hay como una dejadez, un abandono...

Pregunta: ¿Ese espíritu también lo descubriste en Polonia?

Socorro Anadón: Sí, allí es que el teatro, siempre lo comento con Yarek, está unido a la cultura y es otra cosa... porque es un respeto, es algo que pertenece, como algo que es propio, unido a ellos, y aquí es una pena, porque tenemos a autores maravillosos, contemporáneos, del siglo de oro, compañías, gente que está haciendo cosas estupendas, y es que no sé... es como si no lo valorásemos...

Pregunta: Yo mantengo eso que dices, que hay un sector importante que mete el teatro dentro del ocio, sin más... De hecho es ocio... pero no es un “ocio vacío” como se pretende o se quiere calificar...

Socorro Anadón: Efectivamente, además creo que sí, que el entretenimiento te puede hacer pensar, puede hacer que pases un buen rato, pero yo creo que el teatro es algo más, conmueve de otra forma, es un arte que une varias artes... es un espectáculo que me parece que mueve muchas más cosas, como para simplemente dejarlo en una mueca... en algo que es pasajero, una forma de entretenimiento unida al ocio de la que al día siguiente nadie va a acordarse... creo que hay cosas, y de hecho cuando te conmueve una obra de teatro, cuando te llega profundamente un texto, o te da un toque en el alma... eso te va acompañar durante toda la vida... porque aunque es cierto que es un arte efímero, es un arte, también que toca para mucho tiempo... o al menos lo intentamos (risas)

Pregunta: Escuchándote hablar podemos llegar a pensar que el teatro es una forma de vida para ti, una vocación...

Socorro Anadón: Sí, para mí desde luego es mi vida; es que yo aparte de que estoy las 24 horas en el teatro, porque claro, al ser actriz, empresaria, estar en la escuela... el teatro está prácticamente pegado a mi piel, pues yo creo que dedicarse con tanto esfuerzo como nos dedicamos todos a esto, si no es algo que tienes como vocación, si no es algo que lo haces porque lo quieres... es muy difícil seguir... hombre, sí es cierto que a veces es desesperante, pero creo que tiene también momentos en los que te da tanto, que te enriquece tanto como persona, que creo que es lo que nos hace continuar.

Pregunta: Como bien has dicho formáis nuevos actores, actores jóvenes, para los que según comentabas, les es más difícil lograr una continuidad en la práctica teatral y por tanto en su aprendizaje y en el vivir día a día lo que es el teatro... ¿Quizá por ello son otros los motivos del actor que comienza?

Socorro Anadón: Claro... Yo creo que por un lado, la mayoría de los jóvenes lógicamente lo que más le llega a la hora de ser actor no es tanto el teatro, sino la posibilidad de ser actor en una serie, en una película... porque estamos en una sociedad en la que la imagen es lo primero que llama la atención... Y yo creo que de hecho, la escuela de teatro prepara a un actor para todos los medios, no sólo para el teatro... Lo que pasa es que es curioso, cuando vienen y hacen el examen de acceso, al preguntarles qué han visto de teatro, hay gente que no hay ido nunca al teatro, entonces le replicas ¿Por qué quieres ser actor? Y te responden que si han visto una película, que si han visto una serie... la mayoría no tiene una cultura teatral, algunos han hecho alguna obra de teatro en el colegio, pero pocos... la mayoría está más vinculado a lo que es ser actor de cine o de televisión, pero no han ido al teatro... y me parece increíble, pero bueno, la motivación principal es ser otro, y entonces, muchos dicen eso “a mí me gusta ser otro”... Ésa es una de las cosas que de pronto les incentiva a dedicarse al teatro... también a muchos, ser famoso, lo fácil... lo que les llega de la profesión, la fama, el dinero... esas cosas (risas) La posibilidad de adquirir un puesto social, de adquirir un puesto económico... todo lo que se vende, que son fuegos artificiales, porque realmente si no estás preparado, si no conoces tu instrumento... pasarás como un fuego artificial y punto... o no... pues ahí también hay personas que están de pronto detrás de la pantalla, que para mí no deberían de estar, pero están... pero eso es una cuestión de la sociedad... hay mucho intrusismo en esta profesión también... creo que también es porque no hay una ley que nos respalde en ese sentido, como en otros países en los que hay un sindicato fuerte con una ley para los actores que no lo permite... pero bueno, yo creo que lo bueno que tiene el teatro es que es difícil... Si no eres actor es difícil que sigas actuando porque tienes que tener una herramienta muy entrenada para poder asumir una serie de personajes y... en ese sentido es más complicado que mostrar una cara bonita o ser fresco o tener cara... en el teatro eso es más difícil de mantener... en cine o en televisión a veces... pero una buena serie o una buena película, de autor sobretodo, se sustenta con buenas interpretaciones sobre todo.

Pregunta: A veces no lo creo tanto, me asaltan las dudas...

Socorro Anadón: ¿Sí? (risas)... La verdad es que a veces es que sí... pero bueno, es lo que nos gustaría... sí a veces es cierto, que dices “madre mía pero por qué está esto aquí... Un poco más de exigencia... crezcamos un poquito más...”

Pregunta: Sí, dejemos de ver tanto el teatro como un negocio, que lo es... pero equilibrémoslo... que además de ser negocio es como antes has dicho muchas más cosas...

Socorro Anadón: Hombre, está claro que estamos metidos dentro de una industria, y es así, y además cuanta más gente nos vea mucho mejor y si es un éxito, estupendo... pero, es cierto que hay cosas que tienen su riesgo y hay que apoyarlas, porque no todas las cosas son iguales... para lo mismo que con la música, cuando uno comienza a escuchar música clásica, si no estás preparado, te costará, pero si la escuchas una segunda vez y una tercera vez, y hay un buen intérprete... te acabará gustando... hay cosas más complicadas, otras más ligeras... tiene que haber de todo, pero creo que no hay que poner el listón tan bajo...

Pregunta: Sí, hay que subir el listón o por lo menos gente como vosotros, tenéis que subirlo...

Socorro Anadón: Claro que sí, mira esta “Dama Boba” es un tipo de teatro, un divertimento, un cuento para mayores, que no requiere como “La vida de las marionetas” de Bergman, que era un espectáculo más complejo, y con una reflexión sobre el ser humano con más complejidad y con un tema incluso casi filosófico, sobre la identidad... pero, hay que hacerlo todo, pero incluso para hacer un Cabaret hay que hacerlo bien, o una obra infantil... en estos proyectos parece que vale todo y no es así, hay que respetar a los niños, porque son los críticos más severos... ellos son absolutamente sinceros, no se puede hacer de cualquier manera...

Pregunta: Y siempre con esa premisa, ¿tenéis algún proyecto entre manos?

Socorro Anadón: Sí, “El Corazón de Chopin”... una obra sobre las relaciones entre George Sand y Chopin... y la música... y el teatro... Hemos hecho ya algunas funciones, esto del mundial nos ha perjudicado un poquito porque nos han pillado los partidos más importantes.... hemos parado y abriremos temporada con ello. Es algo curioso porque hay partes desconocidas de Chopin que aparecen que nos van a sorprender y además descubriremos a una mujer, George Sand, que ha pasado como alguien duro y que de alguna forma que era alguien... como era una mujer independiente para la época...

Pregunta: Sí como siempre pasa...

Socorro Anadón: Ha pasado como una mujer sin corazón y para nada.... cuando empiezas a leer sus escritos, te das cuenta de que fue una mujer muy discutida, pero realmente fue una mujer revolucionaria en todos los sentidos y con un gran corazón... Es una apuesta que tenemos y también hemos aprovechado que estamos en el año Chopin... Y ahí estamos, la gente que lo ha visto ha quedado muy satisfecha.

Sofía Basalo.

(Entrevista emitida en www.esradiomadrid2.com y publicada en www.noticiasteatrales.es)

... MIGUEL DEL ARCO ( Septiembre 2010)

2011-04-16T03:35:00.000-07:00

Miguel del Arco ha sido el artífice del proyecto con el que el 20 de junio se ha conmemorado un año más el día mundial del refugiado. Estrella Galán recurrió a nuestro interlocutor porque quería algo distinto, algo que distinguiera este hecho de todos los “días mundiales” que se conmemoran a lo largo del año. No sólo lo ha logrado, sino que “El Proyecto Youkali” se ha convertido en un importante título por su texto, por la realidad que nos ayuda a conocer y por el grado de compromiso que sobre el escenario de la segunda sala de Las Naves del Español aglutina. Son posibles lugares como Youkali, es posible la utopía. Hemos charlado con Miguel del Arco, quien junto a Aitor Tejada nos regaló uno de los mejores montajes teatrales de la pasada temporada “La función por hacer”:

Pregunta: ¿Hasta qué punto somos libres. Hasta qué punto un Estado de Derecho puede garantizarnos la libertad?

Miguel del Arco: Eso no lo sé, es más, no sé cómo responder. Si te paras a analizarlo, la verdad es que da mucho miedo porque estamos condicionados. No somos libres de decidir casi nada... Por estructura de sociedad, por estructura mental y por muchas más estructuras; lo realmente pernicioso es que normalizamos una serie de comportamientos que creemos que son lo habitual y vivimos de espaldas al dolor de otros seres humanos que no están tan lejos de nosotros... La libertad es bastante subjetiva...

Pregunta: En “El proyecto Youkali” creo que hacéis una fuerte crítica hacia los Estados de Derecho, que afirman ser solidarios y practican esa solidaridad enmascarando una gran hipocresía...

Miguel del Arco: Exacto, y a eso me refiero cuando hablo de “normalización” en la vida cotidiana; de hecho en los ensayos hablábamos sobre la controversia que se produjo cuando gente del PSOE fue a Cuba y todo el mundo se llevó las manos a la cabeza diciendo que cómo podían ir allí, que estaban apoyando a una dictadura y demás; y sin embargo, no se dijo nada del coincidente viaje de Estado de Zapatero a China... entonces ¿de qué estamos hablando?... ¿Todo lo que sucede en China se puede permitir porque es una gran potencia económica?... Y fíjate, no leí ninguna carta al director ni ningún editorial contra ese viaje, ningún político dijo nada, ningún periodista arremetió contra ese viaje... Es algo absolutamente hipócrita, pero está aceptado como algo normal. Hay unas relaciones económicas muy fuertes, por lo que esto se pasa por alto, como ocurrió en las olimpiadas... Me parece que vivimos inmersos en algo... y creo que todo esto marca de algún modo la política que se practica...

Pregunta: Incluso, en lugar de hablar de “racismo” deberíamos hablar de “clasismo” ¿no?

Miguel del Arco: Totalmente. Te vuelvo a remitir a los titulares aparecidos hace poco; llegan los refugiados que han venido de Cuba y como le viene bien al gobierno ponerlos de manifiesto y decir que se solidariza con ellos, llegan ya casi con el estatuto de refugiado bajo el brazo; cuando ese mismo gobierno, rechaza casi al 95% de las solicitudes que se presentan, repito el 95%... Sé que este montaje ha levantado algunas ampollas en el ministerio y afirman que estamos poniendo de manifiesto que hacen mal su trabajo... Pero, nosotros no estamos diciendo nada, simplemente estamos sacando a la palestra una realidad y del modo que les gusta, con estadísticas. Y esta estadística es vigente en la actualidad: El 95% de las solicitudes que se presentan, son rechazadas, no es algo subjetivo con lo que yo haya jugado. Es un dato objetivo y por cierto, bastante curioso.

Pregunta: ¿Cómo surge este proyecto?

Miguel del Arco: Surgió para celebrar el 20 de junio, el día mundial del refugiado; entonces Estrella Galán que es la coordinadora territorial de CEAR, la Coordinadora Española de Ayuda al Refugiado, con la que mantengo una gran amistad, me pidió hacer algo diferente; no quería hacer otra vez una gala con un músico, con un manifiesto... porque al fin y al cabo hay tantos días mundiales, que podemos llegar a confundirnos... Y ella creía que ésta era una realidad muy desconocida; con lo que empezamos a hablar y poco a poco fue tomando forma “El proyecto Youkali” lo que pasa es que era una cosa complicada porque a todos los efectos era poner en pie una función y nosotros no teníamos ni presupuesto ni nada, así que a partir de ahí comenzamos a pedir favores y afortunadamente los dos tenemos muy buenos amigos y tenemos mucha capacidad de convencer... También la causa lo merecía y el texto le gustaba a la gente... por lo que se fueron sumando profesionales de primera línea... Así el proceso fue cogiendo forma. En un principio pensamos que el proyecto se hacía para un día, que fue cuando el Teatro Español nos cedió El Matadero para ponerlo en pie, pero lo vio Mario Gas, le pareció que aquello no podía ser flor de un día, que debíamos tener más recorrido y que le apetecía que lo tuviese su teatro y nos abrió las puertas del Español y hemos inaugurado la temporada y la sala.

Pregunta: Creo que en el elenco no sólo hay actores profesionales, sino también refugiados...

Miguel del Arco: Sí es una de esas coincidencias felices que surgió cuando empecé a preguntar y conocía a nadie procedente de África y quería que hubiese alguien representando a ese continente, porque desgraciadamente es el granero de refugiados... y preguntando a gente y empezando a lanzar anzuelos para ver por dónde podíamos tirar, un compañero me dijo que porqué no recurría a un actor con el que él estaba trabajando que además de ser profesional es refugiado y por eso conocí a Donat Mbuyi venido de La República (mal llamada) Democrática del Congo, que tuvo que salir después de haber estado en la cárcel, dejando allí a su mujer y a su hija de diez años... y Aquí está, y es una de esas personas que tras haber pasado por la cárcel y viendo su vida en claro peligro, su solicitud fue rechazada; actualmente se encuentra con un permiso de residencia que obtuvo “in extremis” y así está, pero él no tiene el estatuto de asilo.

Pregunta: Comentas que se trata de una realidad desconocida; tal vez cuando vemos a un inmigrante no nos paramos a pensar porqué está aquí, cuál es su causa y los catalogamos de una única manera y como decías anteriormente nos hemos acostumbrado y lo peor de todo es que no nos importa ni nos preocupa...

Miguel del Arco: Sí y yo el primero. Para mí ha sido una realidad que ha cambiado al paso que íbamos poniendo en pie la obra; Yo no era una persona realmente concienciada a ese respecto, es decir, conocía un poco la situación pero tampoco era extenso, de hecho, he hecho ese camino a la par que el espectáculo. A la conclusión a la que llegas siempre es que la gente que se marcha de su país, que deja sus referentes, su educación, su familia, sus amigos... eso no se elige por vocación, se opta por ello porque su situación económica es acuciante o porque estás aplastado por una dictadura o porque no te dejan expresarte en libertad o porque no te dejan amar en libertad, porque la homosexualidad está muy perseguida e incluso penadas mortalmente en muchos países, con lo que, tienes que renunciar a tu naturaleza o comportarte de una forma que no tiene nada que ver con tu vida... entonces, esta gente nunca elige libremente marcharse de su país... por eso los cuatro testimonios terminan todos diciendo que no querían venir a este país, porque no hay una vocación de venir aquí, si ellos pudieran haber hecho su vida donde tenían a toda la gente que han querido, donde tenían sus referencias, lo hubieran hecho... y luego la realidad que se desconoce fundamentalmente, porque sí se conoce que viene mucha gente, pero la realidad de poner en pie una vida una vez que ya estás aquí, habiendo renunciado a todo y sabiendo que no vas a poder volver nunca más a tu país, y a ver a tus seres queridos es de una dureza extrema... para mí al menos es inimaginable...

Pregunta: He leído algún comentario donde se expone la falta del argumento del país que no permite la permanencia de estas personas, el país de origen de estas cuatro voces...

Miguel del Arco: Yo también lo he leído, y lo admito; admito las críticas porque es algo muy subjetivo... pero me extraña que alguien necesite...

Pregunta: El llamado “conflicto”...

Miguel del Arco: Ya, pero el “conflicto”... no sé, alguien que me está diciendo que no tengo libertad para amar a quien me dé la gana... Es que es un argumento que no quiero escuchar, es decir, ese argumento no puede existir... Puede haber muchas opiniones al respecto, pero es que estás haciendo tu trabajo... es que los cuatro casos que El Proyecto Youkali plantea son reales, entonces qué argumentos se pueden plantear, qué explicación posible hay para decir que te voy a encarcelar porque estás enamorada de una mujer o viceversa... Es un argumento que no tiene cabida, que no puede ser, hay que denunciarlo sea como sea y perseguirlo esté donde esté, no hay explicación posible, está mal y punto. Es que estás cercenando libertades tan básicas, tan principales... Nos podemos pelear si vamos a prohibir el tabaco en un determinado lugar, pero no estamos hablando de estas cosas, eso me parece una minucia y puede haber debate al respecto, pero cómo opinar en estos casos, en el caso de una mujer que ha sido sometida a malos tratos, una vejación tras otra, una violación tras otra, que va a denunciarlo a la policía y que por las relaciones de su marido, maltratador y violador, con el ejército es machacada, es expulsada, desprovista de su clínica... O la jueza, que intenta hacer su trabajo y es perseguida sistemáticamente por un señor en connivencia con la justicia o injusticia de su país y no puede sacar adelante ese trabajo y tiene que marcharse de su país porque si no lo hace la matan... No sé, si alguien necesita tener un argumento... Es como si le pidiéramos a Hitler la razón por la que mató a miles de judíos... Me parece que no ha lugar.

Pregunta: Sobre todo, cuando en este país, no hace tanto pasaba más o menos lo mismo y muchos españoles fueron también refugiados...

Miguel del Arco: Exactamente. De ello hablamos mucho Estrella y yo, sobre la idea de... también nos han criticado mucho por la inverosimilitud del final, de que se diera la vuelta y el que estaba sentado presentando el programa en un país que en un principio es libre, se dé la vuelta y por los cambios políticos ese país deje de ser todo lo libre que era y puedan empezar a pasar cosas como las que pasan en las dictaduras... Y a mí me hacía mucha gracia eso de pensar que la gente no lo creyese o lo considerase imposible... cuando, como dices, hace cuarenta años vivíamos en una dictadura... Ha sido muy emocionante encontrarme con personas que han venido a ver la función, que han pasado por lo mismo, que han estado perseguidas... que en un primer momento pensaban que no podía ser posible, que de repente se encontraron presas, sin libertades, sin derechos... Y fue exactamente lo que ocurrió con Hitler, en Alemania se vivía feliz, y ellos pensaban que este señor les iba a solucionar la vida, y de repente se dieron cuenta y cuando se despertaron se dieron cuenta de lo que habían hecho, de lo que había ocurrido... cómo habían llegado al infierno.

Pregunta: Formas parte de la productora “Kamikaze” tenéis muy pocos años de vida ¿verdad?

Miguel del Arco: Sí, empezamos haciendo cortometrajes. Aitor Tejada y yo (los dos formamos esta productoras) éramos actores y hemos devenido él en productor y yo en director, nos vamos dividiendo las tareas y la verdad, formamos un tándem perfecto. Poco después dimos un paso más, comenzamos a producir e hicimos “La función por hacer”, nuestra primera producción. La verdad es que nos ha cambiado la vida radicalmente, a partir de ahí estamos haciendo un montón de proyectos y la verdad es que estamos muy contentos.

Pregunta: Sin duda uno de los mejores títulos de la pasada temporada. Creo que tardasteis cuatro años en poder hacerla realidad...

Miguel del Arco: Sí, lo de siempre, hay una parte romántica... todo el mundo quiere hacer cosas diferentes, pero claro, también, todo el mundo quiere cobrar, y como era una cosa en la que teníamos que decir, mira no tenemos dinero vamos a intentar sacar esto, si llegamos a buen puerto bien, sino, mala suerte... Fue duro... En ese momento no pudo ser porque el elenco estaba muy ocupado y nos resultaba difícil juntarnos, lo dejamos reposar y cuando salió, lo volvimos a intentar, tuvimos la suerte de encontrar un elenco absolutamente comprometido y feliz, porque es un elenco feliz, lo fue desde el principio y de ahí surgió todo. Luego fue relativamente fácil porque aunque tuvimos que esperar y no teníamos ningún tipo de apoyo de sitios donde pudiésemos estrenarlo ni nada, vino todo rodado... la gente se entusiasmó desde el primer momento con este texto, las tres primeras funciones que hicimos en la sala de ensayo fue un rotundo éxito, ahí ya estuvo Ayanta Barili, lo vio, nos propuso el Lara, luego fue Barcelona, la gira, estamos llenos de bolos... tenemos otra producción con el mismo elenco para el Teatro de la Abadía... ha sido un año realmente feliz.

Pregunta: ¿Es difícil encontrar profesionales, compañeros con esa capacidad de compromiso?

Miguel del Arco: Yo te tengo que decir que no, porque en estas dos últimas experiencias hemos tenido mucha suerte... hemos ensayado a deshoras, han estado siempre a plena disposición, hemos contado con un equipo de treinta personas que se dice pronto y de ellos hay gente que pertenece al teatro amateur, otros que no son actores, pero luego hay actores de primera línea y no te quiero ni contar el equipo técnico, Juanjo Llorens, Álvaro Luna... gente que está haciendo los montajes que se pueden ver en los teatros nacionales... y sin embargo, les dije que no tenía dinero, que no pensaba pagarles y que además tenían que trabajar mucho... y aún así, aceptaron sin problema alguno... no tuve que explicar más cosas, el texto les gustaba, la causa era más que justa (en “El Proyecto Youkali”)... yo creo que cuando tienes las ideas claras... Por otro lado, ya nos conocen y saben que somos serios y que las cosas nos gusta hacerlas bien, esto es importante, porque la gente lo que quiere es trabajar y hacerlo a gusto, no quiere perder el tiempo... y para eso Aitor es una garantía total.

Pregunta: Nos hablabas de otro proyecto en el Teatro de la Abadía...

Miguel del Arco: Sí, son “Los veraneantes”. Aún estamos dándole forma al montaje, vamos a partir del texto de Gorki, para dislocarlo... vamos a trasponer la acción de principios del siglo XX a principios del siglo XXI y de Rusia nos vamos a venir a España...nos gustaban estos personajes encerrados en un paraíso supuesto, donde han ido todos a disfrutar, a relajarse y cómo comienza a aparecer esa incapacidad para ser feliz aunque todo el mundo lo intente de una manera compulsiva... nos apetecía hablar de ello... Así que hemos cogido la historia y ahora mismo estamos dando forma al texto final. Comenzaremos a ensayar a finales de febrero para estrenar el 13 de abril en La Abadía.

Pregunta: ¿Qué necesitaríamos para crear un lugar como Youkali?

Miguel del Arco: El otro día hablaba con compañeros, con Estrella... hablábamos de las utopías, que tiene mucho que ver con lo que estamos manejando en “Los veraneantes” donde se dice que las utopías comienzan por las cosas más cercanas, es decir que hay que pensar a lo grande para que los sueños sean provechosos... y decíamos que realmente hemos construido un Youkali, que el Proyecto Youkali al final se ha construido porque pensar en dar forma a este proyecto, con un texto escrito Ad Hoc y demás... la cosa parecía bastante peregrina, la verdad... porque yo estaba muy ocupado con un montón de cosas... si hacer una función con la que piensas tener un rendimiento económico es difícil, imagínate ésta, donde el esfuerzo es exactamente igual nada más que para hacerlo un día... me parecía muy difícil, la verdad... y lo hemos logrado, lo hemos construido, así que “Los Youkalis” son posibles, todo es posible... creo que gran parte de los problemas de nuestra sociedad actual viene porque hemos renunciado a la idea de la utopía, de las cosas que nos mueven... Si metes la palabra “utopía” en el google encuentras más nombres de tiendas y marcas de ropa que realmente lo que significa... es bastante gráfico ¿no?

Sofía Basalo.

... LUIS CANSINO (Agosto 2010)

2011-03-12T03:53:00.000-08:00

La zarzuela supone una de las citas ineludibles en los veranos madrileños. En esta ocasión ha sido José Luis Moreno quien ha puesto en marcha un ambicioso proyecto de zarzuela en uno de los grandes teatros de la capital. Durante el mes de julio pudimos disfrutar de dos de las zarzuelas más populares: “La verbena de la paloma” y “La Gran Vía” y durante el mes de agosto, bajo el título “Lo más grande en zarzuela” se pudo disfrutar de una antología muy completa y sobre todo muy visual. Uno de los grandes intérpretes que tras cinco años ha regresado al verano de la capital, ha sido Luis Cansino, con él hemos querido charlar, para conocer más de cerca su trayectoria profesional:

Pregunta: Creo que la música clásica, ópera, zarzuela, aparecen muy pronto en tu vida. Creo que con 9 años comenzaste a estudiar en el conservatorio...

Luis Cansino: Sí; a los 9 años empecé en el conservatorio, en aquel momento conservatorio profesional de música de Vigo y hoy ya Conservatorio Superior de Música, esto implicaba que la carrera superior había que realizarla en Madrid, en aquel momento...

Pregunta: Hasta ese momento quién percibe en ti la gran figura que hoy eres...

Luis Cansino: Es curiosa la situación; yo era un niño que cantaba desde muy pequeño, de hecho mi madre me dice que cree que yo cantaba antes de hablar de una manera clara... lo cierto es que mi familia es gallega, aunque nací en Madrid y estábamos viviendo en Vigo y un día me escucharon cantar en el edificio donde vivíamos; me escuchó cantar un señor que era hermano de una vecina que trabajaba para una emisora de radio que se llamaba “La voz de Vigo”; en aquel momento en España existía esa cadena que se llamaba “La voz de...” cada ciudad en la que estaba, que luego fue absorbida por otras emisoras... pero en aquel momento tenía muchísima importancia... para no hacer la historia demasiado larga, lo cierto es que bajaron, llamaron a la puerta, querían saber quién era el chico que cantaba y cuando vieron a un renacuajo de ocho años, se quedaron un poco sorprendidos. Yo no cantaba nada de zarzuela ni de ópera ni nada por el estilo; cantaba música melódica, canciones de Nino Bravo, Albano, Raphael... Entonces me llevaron a un programa de radio, donde me escucharon y allí me aconsejaron que estudiase música y lo cierto es que yo empecé una actividad durante tres años, dos tres veces por semana, yo participaba en este programa de radio por las tardes, cantaba a capella, la gente llamaba, me pedían canciones y además me bautizaron como “El ruiseñor del noroeste”... yo creo que esto iba un poco con la similitud de Joselito y lo de “El ruiseñor de las cumbres”... Lo cierto es que el motivo por el cual yo empiezo a estudiar música es precisamente por ese motivo y efectivamente de forma automática mi madre me lleva al conservatorio y empiezo a estudiar al siguiente año.

Pregunta: Y debutas profesionalmente en 1987...

Luis Cansino: Sí, con 20 años, muy joven... En el Centro Cultural de La Villa, que ahora se llama Centro Cultural Fernando Fernán-Gómez. Allí se celebraban dentro de los Veranos de la Villa, temporadas asiduas de zarzuela que duraban tres y cuatro meses en el verano, y en aquel momento, por mediación de una amistad, me escucharon, me dijeron que evidentemente era muy joven, pero les gusté y tanto fue así que a las pocas semanas me llamaron para sustituir a un gran barítono ya retirado que es Luis Villarejo, en un programa que había esa semana que se realizaba dentro de la temporada, que era una antología dedicada al maestro Francisco Alonso, y ahí debuté el 27 de agosto de 1987.

Pregunta: En la Ópera debutas más tarde, en 1991...

Luis Cansino: Sí, cuatro años más tarde en México en la temporada internacional de Ópera de Morelia y debuto con El Escamillo de “Carmen”; además tengo una anécdota muy bonita porque me tocó debutarlo con una gran Mezzosoprano mexicana, Marta Félix, que ella lo había cantado mucho, además curiosamente en su debut lo cantó junto a mi maestro, Pedro La Virgen y yo lo cantaba en mi debut con ella, son esas cosas curiosas de la vida...

Pregunta: Comentas que en la ópera debutas en México, un país muy importante en tu vida...

Luis Cansino: Muy importante. Yo viví allí 6 años, todo fue también muy casual. Tras mi debut en 1991, entro a formar parte de la famosísima antología de la zarzuela de José Tamayo, en aquel momento se preparaba el espectáculo “Antología de la Zarzuela 25 aniversario” y me incorporo al elenco de la Antologías como primer barítono; yo tenía 23 años, tengo la suerte de cantar con grandísimos colegas y además la suerte maravillosa de, en la gala del 25 aniversario que se retransmitió a todo el mundo por Televisión Española y que además ha quedado grabada para la posteridad, cantar junto a Montserrat Caballé y José Carreras y efectivamente dentro de la gira internacional que se realizó, recalamos en México y debuté en el Palacio Bellas Artes de la ciudad de México y el director de la ópera de México me escuchó cantar, le gustó, me citó al día siguiente en su despacho, hice una audición y a partir de ahí empezó mi aventura mexicana, por decirlo de alguna manera.

Pregunta: También te han nombrado embajador cultural para la paz en Chiapas...

Luis Cansino: Sí, esto ocurre porque entro en contacto con un compositor mexicano llamado Federico Álvarez del Toro, él es oriundo de Chiapas, y en aquel momento estalla el conflicto zapatista; él estaba componiendo una ópera llamada “El canto de los volcanes” cuyos personajes éramos elementos de la naturaleza, él me conoce y decide confiarme el papel protagónico de la ópera, el del volcán. Hay que decir que además que ésta es una ópera que está cantada en Maya, por tanto, eso también añadía una dificultad importante. Nosotros hicimos el estreno en la ciudad de México en la explanada del Museo Nacional de Antropología y estalla de una manera definitiva el conflicto de Chiapas y en aquel momento el gobierno de la república decide que sería una buena forma a través de la cultura y concretamente de la música, intentar hacer algo para contribuir a la paz, entonces me nombran junto a los otros tres solistas y al compositor de la ópera, embajadores culturales para la paz y nos vamos a hacer una pequeña gira a Chiapas, en pleno conflicto armado, por las ciudades de Tapachula... San Cristóbal de las Casas, ciudad emblemática en el mundo Maya, en el mundo de Chiapas y concretamente en el conflicto zapatista y fue una experiencia increíble, de hecho fui detenido por los zapatistas, porque justo después del concierto de San Cristóbal de las Casas me hicieron una entrevista, evidentemente yo era el español del elenco y creo que llamaba mucho la atención conocer la opinión de un español sobre todo este tipo de cosas, entonces yo di mi opinión, respetando creo que a todo el mundo, y optaron porque de cara al resto de gira yo no fuera con el resto de la compañía, sino en un coche aparte, teóricamente protegido, y curiosamente ese coche aparte, fue el que fue parado por los zapatistas... sin embargo no pasó nada porque, precisamente el salvoconducto para que pudiéramos continuar por el que me reconocieron y es que les gustó lo que dije... es decir, en cuanto al respeto a la identidad de cada pueblo y todo este tipo de cosas que yo siempre creo se ha de tener en cuenta... pero no deja de ser una anécdota curiosa...

Pregunta: La Zarzuela ha sido algo muy importante en tu carrera profesional, pero no sólo a la hora de interpretar, sino que has participado en la recuperación de algunas partituras olvidadas...

Luis Cansino: Sí, de muchas, de hecho ha habido una época en la que prácticamente cada vez que se quería rescatar un título por coincidencias siempre estaba yo ahí... no sé si era porque yo era el que decía que sí o por lo que fuese... pero sí ha coincidido que son muchas las obras en las que he intervenido a la hora de rescatarlas... el acerbo cultural de la zarzuela española es inmenso pero evidentemente muchas quedan en el olvido y lamentablemente muchas de las que se rescataron han vuelto a quedar olvidadas... como mera anécdota de que se hicieron pero nada más... probablemente es complicado para los programadores poner títulos que no son conocidos, que no son populares, supongo que ése será el motivo...

Pregunta: ¿No crees que la institución competente para ello es el Estado y por tanto el Teatro de la Zarzuela?

Luis Cansino: Por supuesto, la labor debería desempeñarla el Teatro de la Zarzuela, de hecho lo ha llevado a cabo en algunos títulos, evidentemente, pero debería ser algo fundamental en esta institución... quien lo puede hacer es el teatro público, el Teatro Nacional es el que tiene los medios para poder rescatar y recuperar títulos... lo han estado haciendo, hay que ser justos, con algunas obras que no se habían hecho, pero creo que la labor debería ser mayor y luego esas obras deberían ser exportadas a otros sitios de la península para que el público también las conociera.

Pregunta: ¿Crees que en España no se valora lo suficiente este género?

Luis Cansino: Yo creo que la zarzuela ha tenido momentos peores que el actual. Creo que la zarzuela tuvo una decadencia y una crisis bastante fuerte en los años setenta y ochenta porque además no salían nuevos cantantes, por ejemplo había algo importante y era una crisis muy importante en la voz de barítono, y además es la voz fundamental en la zarzuela; así como en la ópera el tenor suele ser el galán, en la zarzuela es el barítono; la mayoría de los protagonistas masculinos en zarzuela son barítonos, entonces en aquel momento no salían nuevas voces y por otra parte, había una decadencia importante en las producciones, todo valía, y evidentemente eso hizo que la zarzuela entrara en una crisis tremenda; pero creo que hubo un momento crucial en la zarzuela que es la entrada de Emilio Sagi en la dirección del Teatro de la Zarzuela, y también la de José Antonio Campos y que aunque son reconocidos, el tiempo como casi siempre suele pasar, pondrá a estas dos personas en su sitio y marcará la dimensión tan extraordinaria de lo que significó su presencia en el mundo de la zarzuela en cuanto a renovación, sacar nuevos cantantes, nuevas producciones, nuevos conceptos teatrales... creo que esto fue fundamental para la regeneración de la zarzuela...

Pregunta: De hecho has comentado en algún medio de comunicación que le darías el Premio Príncipe de Asturias de las Artes a Emilio Sagi...

Luis Cansino: Sí, es que creo que Emilio Sagi merece ese premio... y más siendo asturiano, quizá precisamente por eso no se lo han dado, pero claro que lo merece, lo he dicho y lo sigo manteniendo... Es una persona emblemática en el mundo de la lírica, que lo ha hecho todo y que ha sido todo y lo es en la lírica en nuestro país; no sólo es un excelente director de escena, sino que también es un gran gestor cuando lo ha tenido que ser y lo ha demostrado tanto la zarzuela, en el Real y ahora en el Arriaga de Bilbao, es reconocido internacionalmente y luego además, y es algo fundamental, es una persona queridísima por todos los artistas, yo no conozco a ningún cantante, director musical, escenógrafo, actor que hable mal de Emilio, pero no sólo en España, sino en el resto del mundo. Es una persona que hasta para enojarse, para llamar la atención o para regañar a alguien tiene un estilo, una educación exquisitos... lo que demuestra que para ser un grande no se necesita ser un energúmeno, evidentemente... porque hay grandísimos creadores, cuyo talante deja bastante que desear, en el caso de Emilio no es así, entonces creo que reúne todos los requisitos para que, ojalá pronto le den este reconocimiento...

Pregunta: Hablando de dirección de escena, no sé si a la hora de dirigir escénicamente una zarzuela o una ópera, ese regidor debe tener en cuenta que ante todo, en este caso, sois cantantes...

Luis Cansino: Por un lado creo que es fundamental que un director de escena tenga un acercamiento a la lírica, porque aportan un concepto importantísimo y fundamental a la puesta en escena que es el concepto teatral, el concepto visual que muchas veces en producciones de ópera deja mucho que desear por la interpretación; pero, es fundamental que estos señores conozcan de lo que va la cuestión. Esto no es sólo una obra de teatro, es teatro musical y hay que conocer la música, hay que saber de voces, saber cómo es cada personaje y saber que en un momento determinado hay impedimentos que hay que tener en cuenta a la hora de llevar a cabo un montaje, que en el teatro convencional no existe. Por otro lado, somos cantantes, sí se debe tener en cuenta pero tengo que decir una cosa al respecto digamos un poco en contra de mis colegas, de los cantantes; vamos a ver, la época en la que el cantante salía y cantaba bonito, eso se ha acabado, porque claro, todo ha evolucionado; Antes cuando la gente veía ópera sólo cuando iba a un teatro porque no había otra manera de verla y además iba la gente hiperpudiente, porque no había ni siquiera ofertas más asequibles, pues podría entenderse que salieran dos señores y dijeran que se amaban a cuatro kilómetros de distancia y sin mirarse y prácticamente sin tocarse... pero esto no es creíble... y el teatro por encima de todo tiene que ser creíble y la gente tiene que salir convencida de que lo que ha visto le ha puesto la piel de gallina, aunque haya sido una obra bufa. La gente tiene que salir convencida de que eso ha sido verdad, y que durante un número determinado de horas se ha creído esa historia y para que eso pase el primero que se ha de creer lo que cuenta o canta es el artista y los artistas debemos tener una preparación que va mucho más allá de la cuestión vocal; hay que tener una preparación interpretativa motriz, artística, conceptual, de movimiento, gestual, de palabra... en el caso de la zarzuela de saber decir en el escenario, de saber hablar... a veces hay muchos cantantes que sólo se preocupan de la cuestión vocal y que para que la voz salga así, yo no tengo que hacer más que esto y no puedo moverme de tal modo... yo creo que todo es factible y que siempre se puede llegar a un punto intermedio, si hay buena voluntad... claro que si hay imposibilidad la hay... pero a mí por ejemplo, me han tocado hacer producciones complicadas escénicamente, mi debut en Falstaf fue el año pasado, en una producción de Estéfano Poda, un director conceptualmente complicado para los artistas, aunque sus montajes son maravillosos... A mí me tocaba subir y bajar y cantar en pendientes de 50 por ciento de inclinación... ¿esto es complicado? Claro que sí, pero siempre se puede buscar el punto intermedio donde el director entienda lo que uno puede hacer y evidentemente que el cantante no diga por sistema “No esto yo no lo hago” que eso lo dice mucha gente... esto tampoco puede ser.

Pregunta: Una gran lección...

Luis Cansino: Sí, y creo que eso es lo fundamental... A fin de cuentas nuestro trabajo es la labor creativa de alguien y eso también hay que respetarlo; Otra cosa es que sea un imponderable que uno no pueda hacer, entonces se busca en común otra cuestión... Yo por ejemplo con Estéfano, con el que además a raíz de ahí me une una enorme amistad, porque en definitiva yo era el protagonista de la ópera y evidentemente “Falstaf” sin él no existe; entonces, cuando hubo algo que a lo mejor había cierto choque o problema para el resultado canoro, él lo entendió perfectamente con argumentos lógicos, pero evidentemente yo siempre que puedo hago lo que el director me pide, esto es claro y si no puedo me lo invento de otra manera, pero creo que ésta es la manera de que el espectáculo salga redondo.

Pregunta: Actualmente te hemos visto en el Nuevo Teatro Alcalá en la producción de Zarzuela de José Luis Moreno, ¿qué tal ha sido esta experiencia veraniega en Madrid?

Luis Cansino: Hace tiempo que no hacía temporada de verano en Madrid, hacía ya algunos años, probablemente cinco años; es una experiencia no nueva pues estar en una antología ya sé lo que es; es una experiencia de reencuentro con el público madrileño desde ese punto de vista... y agradable, no puedo decir otra cosa... José Luis es una persona que tiene un concepto televisivo del espectáculo, ése es su concepto, lógicamente es un hombre de televisión y todo lo concibe desde el punto de vista visual. Entonces, desde este punto de vista sus espectáculos son muy interesantes, habrá a quien le gusten más o menos determinadas cuestiones, como también a nosotros mismos; no todo vale, ni todo es perfecto ni maravilloso, pero tampoco lo es en ningún sitio ¿eh? En cualquier caso, es su concepto; uno lo conoce, a uno lo llaman, y si uno no lo quiere hacer pues dice que no, esto es así de simple porque a uno no le ponen una pistola en el pecho para estar en un sitio o en otro y creo que todos los que estamos es porque queremos estar y porque independientemente de que nos apetezca estar se han llegado a los acuerdos pertinentes y ya está. Pero el espectáculo desde el punto de vista visual es un espectáculo que gusta a la gente, eso es claro.

Pregunta: Has comentado que con un espectáculo como este llamado “Lo más grande en zarzuela”, una antología; se puede crear un público nuevo, un público que a partir de aquí conozca el género; ¿notas que se va abriendo el abanico a un público más joven, a un nuevo público en definitiva?

Luis Cansino: Evidentemente es una época mala porque es verano; mucha gente dirá que casi siempre en verano se ha hecho zarzuela, sí es cierto, de hecho debuté en verano y con zarzuela, pero no se puede olvidar que estamos en una época de crisis... y todo afecta, y el mes de agosto particularmente, es un mes complicado porque es cuando más gente se va de Madrid, entonces, todo ello entraña cierta dificultad para que un espectáculo arranque y tenga el éxito esperado, de todas formas siempre he creído que José Luis Moreno es un hombre visionario, entonces creo que probablemente ha decidido hacerlo ahora y estoy convencido de que esto va a continuar el tiempo que lo considere oportuno hasta conseguir calentar suficientemente el teatro; creo que evidentemente es de este tipo de espectáculo que puede llamar la atención a gente que no conoce lo que es la zarzuela y que en lugar de ver un título completo, lo que ve son fragmentos de un espectáculo más dinámico, más rico desde ese punto de vista, se empapa del género en sí y probablemente si un buen día oye que se va a poner en tal sitio un título determinado de zarzuela, dirá “Ah, eso estaba en esta antología que vi en el Nuevo Alcalá”Es, evidentemente una manera perfecta ya no sólo para atraer a un nuevo público sino para que gente que desconoce la zarzuela la conozca de un modo más light y mucho más asequible.

Pregunta: ¿Cuáles son tus proyectos más inmediatos tras esta experiencia veraniega?

Luis Cansino: En Madrid terminé a mediados del mes de agosto, porque mis compromisos así me lo exigieron. Con la misma productora, están haciendo unos espectáculos en Gijón, estaré en Asturias haciendo “La Traviata” y de inmediato, ya en septiembre me marcho a Cartagena de Indias, Colombia, a cantar una gala lírica y “Carmen” y ya regresaré a España y pocos días después me marcho a la temporada de zarzuela de Lima, a hacer “La leyenda del beso” y una gala lírica y después finalizo el año debutando en la ópera “L’elisir d’amore” en la temporada de ópera de Oviedo.

Pregunta: Tras tus viajes por todo el mundo, tras los años que viviste en México, ¿crees que España está en desventaja cultural y musicalmente?

Luis Cansino: Esto es un tema un poco complicado. Evidentemente no podemos negar un hecho que es así, es una realidad. La cultura musical española es menor que en otros países, pero la culpa no la tenemos los españoles, la culpa la tienen los gestores políticos que han hecho durante generaciones y generaciones... les ha importado tres pitos la cultura desde el punto de vista educativo, es decir, incluir de verdad la cultura en el sistema educativo español, éste es el gran problema; es decir, es famosísimo el hecho de que los colegios que daban la asignatura de música, era una asignatura, si se me permite la expresión, de cachondeo, aparecía cualquier profesor, le tocaba dar música y en el mejor de los casos tocaban la flauta, lo cual era de risa porque cómo se puede enseñar un instrumento sin enseñar las bases de la música previamente, es decir, el solfeo, antes, a los críos... y en la inmensa mayoría de los casos era a la hora en la que se dedicaba al estudio o a que los críos estuvieran de juerga en las clases... ésta era la realidad y por lo tanto no podemos hablar de un pueblo culto musicalmente desde el punto de vista clásico... porque desgraciadamente la formación ha sido ésa... el día en que en España con la misma alegría, que se ha evolucionado y avanzado mucho, y no hablo en Madrid, me refiero a cualquier ciudad chiquitita como sucede en los pueblitos de Austria o Alemania, un señor, con la misma alegría que sale de su trabajo, se quita el mono de trabajo y se va a ver un partido de fútbol o con la misma alegría se va al concierto de la orquesta de su ciudad... ese día tendremos la normalidad musical... lo que evidentemente sí hay es enormes diferencias entre sitios... pero en pocos sitios nos pueden ganar en sensibilidad, podrá haber poco conocimiento, pero hay desde luego sensibilidad y la gente no es tonta, y sabe lo que le gusta y pueden no entender ciertas cosas desde el punto de vista técnico, pero no hay cosa más maravillosa que alguien con desconocimiento, a lo mejor, te diga que le has emocionado... porque significa que le has llegado... pero sí estamos a bastantes años luz, sí...

Sofía Basalo.

... INGE MARTÍN (Diciembre 2010)

2011-03-06T03:55:00.000-08:00

“La gente está llenando los teatros” y esto lo dice una actriz que acaba de cumplir cuatrocientas funciones en uno de los éxitos de la anterior temporada y seguramente de la actual. Hablamos de Inge Martín, quien interpreta a uno de los pacientes que se dan cita en la sala de espera de un prestigioso psicoterapeuta, en la obra de teatro “Toc Toc”.
Hemos podido charlar con esta joven apasionada de la interpretación y del estudio:

Pregunta: Estáis cumpliendo las 400 funciones de “Toc toc” en el Príncipe Gran Vía. Atravesamos unos tiempos difíciles que sin embargo no están afectando a esta estupenda comedia ¿cuál es el secreto?

Inge Martín: Yo creo que “Toc toc” además de un éxito evidente, es un conjunto de aciertos. Es una obra inteligentísimamente escrita, para buscar la risa, muy bien dirigida, muy efectiva y con un reparto que levanta la carcajada desde el primer momento. La gente disfruta tanto en esta función... Está muy bien hecha en todos los puntos para despertar la carcajada.

Pregunta: Has comentado que es una obra que busca la risa, pero no lo hace de forma descarada. La risa está en el propio planteamiento y eso lo habéis respetado, cuando en teatro es muy fácil cruzar la invisible línea que convierte la risa en algo vulgar.

Inge Martín: Sí, y además nos lo dicen... Nos dicen que está hecha de manera fina. No buscamos la risa fácil, ni ir a lo evidente; Además estaba planteada tal cual, tanto por el autor, como por la producción francesa, y también es lo que buscó nuestra producción, que nos decía que los personajes tenían que ser personas normales que se encuentran en la sala de espera de un terapeuta, de un psicólogo y tienen unos problemas, pero son personas normales y son las circunstancias las que resultan hilarantes y provocan la risa.

Pregunta: ¿Cómo fue el proceso de ensayos, de mantener esa línea, con Esteve Ferrer, que desde la primera temporada forma también parte del reparto?

Inge Martín: Sí, desde casi el comienzo de la primera temporada y además es el que lleva el ritmo de una manera magnífica y aguanta energéticamente, porque es muy cansado... Es una función que te lo exige todo, realmente. Buscamos, precisamente, la normalidad. Simplemente estás ahí, hablas, te diriges a uno, escuchas a otro y de repente surge pero no de manera deseada, sino espontánea, tu “TOC”, tu trastorno; pero es algo que no empapa al personaje todo el tiempo, sino que es algo, como es el mismo “toc” que surge de manera inesperada por la propia persona que lo sufre y que no puede taparlo, entonces, claro, resulta hilarante, pero no lo empapa todo; sino que está en esos momentos.

Pregunta: El “toc” de tu personaje consiste en la necesidad irrefrenable de repetir las últimas frases...

Inge Martín: Sí, de hecho lo repite todo, no sólo las últimas frases... es tremendo... la gente se queda muchísimo con el personaje, le hace muchísima gracia... Incluso la gente que viene a ver la obra, sale pensando o imitando nuestros “tocs”, se queda con esa obsesión o de repente se reconoce en alguno de los personajes o en alguna de sus obsesiones... No sé, las líneas en el suelo, cerrar las puertas... da un poco de mal rollo...

Pregunta: Sí, en cierta forma, ¿quién no ha jugado a no pisar las rayas del suelo de la calle..?

Inge Martín: Sí, el otro día, una amiga me decía “yo reconozco que de pequeña jugaba a no pisar las líneas”... parece que lo hemos hecho todos y la gente de repente descubre en sí misma tocs de los que se habla en la función... es algo que algunas personas lo tienen de forma patológica pero que está presente en la psicología o en la neurobiología del género humano...

Pregunta: Eres una actriz con un extenso currículum, aunque comenzaste a estudiar Derecho, antropología social... ¿Cómo decides finalmente dedicarte a la interpretación?

Inge Martín: No es exactamente así, pues estudié derecho, pero lo hice mientras estudiaba arte dramático y mientras trabajaba como actriz, me licencié como antropóloga social y cultural...

Pregunta: ¡Qué capacidad!

Inge Martín: Bueno, curiosidad o gusto por el estudio... o llámalo como quieras; otros quizá estuvieron haciendo deporte mientras estudiaban o trabajaban como actores...

Pregunta: ¿Cómo decides dedicarte a la interpretación?

Inge Martín: Desde el principio fueron las dos cosas a la vez, entonces, estudié la carrera oficial como actriz, que ha sido siempre mi ocupación principal. Yo he sido siempre, desde que empecé a trabajar que fue inmediatamente tras acabar la carrera, siempre he sido actriz; lo otro ha sido como algo que uno hace por placer y que acompaña a tu vida profesional y a la vida, en general.

Pregunta: ¿Es complicado hacerse un hueco en este ámbito. Te ha costado llegar a dónde estás?

Inge Martín: Es dificilísimo pero es algo que no puedes explicar y nadie se va a hacer a la idea... lo mejor que se puede hacer es irse a las estadísticas que últimamente, hace unos años se hizo la primera estadística de este sector socioeconómico, en la que aparece cuánta gente hay dedicándose a esto, cuál es el volumen real de parados, cuál es el volumen real de gente que no está parada pero no le da para vivir, etc.... los ingresos medios... ve a la estadística y descubrirás unos resultados escalofriantes... muy fuerte...

Pregunta: Leo que el teatro es para ti, tu medio habitual y visceral...

Inge Martín: Sí, es una profesión a la que te dedicas por amor al arte, literalmente, quiero decir que lo haces por placer, por gusto, estudiar esa carrera es una cosa maravillosa, fueron cuatro años de placer visceral, de gozar cada una de las clases, desde las teóricas hasta las prácticas, de creatividad constante dentro del grupo, que conforma tu clase y es lo que buscas cuando sales al mundo profesional...

Pregunta: Podemos decir que la interpretación es una forma de vida...

Inge Martín: Como te digo, si vas a la estadística, es algo tan duro que si no tienes realmente pasión, es muy difícil que alguien se dedique a esto, es más difícil encontrar un espíritu de funcionario, con perdón, que están cargadísimos de tópicos, pero para que nos entendamos... es más difícil encontrar eso, porque no te compensa... si no te aporta muchísimo de una manera visceral... no le compensa a nadie, porque es un trabajo en el que el volumen de la tasa de paro duplica, prácticamente... Y además es una profesión que no tiene memoria, en cualquier trabajo al cabo de “equis” años tienes una antigüedad, supone un reconocimiento, tienes unos aumentos de sueldo... pero hay un cierto reconocimiento, pero aquí no tiene por qué... es una profesión dura...

Pregunta: No sé si esa falta de memoria es más dolorosa cuando viene desde el espectador... Eso de si no estás en la televisión no existes...

Inge Martín: Sí, de algún modo, sí, porque a lo mejor te has pasado once años chupando escenario sin parar, con una capacidad técnica que te han dado tus estudios y resulta un poco doloroso a veces... pero también tiene su lógica. El teatro mueve a mucha gente, pero lo que mueve la televisión es brutal, aun con audiencias que no sean enormes, son millones de personas y claro la repercusión que tiene eso, es evidente. Es así.

Pregunta: Has hecho teatro clásico, contemporáneo, comercial, experimental... ¿Qué tipo de teatro te ha llenado más o te ha requerido más compromiso?

Inge Martín: Un poco de todo. Técnicamente, el clásico español, en verso, te requiere mucho, porque no es fácil decir verso, respetando el verso, sin que se oiga el verso... sin caer en repeticiones de sonido... y es muy complicado... pero estar en un comercial, dos temporadas y que eso esté vivo cada día, también es muy difícil... Yo creo que cada fórmula, cada género teatral, tiene su “intríngulis” y cuando estás mucho tiempo en un género, te apetece hacer algo diferente... y quién diga lo contrario... No sé, cada proyecto es un reto maravilloso...

Pregunta: Qué responderías a quien te dijera que lo difícil de un proyecto de teatro comercial, es encontrar uno repleto de calidad...

Inge Martín: Vamos a ver, yo creo que cuando una función está dos temporadas en escena, su calidad cae por su propio peso... No están las cosas en teatro como para estar dos temporadas porque sí; algo se tiene que haber hecho bien para que la gente quiera ir y lo vaya recomendando a todo el mundo...

Pregunta: También has hecho mucha cine y mucha televisión...

Inge Martín: Sí, son dos medios diferentes... es diferente el trabajo con cámara a hacerlo sobre el escenario... y lo que te aportan es distinto, pero se echa mucho de menos también... Es que no te lo puedo explicar... Es muy complicado... Lo que pasa es más íntimo, más pequeño, pero muy potente... Son diferentes técnicas... aparte del ritmo, que hay que variar cada día, que son equipos enormes de ochenta personas...

Pregunta: ¿Crees que estamos viviendo una época televisiva, en cuanto a series de ficción, feliz para la profesión?

Inge Martín: Sí, desde luego, no hay más que ver que se ha ampliado el abanico de temáticas, se ha ampliado el abanico de época, cómo se está haciendo la labor de arte, la dirección de arte en todas estas series, los guiones son más variados y yo espero que pase lo que ocurre en Estados Unidos y que cada vez vayamos a más importancia de las series y más calidad, especialmente, por favor, en los guiones... que podamos llegar a un momento en el que cada temporada esté guionizada desde el principio hasta el final, y si son varias, lo mismo... que se sepa profundamente quién es cada personaje y no se improvise... Que tengan realmente profundidad psicológica, para que se puedan trabajar bien, bien, desde la interpretación del actor.

Pregunta: ¡Y lo pides “por favor”!

Inge Martín: Sí es que el guión es fundamental, es una parte inmensa del trabajo audiovisual y es muy importante y creo que se está haciendo una labor ímproba, y estamos viendo unas series increíbles, a nivel de fotografía, realización, arte, interpretación... esto es importante porque la gente también lo disfruta muchísimo... Y tenemos ejemplos tan maravillosos de calidad, de las series americanas... tenemos ya una referencia clara...

Pregunta: ¿Cómo ves la situación del teatro en la actualidad?

Inge Martín: Nosotros tenemos la suerte de estar en el éxito del Príncipe Gran Vía y que dure y... hay un poco de todo, siempre ha sido una industria en crisis, no sé dónde lo he leído... Desde el tiempo de los griegos, ya era una industria en crisis... con lo que ellos mismos comentarían que antes la situación era mejor... pero es algo que por otra parte es difícilmente reemplazable porque por mucho que te apetezca ir al cine o quedarte en casa a ver una serie, llega un momento en el que te apetece ver vida, algo que está pasando en ese momento que es tremendamente frágil, algo que está en peligro y donde puede pasar cualquier cosa y eso es irreemplazable y por eso se mantiene y cada cierto tiempo tiene una época de esplendor y creo que se está viviendo algo muy interesante, es que se empieza a ver y resulta atractivo ver cosas de formato no muy grande pero en los que el actor está muy cerca... se están viendo cosas que son muy prometedoras...

Pregunta: ¿Estamos en el buen camino para que se empiece a considerar al teatro no sólo como ocio, sino como cultura, realmente cultura?

Inge Martín: Quién lo sabe... el teatro teóricamente es cultura, ojalá fuera ocio... Es decir, ojalá fuera algo que a la gente le apeteciera ver y por eso bendita sea nuestra función, porque es una obra donde hay una serie de personas en vivo, y es algo en la que la gente dice qué voy hacer este día, pues me apetece ir a ver “Toc toc”... Es fantástico que el teatro sea cultura, está reconocido como tal, y ojalá fuera también ocio... algo que le apeteciese consumir a la gente... Como en otros países, donde se consume cultura, la cultura es una forma de ocio, no deberían ser dos cosas contrapuestas... Ver espectáculos en vivo, ver cultura... es parte de la vida misma, del día a día, o del mes a mes de la población... por ejemplo, yo viví en París y a cualquier persona, cualquiera, ir a ver conciertos, cine, teatro, exposiciones, era algo que se hacía semanalmente... en ese sentido... bueno, no sé qué decirte, ahí lo dejo...

Pregunta: Con esa experiencia, has podido ver con más claridad nuestro déficit ¿no? ¿En ello tal vez tenga algo que ver el sistema educativo?

Inge Martín: Es otro tema... sumamente complicado... cuando no eres experto puedes decir barbaridades... yo si quieres te digo las vaguedades que considero, pero creo que tiene que ver con la cultura, y claro esto tiene que ver con la educación. Somos un país donde hace buen tiempo y uno tiende a salir a la calle, es decir, una tendencia a salir a la calle y ya que estás te tomas unas cañas...

Pregunta: Así que la culpa la tiene el tiempo (risas)

Inge Martín: Esto... es una posible explicación (risas) Quién sabe, es la historia, es la valoración que se hace en los medios de la cultura, la forma en la que se fomenta la cultura desde la educación, es la forma cómo las administraciones lo gestionan, es decir, hay una cosa que es lo que uno tiene que hacer, la programación, por ejemplo... pero hay un interés real o sólo es algo para cubrir unos cupos culturales, lo haces y en el fondo te da igual si la gente lo ve o no... Me imagino que es un conjunto de factores, cultural, político, educacional... normalmente es sistemático, todo funciona en red...

Sofía Basalo.